La "Historia del teatro español" se completa, desde el punto de vista didáctico y lúdico, con este CD-ROM interactivo, concebido como una representación, que convierte al usuario en un espectador y le permite asistir al teatro de las distintas épocas, oír las voces de los grandes autores, consultar información e incluso jugar. Para jóvenes y adultos que quieran profundizar en sus conocimientos sobre el arte teatral.

Esta Historia del teatro español, dirigida por Javier Huerta, responde a un enfoque innovador que atiende por igual el texto y la representación. Los principales especialistas en cada tema han logrado una obra rigurosa y amena, fundamentalmente para

Esta Historia del teatro español, dirigida por Javier Huerta, responde a un enfoque innovador que atiende por igual el texto y la representación. Los principales especialistas en cada tema han logrado una obra rigurosa y amena, fundamentalmente para

Esta Historia del teatro español, dirigida por Javier Huerta, responde a un enfoque innovador que atiende por igual el texto y la representación. Los principales especialistas en cada tema han logrado una obra rigurosa y amena, fundamentalmente para los estudiantes y los investigadores universitarios, y también para las gentes del teatro y el público culto.
Vol. I DE LA EDAD MEDIA A LOS SIGLOS DE ORO
Vol. II DEL SIGLO XVIII A LA ÉPOCA ACTUAL

Los Cuadros de viaje recogen las experiencias autobiográficas de los viajes que Heine realizó por Alemania e Italia entre 1823 y 1828, aunque más bien nos ofrecen una especie de vagabundaje interior y no son sino viajes en torno a un único centro: el corazón del poeta.
En ellos conviven el profundo lirismo con un sarcasmo inmisericorde, la tierna ingenuidad de canciones y leyendas populares con caricaturas en el más pícaro estilo de Quevedo, la admiración y el entusiasmo por grandes personajes históricos con el resentimiento y la sátira más cruel a la Alemania de su tiempo, el amor sublime con los prosaicos placeres de la carne, la constante burla de Dios, del mundo y del lector con la más sincera compasión por los humildes y los débiles, una notabilísima erudición con una fantasía desmesurada, un chispeante humor con una amargura terrible. Todos estos elementos y muchos más aparecen unos junto a otros sin transición, como los rombos multicolores del gorro de cascabeles de un arlequín, una imagen grotesca que refleja la visión que Heine tiene del mundo y que representa el ideal estético de lo fragmentario, quebrado e imperfecto, tan característico de la literatura moderna.
Introducción, traducción y notas de Isabel García Adánez.

Título completo: "ARLEQUÍN PULIDO POR EL AMOR - LA ISLA DE LOS ESCLAVOS - JUEGOS DE AMOR Y FORTUNA - LA ESCUELA DE LAS MADRES - LAS FALSAS CONFIDENCIAS "
Introducción y traducción de Francisco Lafarga Maduell.
La traducción que se propone en este volumen intenta dar al lector no especializado una visión de la variedad del teatro de Marivaux. Se han escogido cinco obras representativas de distintos momentos y tendencias dentro de la dramaturgia del autor, disponiéndolas por el orden de su estreno.

Arlequín pulido por el amor, uno de los primeros grandes éxitos de Marivaux en la Comédie-Italienne (1720), presenta, en un marco de cuento de hadas, una especie de educación sentimental del protagonista que da nombre a la pieza.
El joven Arlequín se halla en el centro de una situación que, no por fantástica, deja de ser algo escabrosa: un mozo guapo y bien formado, raptado por el Hada, cuya edad desconocemos, aunque es lícito imaginarla mucho mayor que Arlequín, perdidamente enamorada de él y que intenta en vano suscitar en el joven el mismo sentimiento, con el propósito final, eso sí, de casarse con él. A pesar de todo su poder, de sus sortilegios — incluidos anillo y varita mágicos —, el Hada será vencida por una simple zagala, que hace nacer el amor en Arlequín, el cual se transforma gracias a él en un personaje risueño e ingenioso, frente a la tosquedad y zafiedad que lo habían caracterizado en la primera parte de la comedia.
Se trata, en definitiva, de una pieza menor, breve, que combina elementos de la comedia italiana con otros procedentes de los cuentos de hadas, tan de moda a principios del siglo XVIII en Francia.

Por su parte, La isla de los esclavos es un claro ejemplo del teatro social o «filosófico» de Marivaux que representa un apartado de la producción marivaudiana especialmente valorado por la crítica y dramaturgia actual. Estrenada en marzo de 1725 en la Comédie-Italienne con gran éxito, es la primera parte de una trilogía que comprende, además, La isla de la razón o Los hombrecitos y La colonia, piezas representadas en la Comédie-Française con escasa repercusión. En los tres casos, la acción transcurre en una isla, lugar mítico por excelencia. En la isla de la razón, los personajes no razonables, los que se resisten a entrar en razón, corrigiendo sus defectos y arrepintiéndose de los abusos y desmanes cometidos, cambian de tamaño y se convierten en enanos. En la colonia de recién llegados a la isla, las mujeres se rebelan y reclaman sus derechos a la igualdad y aun a la superioridad en relación a los hombres; el ataque de un grupo de salvajes pondrá de nuevo las cosas en su lugar: los hombres empuñarán las armas y las mujeres volverán a cuidarse del hogar.

Juegos de amor y fortuna ha gozado de gran éxito desde la fecha de su estreno en la Comédie-Italienne en 1730. La Comédie-Française incluyó la obra en su repertorio a finales del siglo XVIII y desde entonces ha sido — junto con Las falsas confidencias — la pieza más representada de Marivaux.
La situación, respecto de las dos comedias anteriores, cambia totalmente. Después del decorado, fantástico y bucólico al mismo tiempo, de Arlequín pulido por el amor, y del marco utópico de La isla de los esclavos, nos encontramos con unos decorados contemporáneos — la acción transcurre en el interior de una casa burguesa de París — y con personajes y costumbres plenamente de la época.
Hay en esta comedia, como en la anterior, intercambio de papeles entre los señores y sus criados, aunque aquí el intercambio es voluntario y urdido para que los prometidos puedan conocerse mejor sin saberlo. A pesar de que el porte y el lenguaje traicionan de vez en cuando a los personajes, la ficción puede llevarse casi hasta el final, hasta el momento en que el amor parece imponerse a las convenciones sociales: el señor Dorante se enamora de la falsa sirvienta Silvia y está dispuesto a enfrentarse con su padre y quedarse sin la dote de su prometida por casarse con ella. Pero estamos en una comedia: el desenlace sitúa a cada cual en su lugar, los señores con los señores y los criados con los criados. Y hasta el pobre Arlequín, que pensaba hacer una gran boda, se contenta con la criada Liseta, que «vale más que su dote».

La escuela de las madres, de 1732, una pieza de tono menor, pero que ha gozado de mucha aceptación entre el público, en la que Marivaux combinó elementos de la comedia moralizante propia de su época con el disfraz y el enredo más tópicos de la comedia del siglo XVII.
El resultado es una pieza breve, de gran movimiento, basada en la resistencia de la falsa ingenua Angélica a un matrimonio que no desea, impuesto por una madre tiránica, y sus tejemanejes — auxiliada por los criados, como siempre — para reunirse con su amado. Al final, la madre debe aceptar a regañadientes la lección que le dan entre todos. Máscaras, disfraces, penumbras y equívocos salpican esta divertida comedia que, una vez más, insiste en el viejo conflicto del casamiento forzado y desigual, desbaratado por la astucia.

Finalmente, Las falsas confidencias, estrenada en la Comédie-Italienne en marzo de 1737. Se trata de una de las comedias más célebres de Marivaux, y con razón, tanto por la complejidad de los personajes como por el argumento, el tono y los diálogos. Aun cuando se ha relacionado su trama con la de El perro del hortelano de Lope de Vega, es improbable que haya relación directa entre ambas, puesto que ni Marivaux sabía español ni la comedia de Lope estaba traducida al francés en su época.
Si bien el tema es viejo, a saber, el tira y afloja entre madre e hija acerca del casamiento de esta, hay en la comedia una diferencia fundamental respecto de las anteriores: la hija, Araminta, ya no es una jovencita más o menos ingenua como Silvia o Angélica, todavía bajo la tutela paterna, sino una mujer independiente, viuda y rica, que no necesita de ningún enredo ni subterfugio para oponerse al matrimonio que ha dispuesto su autoritaria madre. Todo ello sazonado con distintos equívocos, creados o favorecidos por los criados.

"Este volumen contiene tres de las obras más representativas de quien sin duda es el mejor dramaturgo de la Viena de fin de siècle: Hugo von Hofmannsthal (1874-1929): El difícil, Cada Cual y La torre; un drama de salón, un misterio medieval y un drama barroco respectivamente. El hilo conductor que dota de unidad a estas piezas, aparentemente tan heterogéneas –anacrónicas, incluso para el momento en que fueron escritas–, es su voluntad común de renovar y actualizar -para que no queden en pretérito, inservibles- las certezas, las evidencias que habían caído en el olvido en la segunda mitad del siglo XIX, abriendo una profunda crisis cultural en Europa.
"El difícil" describe la extraordinaria dificultad que su protagonista, Hans Karl, encuentra para entablar cualquier tipo de relación en un mundo que se le antoja fragmentario, convulso, incomprensible. La palabra se ha degradado y resulta un instrumento insuficiente para revelar el significado de la realidad. Haciendo un juego de parónimos, las cosas ya no se revelan, las cosas se rebelan, se alzan contra el sujeto que las había nombrado y éste precisa de todas sus fuerzas para no perder pie en una realidad agitada, polémica. La primera empresa consistirá, por tanto, en abrir de nuevo el camino hacia lo real, y esto sólo es posible cuando Hans Karl cae en la cuenta de que ha apartado de sí un elemento constitutivo de la palabra: su carácter creador. La función de la palabra es fundar ámbitos de encuentro, no asegurar el dominio del sujeto sobre el objeto, siempre precario y en trance de desaparecer.
En la segunda de las obras, "Cada Cual", se ensaya la recuperación de las preguntas radicales que tienen que ver con el ámbito de la metafísica. Cada Cual es un joven rico que se ve sorprendido por la muerte. Abandonado por sus amigos y sin poder recurrir a sus bienes para conjurar la desgracia que se abate sobre él, parece que su existencia está condenada de raíz a convertirse en polvo y perderse en la nada. El núcleo de la cuestión es la negación del carácter personal del hombre, cuando el valor de la existencia no se deriva de su propia dignidad, sino de una instancia ajena (el dinero, el éxito, el poder) que lo ha otorgado en el tiempo. Cada Cual ha enajenado su identidad, reduciéndose a un conjunto de rasgos escasamente articulados que no superan el horizonte de la muerte. Cuando el protagonista reconoce su error y vuelve arrepentido sobre sí mismo, su fe le salva.
"La torre", que entronca con la obra de Calderón La vida es sueño, presenta a un príncipe Segismundo que, tras salir de su reclusión, se convierte en el modelo del buen gobernante. Se trata de un drama político, motivado por la desintegración de la civilización europea tras la Primera Guerra Mundial. Frente a los tiranos que se afirman sobre el pueblo, la razón de ser de Segismundo es el servicio. La obra tiene resonancias mesiánicas, su protagonista acaba convertido en una suerte de Juan Bautista que preconiza la llegada de un personaje bien curioso: el Rey de los Niños, que inaugurará una nueva era de paz.
La lectura de Hofmannsthal tiene, como se puede apreciar, mucho de reviviscencia; no se agota en la constatación de las penalidades por las que atraviesa, sino que nos invita a rehacer el movimiento mental del autor, que pugna por sobreponerse a una experiencia de pérdida, de desorientación que es tan propia de su tiempo como del nuestro."