Durante más de un siglo, Alemania ha estado a la vanguardia de la innovación en diseño gracias a los principios pedagógicos de la Bauhaus, que revolucionaron la enseñanza de la disciplina y marcaron su evolución a lo largo del siglo XX. Alemania, una de las naciones líderes en este campo, siempre se ha enorgullecido de su reputación mundial de excelencia en el diseño, la ingeniería y la fabricación.

Este libro traza la evolución del diseño alemán desde el movimiento Jugendstil de principios del siglo XX hasta la reforma de la disciplina impulsada por la Deutsche Werkbund, y sigue con la innovadora Bauhaus, el modernismo alemán de entreguerras, la “Gute Form” (buen diseño) de posguerra y el pop de la década de 1960 hasta llegar al día de hoy. Este volumen, que se centra en el trabajo de los pioneros más influyentes de Alemania, está repleto de magníficas imágenes de la flor y nata del diseño alemán, desde el revolucionario coche a motor patentado por Carl Benz (1886) y la cámara Ur-Leica de Oskar Barnack (1914) hasta el sistema de alta fidelidad Phonosuper SK4 de Dieter Rams y Hans Gugelot (1956) y el Chair_One de Konstanin Grcic (2003): productos fiables, hermosos y de líneas limpias que han alcanzado reconocimiento mundial como paradigmas de excelencia en el diseño.

Además de las entradas dedicadas a los profesionales más ilustres de Alemania, como Peter Behrens, Marianne Brandt, Herbert Bayer, Walter Gropius, Marcel Breuer, Ludwig Mies van der Rohe y Richard Sapper, también se abordan las escuelas, grupos y empresas más influyentes, incluidas la Bauhaus, la Hochschule für Gestaltung (Ulm), Porsche Design y Volkswagen. Si bien la mayoría de obras recogidas en este volumen desvelan la obsesión nacional por encontrar las soluciones más racionales y eficientes, el diseño alemán tiene una cara B representada por creadores como Luigi Colani, Günter Beltzig e Ingo Maurer, con planteamientos más escultóricos y expresivos, que también se aborda en esta guía imprescindible.

En todo el mundo, el diseño italiano es sinónimo de sofisticación e innovación técnica. La razón es que ningún otro país abraza el buen diseño con tanta pasión. Como nación, Italia está enormemente orgullosa de su incomparable “industria del diseño” y de un estilo que se entrelaza en el tejido mismo de su cultura. Italian Design presenta a las principales figuras de Italia y sus obras más importantes, al tiempo que explora las ideas clave que subyacen en ellas, del racionalismo al pop y al antidiseño radical.

Este volumen traza la evolución del diseño italiano durante los últimos 100 años a través de obras impresionantes que revelan el alcance increíblemente amplio del diseño italiano, desde muebles elegantes y con estilo y originales luces escultóricas hasta superbikes de grandes prestaciones y automóviles extraordinarios.

El libro dedica entradas a una selección estelar de diseñadores que incluye a Joe Colombo, Vico Magistretti, Carlo Mollino, Gio Ponti y Ettore Sottsass, a influyentes grupos como Archizoom, Studio65 y Superstudio, y a varias marcas de fama mundial, como Artemide, Alessi, Alfa Romeo, Ducati, Ferrari y Kartell, para mostrar la diversidad de enfoques que hacen del diseño italiano un mundo apasionante.

En todo el mundo, el diseño italiano es sinónimo de sofisticación e innovación técnica. La razón es que ningún otro país abraza el buen diseño con tanta pasión. Como nación, Italia está enormemente orgullosa de su incomparable “industria del diseño” y de un estilo que se entrelaza en el tejido mismo de su cultura. Italian Design presenta a las principales figuras de Italia y sus obras más importantes, al tiempo que explora las ideas clave que subyacen en ellas, del racionalismo al pop y al antidiseño radical.

Este volumen traza la evolución del diseño italiano durante los últimos 100 años a través de obras impresionantes que revelan el alcance increíblemente amplio del diseño italiano, desde muebles elegantes y con estilo y originales luces escultóricas hasta superbikes de grandes prestaciones y automóviles extraordinarios.

El libro dedica entradas a una selección estelar de diseñadores que incluye a Joe Colombo, Vico Magistretti, Carlo Mollino, Gio Ponti y Ettore Sottsass, a influyentes grupos como Archizoom, Studio65 y Superstudio, y a varias marcas de fama mundial, como Artemide, Alessi, Alfa Romeo, Ducati, Ferrari y Kartell, para mostrar la diversidad de enfoques que hacen del diseño italiano un mundo apasionante.

Durante más de un siglo, Alemania ha estado a la vanguardia de la innovación en diseño gracias a los principios pedagógicos de la Bauhaus, que revolucionaron la enseñanza de la disciplina y marcaron su evolución a lo largo del siglo XX. Alemania, una de las naciones líderes en este campo, siempre se ha enorgullecido de su reputación mundial de excelencia en el diseño, la ingeniería y la fabricación.

Este libro traza la evolución del diseño alemán desde el movimiento Jugendstil de principios del siglo XX hasta la reforma de la disciplina impulsada por la Deutsche Werkbund, y sigue con la innovadora Bauhaus, el modernismo alemán de entreguerras, la “Gute Form” (buen diseño) de posguerra y el pop de la década de 1960 hasta llegar al día de hoy. Este volumen, que se centra en el trabajo de los pioneros más influyentes de Alemania, está repleto de magníficas imágenes de la flor y nata del diseño alemán, desde el revolucionario coche a motor patentado por Carl Benz (1886) y la cámara Ur-Leica de Oskar Barnack (1914) hasta el sistema de alta fidelidad Phonosuper SK4 de Dieter Rams y Hans Gugelot (1956) y el Chair_One de Konstanin Grcic (2003): productos fiables, hermosos y de líneas limpias que han alcanzado reconocimiento mundial como paradigmas de excelencia en el diseño.

Además de las entradas dedicadas a los profesionales más ilustres de Alemania, como Peter Behrens, Marianne Brandt, Herbert Bayer, Walter Gropius, Marcel Breuer, Ludwig Mies van der Rohe y Richard Sapper, también se abordan las escuelas, grupos y empresas más influyentes, incluidas la Bauhaus, la Hochschule für Gestaltung (Ulm), Porsche Design y Volkswagen. Si bien la mayoría de obras recogidas en este volumen desvelan la obsesión nacional por encontrar las soluciones más racionales y eficientes, el diseño alemán tiene una cara B representada por creadores como Luigi Colani, Günter Beltzig e Ingo Maurer, con planteamientos más escultóricos y expresivos, que también se aborda en esta guía imprescindible.

Catorce años. En ese breve período entre dos guerras mundiales, la escuela de arte y diseño alemana Bauhaus sentó las bases de la modernidad. A partir de una visión utópica del futuro, la escuela desarrolló una práctica vanguardista que fusionaba las bellas artes, la artesanía y la tecnología con el objetivo de aplicarla en otros medios y actividades artísticas: del cine al teatro, de la escultura a la cerámica.

Esta obra de referencia es posible gracias a la colaboración del Bauhaus-Archiv/ Museum für Gestaltung de Berlín, que alberga la colección más importante hoy sobre esta famosa escuela artística. Con documentos, estudios, más de 250 nuevas fotografías, bocetos, planos y maquetas sobre las obras realizadas, nos acerca a los principios rectores y las personalidades de esta comunidad creativa idealista a través de sus tres sedes sucesivas en Weimar, Dessau y Berlín. Desde retratos informales de gimnasia en grupo hasta los dibujos de una clase impartida por Paul Klee; desde extensos planos arquitectónicos hasta un cenicero infinitamente elegante de Marianne Brandt, la colección late con los colores, los materiales y las geometrías que conforman la visión Bauhaus de la obra de arte total.

Cerca ya de la celebración del centenario de la Bauhaus, este libro es la prueba definitiva de su energía y su rigor; no sólo como un movimiento creativo pionero, sino también como paradigma de la educación artística. Allí donde la expresión y las ideas vanguardistas produjeron obras al mismo tiempo funcionales y hermosas. Este práctico volumen presenta a artistas destacados como Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich.

Durante la segunda mitad del siglo XIX, en los verdes campos de los alrededores de Aix-en-Provence, Paul Cézanne (1839-1906) se consagró a la representación de paisajes y naturalezas muertas que se convertirían luego en obras clave del arte moderno. Con pinceladas compactas e intensas y un audaz acercamiento al espacio y la luz, Cézanne intermedió entre el impresionismo y los movimientos fundamentales de principios del siglo XX y se convirtió, en palabras de Matisse y Picasso, en "el padre de todos nosotros”.

Esta nueva aproximación a su trabajo selecciona las obras clave que permiten entender el desarrollo, las innovaciones y la influencia crucial que Cézanne ha tenido en el arte moderno. Desde composiciones de frutas y peras hasta escenas de bañistas, recorremos su experimentación con el color, la perspectiva y la textura para evocar “una armonía paralela a la naturaleza”, así como el propio proceso de ver y representar.

Por el camino, nos detenemos en su famosa serie de pinturas Los jugadores de cartas, con su combinación de capas de colores cálidos y fríos para construir forma y superficie, y en el rigor geométrico de sus paisajes de los alrededores de Aix-en-Provence, tan brillantes en su captura de la luz del sur de Francia como atrevidos por su concepción radical de las dimensiones y la profundidad.

El dibujo, una de las técnicas culturales más antiguas de la humanidad, nunca ha perdido un ápice de su atractivo, en parte gracias a la sencillez de los medios que hacen falta para practicarlo. Para dibujar solo se necesita una hoja de papel, un lápiz y, por supuesto, buen ojo y ganas de divertirse con el diseño visual.Este curso práctico y versátil describe las técnicas básicas más importantes del dibujo, como el bosquejo, el sombreado y el punteado. Doug DuBosque muestra cómo utilizar hábilmente estructuras, patrones, sombras y líneas de todo tipo para dar vitalidad, originalidad y profundidad a los dibujos. Artistas jóvenes y veteranos pueden crear sus propios mundos de fantasía poblándolos de animales salvajes de la jungla y de la estepa, hormigas diminutas, dinosaurios aterradores, nobles caballeros o coches deportivos creados a partir de óvalos, círculos, triángulos o rectángulos.Con más de 1.000 ilustraciones y consejos prácticos, los aspirantes a artistas aprenderán paso a paso cómo simples óvalos, círculos, triángulos, rectángulos y cuadrados pueden convertirse en animales salvajes de la jungla y de la estepa, temibles dinosaurios, hormigas diminutas, elegantes coches deportivos, nobles caballeros y dragones peligrosos. Asimismo, los alumnos adquirirán nociones sobre perspectiva para que sus dibujos ganen profundidad espacial y tridimensionalidad. El curso incluye numerosos consejos y trucos para ayudar a los lectores a que sus dibujos tengan un aspecto cada vez más realista.

Cuando el fotógrafo alemán Peter Lindbergh retrató a cinco jóvenes modelos en el centro de Nueva York en 1989, creó no sólo la emblemática portada de enero de 1990 para la versión británica de Vogue, sino que firmó el certificado de nacimiento de las supermodelos. La imagen no se limitó a reunir por primera vez cinco rostros venerados, sino que marcó el inicio de una nueva era en la moda y una nueva manera de comprender la belleza femenina.

Coincidiendo con una importante retrospectiva en el Kunsthal de Róterdam (Países Bajos), este libro recopila más de 400 fotografías tomadas por Lindbergh a lo largo de cuatro décadas para rendir homenaje a su capacidad única y revolucionaria de narrar historias. Sus inconfundibles imágenes monocromáticas, sobrias y seductoras al mismo tiempo, incorporaban un toque romántico y descriptivo que aportó una nueva visión y talento artístico al mundo de la moda y el arte.

Considerado un pionero de la fotografía, introdujo un nuevo realismo al redefinir los estándares de belleza con imágenes intemporales. Ya sean retratos o poéticas composiciones de figuras y paisajes, sus creaciones utilizan un lenguaje cinematográfico y juegan con arquetipos femeninos en los que sus modelos adoptan poses de bailarinas, actrices, heroínas o mujeres fatales. Además, Lindbergh confiere a la fotografía un enfoque humanístico, priorizando la belleza natural y auténtica, en un momento en el que predominan los retoques, captando el espíritu y la personalidad tanto como el aspecto físico y rindiendo homenaje a la elegancia y la sensualidad de las mujeres maduras.

Como prueba de la gran reputación de Lindbergh en el mundo de la moda, sus imágenes van acompañadas de comentarios de colaboradores de la talla de Jean Paul Gaultier, Nicole Kidman, Grace Coddington, Cindy Crawford y Anna Wintour, quien eligió a Lindbergh para que realizara a fotografía de su primera portada del Vogue estadounidense. Los elogios explican por qué las imágenes de Lindbergh son únicas y tan poderosas.