En Maldicidade, la ciudad nunca duerme. Al amanecer o al anochecer, en Nueva York, La Habana, Savador de Bahía o Tokio, la atmósfera está cargada de anhelos, de aflicción por la soledad y de esperanzas que nunca se hicieron realidad. Hijo de diplomáticos, el artista visual Miguel Rio Branco se inspira en su infancia itinerante para realizar este retrato urbano abrasador que revela la soledad y las luchas cotidianas de los habitantes de las grandes metrópolis de todo el mundo.

Las imágenes son técnicamente impecables, pero lo que muestran no siempre es hermoso. Rio Branco no está interesado en documentar los puntos de referencia históricos de las ciudades, en componer un paisaje urbano impresionante o plasmar un ideal. Todo lo contrario: dirige su cámara hacia aquellos que sufren el rechazo y han quedado al margen, que han sido descartados y viven en el desencanto. Ya sea a través de imágenes crudas o serenas, son las personas sin hogar, los mendigos y las prostitutas, así como los perros callejeros, los coches desvencijados y los cristales rotos los motivos de sus impresiones urbanas.

Aunque algunos detalles sutiles revelan el lugar concreto en que se tomaron las fotografías, el corazón del proyecto de Rio Branco es la experiencia urbana común. En lugar de abordar el contexto local o proponer una narración explicativa, las imágenes están meticulosamente organizadas en una sola secuencia que hace pensar en una ciudad universal. Por su ritmo y orden de sucesión gráfica, esta colección parece salir de una sala de montaje en la que Rio Branco haya creado evocadores patrones de motivos, como edificios ruinosos, figuras solitarias, coches destartalados; de color, con rojos intensos, rosas polvorientos, blancos y azules claros; y de forma, como la imagen de un sin hogar que duerme en la calle junto a la estatua de un santo extático. Y de principio a fin, a modo de consuelo sensual y esperanzador en medio de la miseria y la suciedad, se presentan esporádicas imágenes de mujeres, desde imponentes retratos a delicados desnudos en primer plano.

Tan incisivo en el fondo como lírico en la forma, Maldicidade muestra el ineludible magnetismo de la ciudad así como su inhumanidad y carácter alienante. Descarnada, despojada de cualquier artificio y dolorosamente bella, esta es una colección en la que todos los habitantes de las grandes ciudades encontrarán algo de sí mismos o algo de lo que anhelan escapar.

La escritura encierra una especie de magia que nos transporta a momentos cruciales de la historia, la creatividad y la vida cotidiana, y nos vincula íntimamente con sus protagonistas. Durante casi medio siglo, el escritor y editor brasileño Pedro Corrêa do Lago ha reunido miles de cartas, manuscritos, composiciones musicales, fotografías con anotaciones y dibujos, entre otros, en una de las colecciones de documentos escritos a mano más completas de nuestro tiempo.

Desde un pergamino de 1153 con la rúbrica de cuatro papas medievales hasta la firma de Stephen Hawking en 2006, compuesta por una impresión de la huella de su pulgar, los elementos que aquí se recogen abarcan casi 900 años de historia, y nos acercan a escritores, artistas, compositores, figuras políticas, intérpretes, exploradores, científicos, filósofos y revolucionarios cuyas acciones y creaciones los convirtieron en leyendas.

En lugar de centrarse en un solo tema o una única época, Corrêa do Lago tomó la ambiciosa decisión de buscar documentos autógrafos importantes pertenecientes a ocho grandes áreas: arte, historia, literatura, ciencia, música, filosofía, exploración y entretenimiento. Los 140 extraordinarios documentos seleccionados para este libro, exhibidos por primera vez en una importante exposición en la Morgan Library and Museum de Nueva York, incluyen cartas de Lucrecia Borgia, Vincent van Gogh y Emily Dickinson, bocetos con anotaciones de Miguel Ángel, Jean Cocteau y Charlie Chaplin, y manuscritos de Giacomo Puccini, Jorge Luis Borges y Marcel Proust.

La escritura a mano es uno de los medios más viscerales con los que dejamos huella de nuestra existencia. En un momento en que gran parte de nuestra comunicación se ha vuelto completamente inmaterial, esta colección llama la atención sobre la capacidad de los textos manuscritos para revelar la energía, el poder, la vulnerabilidad y la imaginación de la humanidad a través del tiempo.

Uno de los principales artistas del simbolismo, Odilon Redon (1840-1916) fue también un pintor de extremos escénicos y emocionales. Hasta 1890 aproximadamente, el artista era conocido en exclusiva por sus obras en blanco y negro. Estos cuadros negros eran litografías y dibujos al carboncillo poblados por criaturas fantásticas y aterradoras en una paleta de colores lúgubres. Los tonos pastel, sin embargo, fueron abriéndose paso poco a poco por su obra y, con ellos, surgieron temas nuevos y menos sombríos. Las flores se convirtieron en un motivo recurrente. Donde otrora se alzaron símbolos de melancolía, ahora se abrían paso caballos y mariposas de alas batientes.

Si bien este lirismo y armonía de la última etapa de Redon contrasta vivamente con su melancolía anterior, sus principios rectores seguían «poniendo lo visible al servicio de lo invisible». Mediante una imaginería onírica, unas texturas suntuosas y un sugestivo uso del color, Redon buscó crear un equivalente pictórico de su propio espíritu. Fue sobre todo un artista que plasmaba estados de ánimo, tanto los malos presagios como la alegría, y que ejerció una considerable influencia en el posimpresionismo que vendría después.

Zen, relajantes, místicos, meditativos: las palabras no pueden hacer justicia a los interiores más hermosos de Asia. Ya sea un dorado monasterio tibetano, una plantación en Sri Lanka o una casa de campo en Tailandia, cada uno de los paraísos que aparece en este libro es extraordinario tanto por su estética como por su espíritu.

Esta colección presenta 46 escenarios excepcionales de Tíbet, Nepal, India, Sri Lanka, Birmania, Tailandia, Laos, Camboya, Singapur y Malasia. Entre las obras destacadas se cuentan casas tradicionales birmanas; el espectacular palacio Shiv Niwas en India, que recibió la visita de James Bond en Octopussy; templos camboyanos; una barcaza para el transporte de arroz convertida en casa flotante en Tailandia; un apartamento a gran altura con vistas al perfil urbano de Singapur; la “Mansión Azul”, la magnífica casa con patio pintada de color índigo que aparece en la película Indochina; un impresionante jardín diseñado por el arquitecto cingalés Geoffrey Bawa; y muchas, muchas más.

Películas como Perdición, El beso mortal o El sueño eterno nos introducen en un mundo de oscura e inquietante elegancia con este manual esencial sobre cine negro. Detectives privados y crímenes perfectos, policías corruptos y romances abocados al fracaso. Los editores Paul Duncan y Jürgen Müller examinan los temas clave del género negro y sus películas más representativas desde 1940 hasta 1960.

Este libro, profusamente ilustrado con fotografías fijas, fotogramas y carteles originales, ofrece, página tras página, composiciones visuales llenas de virtuosismo al tiempo que explora los paradigmas narrativos de este género inquietante, absorbente y en constante evolución. Y por si su apetito cinéfilo no se viera del todo satisfecho, el volumen concluye además la selección de TASCHEN de los 50 mejores clásicos del cine negro.

Repleto de damas enigmáticas, gángsteres desesperados y asesinos psicópatas que han proyectado una alargada y fascinante sombra sobre el cine, este es un manual imprescindible tanto para los aficionados al género negro como para los néofitos.

Con motivo del centenario de una escuela de arte y diseño pionera, este libro celebra la fundación de la Bauhaus con un reconocimiento visual a sus figuras más infravaloradas. Aunque la institución proporcionó a las mujeres nuevas oportunidades para formarse, estas se vieron obligadas a lidiar con expectativas familiares poco razonables, la actitud ambigua del cuerpo docente y la Administración, convenciones sociales obsoletas y, en última instancia, la represión política del régimen nazi.

Sin precedentes en la literatura actual, Bauhaus Gals presenta a cerca de 90 artistas y artesanas a través de textos y retratos fotográficos, muchos de ellos inéditos hasta ahora. Recientes descubrimientos en los archivos recuperan las biografías de los talentos más conocidos, como Marianne Brandt, la primera mujer admitida en el programa de metalistería de la Bauhaus cuyos diseños todavía comercializa Alessi; Gertrud Arndt, a quien la universidad intentó disuadir de estudiar arquitectura pero brilló como fotógrafa y diseñadora de alfombras; Lucia Moholy, que tomó fotografías emblemáticas de los edificios de la Bauhaus pero pasó el resto de su vida intentando recuperar los negativos que le fueron ocultados. Además, gracias a este volumen recordamos a otras artistas cuyos nombres, prácticamente olvidados, también representan las primeras luchas por la igualdad de género, mujeres que se negaron a seguir el camino marcado por la sociedad y sus familias.

Con más de 400 retratos fotográficos tomados entre 1919 y 1933, Bauhaus Gals crea una impresión visual de las artistas que formaron parte de la escuela de arte más progresista del siglo XX y, desde ella, contribuyeron a cambiar el mundo del arte, la arquitectura, el diseño e incluso la política. La extensa información biográfica nos desvela la lucha individual de cada artista, su persistencia frente a la adversidad y sus increíbles logros. En este gran álbum familiar le invitamos a descubrir a un grupo de vanguardistas únicas cuyo legado abrió el camino a las artistas de las generaciones futuras.

El emperador Maximiliano I (1459-1519) abordó el espectáculo de los torneos, sus propias andanzas y el teatro de máscaras como una forma artística en sí misma. Uno de los soberanos más importantes de la Europa moderna, dio forma al mapa político del continente hasta bien entrado el siglo XX gracias, en buena parte, a la importancia que concedía al poder de la diplomacia y las redes de influencia.

De 1512 a 1515, Maximiliano encargó la realización de un enorme manuscrito con ilustraciones y detalles exquisitos dedicado a sus 64 torneos. Las 255 miniaturas que contiene, con elaborados añadidos de oro y plata, son más que una simple colección de escenas de justas en la corte de los Habsburgo, ya sean los grandes combates multitudinarios, las listas para los combates a pie o las ceremonias de clausura: son una epopeya alegórica que cuenta la historia de un héroe intrépido, un caballero errante que no es otro que el propio Maximiliano. Bajo el disfraz de su alter ego literario, “Freydal”, el emperador participa en justas para demostrar su amor por una dama de la nobleza. La historia termina cuando la dama, que no es otra que María de Borgoña, accede a casarse con él en 1477.Producido bajo la supervisión directa del propio Maximiliano, Freydal es un documento de valor incalculable de la caballería de la Baja Edad Media que nos presenta las justas que el emperador revivió e incluso inventó, como la espectacular Rennen mit geschifften Tartschen, en la que los escudos son catapultados al cielo, donde se desintegran y convierten en trozos de metal. A día de hoy, sigue siendo el libro de torneos más extenso de la Baja Edad Media que se conserva y una fuente esencial para el estudio de las fiestas cortesanas en la Europa moderna. Demasiado frágil como para exhibirlo de forma permanente, sus miniaturas se conservan en las cámaras del Museo de Historia del Arte de Viena.

Para conmemorar el quinto centenario de la muerte del emperador Maximiliano I, TASCHEN presenta el conjunto completo de 255 miniaturas en reproducciones fotográficas a todo color, y hace posible que por primera vez este manuscrito único pueda ser disfrutado por todos. Stefan Krause, director de la Armería Imperial del Museo de Historia del Arte, presenta esta asombrosa colección y cuenta su fascinante historia.

Puede que Little Nemo (el pequeño Nemo) sea un diminuto héroe dentro de la narrativa del cómic, pero sin duda es uno de los más grandes viajeros del siglo XX. Obra maestra de Winsor McCay (1869-1934), los sueños de este pequeño e inquieto personaje inspiraron a generaciones de artistas a través de sus peripecias semanales, que le hacían viajar de la cama a Slumberland (el país de los sueños), un reino onírico de pintorescos compañeros, arquitectura elaborada, entorno psicodélico y emocionantes aventuras.Este segundo volumen recoge, a todo color y con resolución XXL, las 329 escapadas nocturnas de Nemo entre 1910 y 1927. A través de ellas disfrutamos no sólo del esplendor de Slumberland, una referencia surrealista para Robert Crumb y Federico Fellini, sino también de las innovadoras técnicas narrativas y compositivas de McCay, de su tempo y de los extraordinarios detalles arquitectónicos.

Aventura literaria, delicia visual y un trozo de historia creativa, esta publicación constituye todo un monumento a un pionero, un innovador —y uno de los exploradores más intrépidos— de la historia del cómic. La edición XXL, encuadernada en tela, incluye episodios de:

Los años del New York Herald (1910-1911, Little Nemo in Slumberland), con las legendarias aventuras en zepelín.

Los años de William Randolph Hearst (1911-1914, In the Land of Wonderful Dreams)


Los años del New York Herald Tribune (1924-1927, Little Nemo in Slumberland)


Un pájaro monstruoso que devora a los pecadores, cuerpos desnudos contorsionándose en posturas tántricas, un par de orejas blandiendo la hoja de un cuchillo: con sus detalles dantescos y sus esquemas pictóricos fantásticos, Jerónimo Bosch (aprox. 1450-1516) se ha ganado un pedestal en la historia del arte. Transcurridos 500 años desde su muerte, su extraordinaria obra sigue embelesando a expertos en pintura, artistas, diseñadores y músicos.

Esta monografía a gran escala de TASCHEN presenta la obra completa de El Bosco. A través de reproducciones a toda página, abundantes detalles y un desplegable de El juicio final, descubrimos el asombroso potencial compositivo del pintor, así como los detalles más inquietantes e intrincados de sus cuadros. Con la orientación de Stefan Fischer, historiador del arte y experto en la obra de El Bosco, el libro analiza los numerosos elementos cautivadores que pueblan cada escena, de los seres híbridos mitad hombre y mitad animal a las representativas agresiones al cuerpo, pasando por el uso pictórico de refranes y modismos. Se concede una atención especial a la obra más célebre del artista, el hipnotizante y aterrador tríptico El jardín de las delicias.