La escritura encierra una especie de magia que nos transporta a momentos cruciales de la historia, la creatividad y la vida cotidiana, y nos vincula íntimamente con sus protagonistas. Durante casi medio siglo, el escritor y editor brasileño Pedro Corrêa do Lago ha reunido miles de cartas, manuscritos, composiciones musicales, fotografías con anotaciones y dibujos, entre otros, en una de las colecciones de documentos escritos a mano más completas de nuestro tiempo.

Desde un pergamino de 1153 con la rúbrica de cuatro papas medievales hasta la firma de Stephen Hawking en 2006, compuesta por una impresión de la huella de su pulgar, los elementos que aquí se recogen abarcan casi 900 años de historia, y nos acercan a escritores, artistas, compositores, figuras políticas, intérpretes, exploradores, científicos, filósofos y revolucionarios cuyas acciones y creaciones los convirtieron en leyendas.

En lugar de centrarse en un solo tema o una única época, Corrêa do Lago tomó la ambiciosa decisión de buscar documentos autógrafos importantes pertenecientes a ocho grandes áreas: arte, historia, literatura, ciencia, música, filosofía, exploración y entretenimiento. Los 140 extraordinarios documentos seleccionados para este libro, exhibidos por primera vez en una importante exposición en la Morgan Library and Museum de Nueva York, incluyen cartas de Lucrecia Borgia, Vincent van Gogh y Emily Dickinson, bocetos con anotaciones de Miguel Ángel, Jean Cocteau y Charlie Chaplin, y manuscritos de Giacomo Puccini, Jorge Luis Borges y Marcel Proust.

La escritura a mano es uno de los medios más viscerales con los que dejamos huella de nuestra existencia. En un momento en que gran parte de nuestra comunicación se ha vuelto completamente inmaterial, esta colección llama la atención sobre la capacidad de los textos manuscritos para revelar la energía, el poder, la vulnerabilidad y la imaginación de la humanidad a través del tiempo.

La escritura encierra una especie de magia que nos transporta a momentos cruciales de la historia, la creatividad y la vida cotidiana, y nos vincula íntimamente con sus protagonistas. Durante casi medio siglo, el escritor y editor brasileño Pedro Corrêa do Lago ha reunido miles de cartas, manuscritos, composiciones musicales, fotografías con anotaciones y dibujos, entre otros, en una de las colecciones de documentos escritos a mano más completas de nuestro tiempo.

Desde un pergamino de 1153 con la rúbrica de cuatro papas medievales hasta la firma de Stephen Hawking en 2006, compuesta por una impresión de la huella de su pulgar, los elementos que aquí se recogen abarcan casi 900 años de historia, y nos acercan a escritores, artistas, compositores, figuras políticas, intérpretes, exploradores, científicos, filósofos y revolucionarios cuyas acciones y creaciones los convirtieron en leyendas.

En lugar de centrarse en un solo tema o una única época, Corrêa do Lago tomó la ambiciosa decisión de buscar documentos autógrafos importantes pertenecientes a ocho grandes áreas: arte, historia, literatura, ciencia, música, filosofía, exploración y entretenimiento. Los 140 extraordinarios documentos seleccionados para este libro, exhibidos por primera vez en una importante exposición en la Morgan Library and Museum de Nueva York, incluyen cartas de Lucrecia Borgia, Vincent van Gogh y Emily Dickinson, bocetos con anotaciones de Miguel Ángel, Jean Cocteau y Charlie Chaplin, y manuscritos de Giacomo Puccini, Jorge Luis Borges y Marcel Proust.

La escritura a mano es uno de los medios más viscerales con los que dejamos huella de nuestra existencia. En un momento en que gran parte de nuestra comunicación se ha vuelto completamente inmaterial, esta colección llama la atención sobre la capacidad de los textos manuscritos para revelar la energía, el poder, la vulnerabilidad y la imaginación de la humanidad a través del tiempo.

El programa Case Study Houses (1945-1966) fue un acontecimiento excepcional e innovador en la historia de la arquitectura estadounidense y sigue siendo único hasta la fecha. Se centró en el área de Los Ángeles y supervisó el diseño de 36 prototipos de vivienda, buscaba ofrecer planes para construir residencias modernas que resultaran más económicas y de fácil ejecución durante el boom de la construcción de la posguerra.

La principal fuerza inspiradora del programa fue el editor de Arts & Architecture John Entenza, un campeón de la modernidad que tenía los contactos apropiados para atraer a los mayores talentos del gremio, como Richard Neutra, Charles y Ray Eames y Eero Saarinen. Altamente experimental, el programa creó casas que fueron diseñadas para redefinir el hogar moderno, y así ejercieron una fuerte influencia en la arquitectura –estadounidense e internacional– tanto durante la existencia del programa como hoy mismo.

TASCHEN le ofrece una retrospectiva monumental del programa completo con documentación exhaustiva, brillantes fotografías de la época y, en cuanto a las casas todavía existentes, fotos contemporáneas, así como planos y bocetos detallados.

Viajar por Italia es lo más parecido a estar en el paraíso. Durante siglos, escritores, artistas, arquitectos y comerciantes han llegado hasta aquí inspirados por la belleza de Venecia, Florencia, Nápoles y Roma. Innumerables libros, pinturas, poemas y esculturas dejan constancia del atractivo eterno del país, que en los últimos 60 años se ha convertido en uno de los destinos para turistas y viajeros más importantes del mundo. Si no inmortal, la belleza de Italia es sin duda duradera, y el estilo de vida italiano tranquilo y relajado no tiene rival.

Algunos de los paisajes más asombrosos de Italia y de sus diversas regiones cobran vida en este libro: Toscana, Umbría, la costa de Amalfi y, no menos mágicas, las islas Eolias frente a la costa de Sicilia. En este entorno mítico hay hoteles legendarios y evocadores en los que se ambientan novelas, se ruedan películas, se celebran bodas y se consuman famosas historias de amor: Villa d’Este, en el lago Como; el Hotel Pellicano, en Porto Ercole; Il San Pietro, en la costa de Amalfi; y el Palazzo Margherita, en Basilicata, son solo algunos ejemplos. Angelika Taschen también revela dónde encontrar tesoros más secretos y recónditos: desde Locanda Cipriani, un destino para los amantes de la buena mesa en la isla de Torcello hasta el romántico Castello di Vicarello, en Toscana, y la evocadora Masseria Moroseta, en Puglia.

¿Cuándo un orinal deja de ser un orinal? Cuando Marcel Duchamp (1887-1968) decide declararlo arte. El alboroto que provocó la obra del artista francés La fuente (1917), un orinal de porcelana expuesto en una galería, sentó unos precedentes en los círculos artísticos que aún siguen vigentes.Duchamp dedicó su vida artística a desafiar el concepto del arte y, en el proceso, abrió nuestras mentes a posibilidades inimaginables hasta entonces. Tras una incursión tangencial en el cubismo en los inicios de su carrera, el artista se hizo famoso con Desnudo bajando una escalera (1912), una revolucionaria combinación de abstracción, cubismo y futurismo con un desnudo, presente en el título y polémico por su carácter mecánico. De esa misma época, datan las primeras incursiones de Duchamp en los ahora emblemáticos ready-mades, objetos que parecían encontrados por casualidad y presentados como arte por el creador. Entre ellos se incluye Rueda de bicicleta (1913), Portabotellas (1914) y una pala de nieve titulada Anticipo de un brazo roto (1915).

Sin embargo, Duchamp no se conformó con eso y despertó asombro entre los espectadores amantes de la tradición con obras como L.H.O.O.Q. (1919), en la que presentaba una copia barata de la Mona Lisa de Da Vinci con una barba y un bigote pintarrajeados y cuyo título, por si fuera poco, incluía un juego de palabras que en francés sonaba como si se dijera "Elle a chaud au cul" (literalmente "Ella tiene el culo caliente", y que puede traducirse como "Ella está excitada sexualmente").

Este libro destila toda la osadía y el escándalo que acompañaban al arte de Marcel Duchamp en una recopilación de sus obras esenciales y presenta no sólo a un creador pionero sino también un periodo crucial en el arte occidental. Es aquí donde, entre los ataques a los viejos maestros y la poesía fracturada de los objetos encontrados, el mundo artístico evolucionó por primera vez desde las experiencias "retinianas" a una práctica más conceptual.

Andrea Palladio (1508-1580) es considerado por muchos el padre de la arquitectura occidental. Fuertemente influenciado por el diseño de los templos de las antiguas Grecia y Roma, lideró un renacimiento de las simetrías y perspectivas clásicas, y con ellas creó un lenguaje arquitectónico universal.

Desde sus humildes inicios como aprendiz de cantero, Palladio llegó a ser arquitecto jefe de la República de Venecia, en ese momento epicentro de la innovación en Europa. Allí diseñó la iglesia del Redentor y San Giorgio Maggiore, en el promontorio que marca la separación entre el canal de la Giudecca y la gran laguna de Venecia. En la cercana Vicenza, Palladio construyó la mundialmente famosa Basílica, la Villa Rotonda y el Teatro Olímpico, y en la región circundante del Véneto erigió numerosas villas rurales que destacan por integrar la arquitectura vernácula local en un esquema clásico y por el uso de pórticos para crear espacios de tránsito entre el interior del exterior. Tanto la ciudad de Vicenza como las villas de Palladio forman en la actualidad parte de la lista de sitios y monumentos declarados patrimonio mundial por la Unesco.

Con el tiempo, la arquitectura de Palladio se convirtió en el estilo palladiano, un lenguaje universal de elegancia serena que influyó en edificios como el Capitolio de Washington, D.C., la casa de Thomas Jefferson en Monticello, Virginia, o la catedral de San Pablo, en Londres. Este libro fundamental de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN incluye una rigurosa introducción que analiza los proyectos más importantes de Palladio y documenta el camino que lo llevó a convertirse en uno de los arquitectos más influyentes de todos los tiempos.

Solo unos cuantos devotos de la forma se han acercado a las radicales contribuciones que Rembrandt Harmenszoon van Rijn aportó al arte del autorretrato. Rembrandt desafió las convenciones consagradas por sus predecesores y transformó este formato en un medio capaz de comunicar profundidad emocional, en lugar de plasmar simplemente el aspecto físico en un ambiente adecuado o lujoso como era habitual.

Con más de 80 obras que abarcan pinturas, grabados y dibujos, los autorretratos que el holandés realizó a lo largo de su vida son un medio para fijar lo efímero, ya sean momentos de evolución individual frente al paso inexorable del tiempo o de emociones y gestos faciales que desaparecen sin rastro con la misma rapidez con la que aparecieron. Durante las cuatro décadas en que fueron pintados, una constante llama la atención en todas las técnicas y estilos: el empeño de Rembrandt por presentarse desde múltiples perspectivas, de celebrar la multiplicidad del individuo y de apostar por un retrato natural y sin filtros de la expresión emocional.

Además de las preocupaciones temáticas presentes en el conjunto de autorretratos de Rembrandt, las creaciones también son un ejemplo de innovación técnica y experimentación. La luz baña un hombro mientras medio rostro está sumido en la sombra sobre un fondo oscuro. Sus rizos indisciplinados, marcados sobre una pátina húmeda de pintura de tonos terrosos con un lápiz de caña de punta deshilachada, parecen reflejar la luz que cae sobre ellos, arremolinados con la energía alborotada de la sorpresa que el rostro de Rembrandt expresa tan a menudo. En toda su obra encontramos una humanidad inequívoca, cada pincelada expresiva y cada detalle confuso se traducen en una caracterización resuelta y honesta de sí mismo, de todas sus debilidades, sentimientos encontrados y etapas de la vida.

Esta monografía, publicada en conmemoración del 350º aniversario de la muerte del artista y en colaboración con la gran exposición que se le dedica en el Rijksmuseum, presenta todos los autorretratos de Rembrandt en impresionante tamaño XL. Desde sus primeros experimentos cuando tenía 22 años hasta su último autorretrato pintado un año antes de su muerte, esta colección monumental es testimonio de una vida dedicada a revolucionar la práctica pictórica en forma y contenido.

Solo unos cuantos devotos de la forma se han acercado a las radicales contribuciones que Rembrandt Harmenszoon van Rijn aportó al arte del autorretrato. Rembrandt desafió las convenciones consagradas por sus predecesores y transformó este formato en un medio capaz de comunicar profundidad emocional, en lugar de plasmar simplemente el aspecto físico en un ambiente adecuado o lujoso como era habitual.

Con más de 80 obras que abarcan pinturas, grabados y dibujos, los autorretratos que el holandés realizó a lo largo de su vida son un medio para fijar lo efímero, ya sean momentos de evolución individual frente al paso inexorable del tiempo o de emociones y gestos faciales que desaparecen sin rastro con la misma rapidez con la que aparecieron. Durante las cuatro décadas en que fueron pintados, una constante llama la atención en todas las técnicas y estilos: el empeño de Rembrandt por presentarse desde múltiples perspectivas, de celebrar la multiplicidad del individuo y de apostar por un retrato natural y sin filtros de la expresión emocional.

Además de las preocupaciones temáticas presentes en el conjunto de autorretratos de Rembrandt, las creaciones también son un ejemplo de innovación técnica y experimentación. La luz baña un hombro mientras medio rostro está sumido en la sombra sobre un fondo oscuro. Sus rizos indisciplinados, marcados sobre una pátina húmeda de pintura de tonos terrosos con un lápiz de caña de punta deshilachada, parecen reflejar la luz que cae sobre ellos, arremolinados con la energía alborotada de la sorpresa que el rostro de Rembrandt expresa tan a menudo. En toda su obra encontramos una humanidad inequívoca, cada pincelada expresiva y cada detalle confuso se traducen en una caracterización resuelta y honesta de sí mismo, de todas sus debilidades, sentimientos encontrados y etapas de la vida.

Esta monografía, publicada en conmemoración del 350º aniversario de la muerte del artista y en colaboración con la gran exposición que se le dedica en el Rijksmuseum, presenta todos los autorretratos de Rembrandt en impresionante tamaño XL. Desde sus primeros experimentos cuando tenía 22 años hasta su último autorretrato pintado un año antes de su muerte, esta colección monumental es testimonio de una vida dedicada a revolucionar la práctica pictórica en forma y contenido.