El Diccionario de arabismos es una aportación absolutamente novedosa, ya que no existe ninguna obra parecida en la lexicografía española. La más reciente, la de Kiesel (1994), se limita prudentemente a recoger los arabismos llamados «seguros», sin ofrecer nuevas hipótesis, mientras que los mejores diccionarios etimológicos, como el de Corominas, reflejan sólo la etapa de la lingüística andalusí anterior a ellos, por lo que no incorporan los abundantísimos datos más recientes, que proceden no sólo de las lenguas literarias, sino también de los dialectos, y que aparecen reunidos en este diccionario de Federico Corriente.
En cuanto al interés cultural de la obra, no hace falta insistir en que el árabe es, después del latín, el elemento constitutivo más importante, no sólo del castellano, sino también de las demás lenguas iberorrománicas en el aspecto léxico y también en ciertos puntos de semántica o fonología, de ahí el interés de estudiar esta influencia desde el punto de vista lexicográfico.
El Diccionario de Corriente será la referencia básica para los estudiosos de las lenguas iberorrománicas, por lo riguroso de su metodología y por el hecho de estar fundamentado sobre un conjunto de datos considerablemente más amplio que el de cualquier otra lexicografía. Por todo ello supone un gran avance para la lingüística románica y para la dialectología árabe.

Nikolái Vasílievich Gógol nació en una pequeña localidad de Ucrania en 1809, en el seno de una familia de propietarios rurales. Tras concluir sus estudios secundarios en Nezhin, partió para San Petersburgo, sede de la corte, donde inició una oscura carrera de funcionario y publicó sus primeras obras con el seudónimo de V. Alov. Su actividad literaria le valió la amistad de Vasili Zhukovski, poeta y preceptor del príncipe heredero, y le permitió conocer personalmente a su gran ídolo, Aleksandr Pushkin, que apoyó su carrera, le ofreció publicar en la revista que dirigía e incluso le donó el tema de sus dos obras más conocidas, Las almas muertas y El revisor. Tras el escándalo suscitado por el estreno de esa última obra, Gógol decidió marchar al extranjero, donde pasó la mayor parte de su vida, principalmente en Roma, ciudad que le resultaba especialmente propicia y afín. Envuelto en un torbellino de viajes interminables, que en 1848 le llevó incluso a Jerusalén, trató infructuosamente de completar la segunda parte de Las almas muertas, cuyo manuscrito quemó en dos ocasiones. Presa de grandes temores religiosos y sometido a la voluntad de un sacerdote fanático, dejó prácticamente de comer y falleció en Moscú el 4 de marzo de 1852.

La primera parte de Veladas en un caserío próximo a Dikanka apareció en 1831; su éxito arrollador propició la publicación de un segundo tomo un año más tarde. En este primer libro, el más desenfadado y alegre de toda su producción, el autor, valiéndose de temas y personajes de la literatura popular y del folclore e influido por las corrientes románticas entonces en boga, ofrece una visión risueña, poética y fabulosa de su Ucrania natal. En esta obra predominan los relatos humorísticos, las narraciones de terror, las historias de encantamiento, los sucedidos fantásticos, siempre condimentados con detalles de época, descripciones fidedignas de costumbres y atavíos y un cierto sabor exótico. Reconocido unánimemente como el mayor estilista de la lengua rusa, en esta primera obra ya da prueba Gógol de su extraordinario talento narrativo y de su capacidad para la descripción poética de entornos naturales, paisajes, luces y ambientes. De entre todos los cuentos destacan dos: Una venganza terrible, paradigma del relato romántico de terror, e Iván Fiódorovich Shponka y su tía, que anuncia los posteriores desarrollos de su narrativa.
Introducción, traducción y notas de Víctor Gallego Ballesteros

Título completo: "ARLEQUÍN PULIDO POR EL AMOR - LA ISLA DE LOS ESCLAVOS - JUEGOS DE AMOR Y FORTUNA - LA ESCUELA DE LAS MADRES - LAS FALSAS CONFIDENCIAS "
Introducción y traducción de Francisco Lafarga Maduell.
La traducción que se propone en este volumen intenta dar al lector no especializado una visión de la variedad del teatro de Marivaux. Se han escogido cinco obras representativas de distintos momentos y tendencias dentro de la dramaturgia del autor, disponiéndolas por el orden de su estreno.

Arlequín pulido por el amor, uno de los primeros grandes éxitos de Marivaux en la Comédie-Italienne (1720), presenta, en un marco de cuento de hadas, una especie de educación sentimental del protagonista que da nombre a la pieza.
El joven Arlequín se halla en el centro de una situación que, no por fantástica, deja de ser algo escabrosa: un mozo guapo y bien formado, raptado por el Hada, cuya edad desconocemos, aunque es lícito imaginarla mucho mayor que Arlequín, perdidamente enamorada de él y que intenta en vano suscitar en el joven el mismo sentimiento, con el propósito final, eso sí, de casarse con él. A pesar de todo su poder, de sus sortilegios — incluidos anillo y varita mágicos —, el Hada será vencida por una simple zagala, que hace nacer el amor en Arlequín, el cual se transforma gracias a él en un personaje risueño e ingenioso, frente a la tosquedad y zafiedad que lo habían caracterizado en la primera parte de la comedia.
Se trata, en definitiva, de una pieza menor, breve, que combina elementos de la comedia italiana con otros procedentes de los cuentos de hadas, tan de moda a principios del siglo XVIII en Francia.

Por su parte, La isla de los esclavos es un claro ejemplo del teatro social o «filosófico» de Marivaux que representa un apartado de la producción marivaudiana especialmente valorado por la crítica y dramaturgia actual. Estrenada en marzo de 1725 en la Comédie-Italienne con gran éxito, es la primera parte de una trilogía que comprende, además, La isla de la razón o Los hombrecitos y La colonia, piezas representadas en la Comédie-Française con escasa repercusión. En los tres casos, la acción transcurre en una isla, lugar mítico por excelencia. En la isla de la razón, los personajes no razonables, los que se resisten a entrar en razón, corrigiendo sus defectos y arrepintiéndose de los abusos y desmanes cometidos, cambian de tamaño y se convierten en enanos. En la colonia de recién llegados a la isla, las mujeres se rebelan y reclaman sus derechos a la igualdad y aun a la superioridad en relación a los hombres; el ataque de un grupo de salvajes pondrá de nuevo las cosas en su lugar: los hombres empuñarán las armas y las mujeres volverán a cuidarse del hogar.

Juegos de amor y fortuna ha gozado de gran éxito desde la fecha de su estreno en la Comédie-Italienne en 1730. La Comédie-Française incluyó la obra en su repertorio a finales del siglo XVIII y desde entonces ha sido — junto con Las falsas confidencias — la pieza más representada de Marivaux.
La situación, respecto de las dos comedias anteriores, cambia totalmente. Después del decorado, fantástico y bucólico al mismo tiempo, de Arlequín pulido por el amor, y del marco utópico de La isla de los esclavos, nos encontramos con unos decorados contemporáneos — la acción transcurre en el interior de una casa burguesa de París — y con personajes y costumbres plenamente de la época.
Hay en esta comedia, como en la anterior, intercambio de papeles entre los señores y sus criados, aunque aquí el intercambio es voluntario y urdido para que los prometidos puedan conocerse mejor sin saberlo. A pesar de que el porte y el lenguaje traicionan de vez en cuando a los personajes, la ficción puede llevarse casi hasta el final, hasta el momento en que el amor parece imponerse a las convenciones sociales: el señor Dorante se enamora de la falsa sirvienta Silvia y está dispuesto a enfrentarse con su padre y quedarse sin la dote de su prometida por casarse con ella. Pero estamos en una comedia: el desenlace sitúa a cada cual en su lugar, los señores con los señores y los criados con los criados. Y hasta el pobre Arlequín, que pensaba hacer una gran boda, se contenta con la criada Liseta, que «vale más que su dote».

La escuela de las madres, de 1732, una pieza de tono menor, pero que ha gozado de mucha aceptación entre el público, en la que Marivaux combinó elementos de la comedia moralizante propia de su época con el disfraz y el enredo más tópicos de la comedia del siglo XVII.
El resultado es una pieza breve, de gran movimiento, basada en la resistencia de la falsa ingenua Angélica a un matrimonio que no desea, impuesto por una madre tiránica, y sus tejemanejes — auxiliada por los criados, como siempre — para reunirse con su amado. Al final, la madre debe aceptar a regañadientes la lección que le dan entre todos. Máscaras, disfraces, penumbras y equívocos salpican esta divertida comedia que, una vez más, insiste en el viejo conflicto del casamiento forzado y desigual, desbaratado por la astucia.

Finalmente, Las falsas confidencias, estrenada en la Comédie-Italienne en marzo de 1737. Se trata de una de las comedias más célebres de Marivaux, y con razón, tanto por la complejidad de los personajes como por el argumento, el tono y los diálogos. Aun cuando se ha relacionado su trama con la de El perro del hortelano de Lope de Vega, es improbable que haya relación directa entre ambas, puesto que ni Marivaux sabía español ni la comedia de Lope estaba traducida al francés en su época.
Si bien el tema es viejo, a saber, el tira y afloja entre madre e hija acerca del casamiento de esta, hay en la comedia una diferencia fundamental respecto de las anteriores: la hija, Araminta, ya no es una jovencita más o menos ingenua como Silvia o Angélica, todavía bajo la tutela paterna, sino una mujer independiente, viuda y rica, que no necesita de ningún enredo ni subterfugio para oponerse al matrimonio que ha dispuesto su autoritaria madre. Todo ello sazonado con distintos equívocos, creados o favorecidos por los criados.

Fechada en torno a 1609, Cimbelino es una de las grandes obras del periodo final de William Shakespeare. La obra fue ya en su momento una de las preferidas de grandes escritores como Bernard Shaw (que incluso rescribió la obra en su delicioso Cymbeline refinished), Tennyson o Lytton Strachey. Recientemente redescubierta por la crítica anglosajona, en ella Shakespeare despliega ya los recursos de los que se sirvió para sus otras dos obras de suprema madurez: La tempestad y el Cuento de Invierno. Las tres juntas forman el grueso de los llamados romances shakespereanos, obras novedosas en las que experimenta con nuevos recursos y formas dramáticas. En Cimbelino observamos el gusto por la sofisticación y los alardes imaginativos llevados al extremo: el artificio teatral en su forma más gozosa.
Ambientada en una Britania prerromanizada vagamente irreal, las convenciones del cuento de hadas, las intrigas por el poder y el tema eterno de los celos y la fidelidad amorosa se entretejen con virtuosismo genial hasta llegar al verdadero gran finale de la última escena: en sólo cuatrocientos versos se suceden en ella más de veinte revelaciones de identidad y escenas de reconocimiento. Pero antes, los personajes (y el espectador/lector con ellos) habrán presenciado prodigiosas apariciones divinas, visitas de fantasmas, envenenamientos y batallas. Preside todas las peripecias la hermosa figura de Imogenia, princesa de Britania, que sobresale por derecho propio en la soberbia galería de personajes femeninos imaginados por Shakespeare y que para Wordsworth era, ni más ni menos, «la mujer por encima de todas las mujeres de Shakespeare».
Traducida al castellano por primera vez de forma íntegra y en verso, quien la lea disfrutará y se divertirá tanto con ella como adivinamos que el propio Shakespeare hizo al escribirla.
Introducción y traducción de Javier García Montes.

"Este volumen contiene tres de las obras más representativas de quien sin duda es el mejor dramaturgo de la Viena de fin de siècle: Hugo von Hofmannsthal (1874-1929): El difícil, Cada Cual y La torre; un drama de salón, un misterio medieval y un drama barroco respectivamente. El hilo conductor que dota de unidad a estas piezas, aparentemente tan heterogéneas –anacrónicas, incluso para el momento en que fueron escritas–, es su voluntad común de renovar y actualizar -para que no queden en pretérito, inservibles- las certezas, las evidencias que habían caído en el olvido en la segunda mitad del siglo XIX, abriendo una profunda crisis cultural en Europa.
"El difícil" describe la extraordinaria dificultad que su protagonista, Hans Karl, encuentra para entablar cualquier tipo de relación en un mundo que se le antoja fragmentario, convulso, incomprensible. La palabra se ha degradado y resulta un instrumento insuficiente para revelar el significado de la realidad. Haciendo un juego de parónimos, las cosas ya no se revelan, las cosas se rebelan, se alzan contra el sujeto que las había nombrado y éste precisa de todas sus fuerzas para no perder pie en una realidad agitada, polémica. La primera empresa consistirá, por tanto, en abrir de nuevo el camino hacia lo real, y esto sólo es posible cuando Hans Karl cae en la cuenta de que ha apartado de sí un elemento constitutivo de la palabra: su carácter creador. La función de la palabra es fundar ámbitos de encuentro, no asegurar el dominio del sujeto sobre el objeto, siempre precario y en trance de desaparecer.
En la segunda de las obras, "Cada Cual", se ensaya la recuperación de las preguntas radicales que tienen que ver con el ámbito de la metafísica. Cada Cual es un joven rico que se ve sorprendido por la muerte. Abandonado por sus amigos y sin poder recurrir a sus bienes para conjurar la desgracia que se abate sobre él, parece que su existencia está condenada de raíz a convertirse en polvo y perderse en la nada. El núcleo de la cuestión es la negación del carácter personal del hombre, cuando el valor de la existencia no se deriva de su propia dignidad, sino de una instancia ajena (el dinero, el éxito, el poder) que lo ha otorgado en el tiempo. Cada Cual ha enajenado su identidad, reduciéndose a un conjunto de rasgos escasamente articulados que no superan el horizonte de la muerte. Cuando el protagonista reconoce su error y vuelve arrepentido sobre sí mismo, su fe le salva.
"La torre", que entronca con la obra de Calderón La vida es sueño, presenta a un príncipe Segismundo que, tras salir de su reclusión, se convierte en el modelo del buen gobernante. Se trata de un drama político, motivado por la desintegración de la civilización europea tras la Primera Guerra Mundial. Frente a los tiranos que se afirman sobre el pueblo, la razón de ser de Segismundo es el servicio. La obra tiene resonancias mesiánicas, su protagonista acaba convertido en una suerte de Juan Bautista que preconiza la llegada de un personaje bien curioso: el Rey de los Niños, que inaugurará una nueva era de paz.
La lectura de Hofmannsthal tiene, como se puede apreciar, mucho de reviviscencia; no se agota en la constatación de las penalidades por las que atraviesa, sino que nos invita a rehacer el movimiento mental del autor, que pugna por sobreponerse a una experiencia de pérdida, de desorientación que es tan propia de su tiempo como del nuestro."

El título de este libro refleja bien su contenido. Se trata de un estudio de todas las novelas de Carmen Martín Gaite que proporciona una detenida visión de conjunto de su trayectoria novelística extendida a lo largo de más de cuarenta años, iniciada en 1958 con Entre visillos y concluida en marzo de 2001 con Los parentescos.
José Jurado ha adoptado un criterio cronológico a la hora de estudiar las novelas de Carmen Martín Gaite en tres capítulos generales que siguen la transformación histórico-cultural de España y la propia trayectoria novelística de la escritora. El primero está dedicado a sus novelas de la posguerra (Entre visillos, Ritmo lento), cuyos personajes y conflictos están sensiblemente determinados por el ambiente vivido bajo el franquismo. El segundo atiende a las novelas escritas en la transición política de los años setenta (Retahílas, Fragmentos de interior y El cuarto de atrás), en las que sobresalen la mirada analítica del reciente pasado histórico español, la defensa de la comunicación entre los seres humanos y el deseo por renovar los modos de narrar. Finalmente, el tercero está centrado en su producción en plena democracia: Caperucita en Manhattan y La Reina de las Nieves, por una parte, y Nubosidad variable, Lo raro es vivir, Irse de casa y Los parentescos, por otra.
José Jurado cierra su rigurosa obra con unas conclusiones en las que hace balance de la estructura actancial básica de las novelas, de la esencia y evolución de los conflictos, de la configuración de los personajes, de la renovación narratológica y de la posición de los lectores ante la obra de Martín Gaite. Incluye, al final, una bibliografía específica sobre la escritora que, además de enmarcarla en la literatura española del siglo xx, recoge su producción, las entrevistas concedidas y lo publicado sobre su obra.

Versión español de Adelino Álvarez Rodríguez

Dentro de la literatura universal, la china es la de mayor riqueza, y esto se debe en primer lugar a su poesía. Ningún pueblo ha legado a la Humanidad un acervo de tantos y tan excelentes poetas, algunos de ellos figuras cimeras de la literatura univ