“Mañana por la tarde, Su Alteza Real el Señor Príncipe hará recitar una comedia. Será cosa singular en el sentido de que todos los interlocutores hablarán en música”, así anunciaba un caballero llamado Carlo Magni el 23 de febrero lo que aquel carnaval de 1607 traía de nuevo: al día siguiente se estrenaba “ La fábula de Orfeo”, de Claudio Monteverdi, y nacía así la primera obra maestra del lenguaje operístico.
¿Cómo era esta nueva concepción expresiva del canto? En cuatro actos y una obertura Laia Falcón, profesora y cantante soprano, relata la mágica historia de la ópera desde su nacimiento a principios del siglo XVII hasta nuestros días. Por ella desfilan sus escuelas nacionales, sus grandes figuras, sus dilemas, su desarrollo, su público… en una vívida narración que, de un lado, es rica en detalles y curiosidades y, de otro, sitúa este arte en el contexto cultural de su tiempo. Es, en suma, una apasionante introducción a uno de los géneros más vitales de la música.

Las 88 teclas del piano —52 blancas y 36 negras— han sido la base sonora sobre la que la mayoría de los compositores han probado y escuchado por primera vez sus melodías antes de llevarlas al pentagrama. Desde su invención en los primeros años del siglo XVIII hasta hoy, el piano ha sido protagonista indispensable de la música. El piano: 52 + 36 presenta un panorama de su evolución, sus características y modelos, fabricantes, compositores, escuelas e intérpretes, en el que también se tiene en cuenta la producción española, llenando así una laguna frecuente en la bibliografía extranjera. Ofrece al aficionado a la música, a cualquier lector interesado, no sólo la posibilidad de encontrar en él datos contrastados, clarificación de aspectos concretos y lúcidas observaciones; lo enriquecen incontables vivencias y pormenores que su autor ha ido recogiendo durante una prolífica vida profesional vinculada a la música y que hacen de su lectura una verdadera delicia de amenidad y erudición.

Más de 500 ilustraciones y memorabilia de todos los rincones del planeta, fotografías inéditas de cada una de sus actuaciones y del backstage. Programas de mano, pósters, pases vip, carteles, entradas, singles y elepés.
- La historia de la banda y los secretos de su extensa discografía, escrupulosamente compilada por el reconocido crítico musical Phil Sutcliffe.
- Su trayectoria vista por la cámara de míticos fotógrafos o plasmada en los artículos de verdaderas leyendas del rock como Jon Bream, Jim Derogatis, Harry Doherty, Greg Kot, Daniel Nester, Denis O#Regan, Michael Putland, Mick Rock, Sylvie Simmons y muchas firmas más.
- Testimonios exclusivos, objetos personales y fotografías desconocidas del archivo del que fue su jefe de gira, Peter Hince, así como de Reinhold Mack, productor y amigo personal de la banda.
- Comprometidas reflexiones de Billy Squier, que fue durante mucho tiempo colaborador e íntimo amigo de Freddie Mercury, y la opiniones de muchos de los artistas que han sido influenciados por la música o impactados por la potencia de Queen: Slash, Tommy Lee de Mötley Crüe, Chris Squire de Yes, Rob Halford de Judas Priest, Geddy Lee de Rush, Neil Diamond, Tom Morello de Rage Against de Machine, Adele, Kid Rock y muchos más.

Que las canciones cuenten lo que pasa en la sociedad es un fenómeno que se repite a lo largo del tiempo y del espacio. Ellas tienen la capacidad de captar la historia, resumir movimientos sociales y políticos, y hacerlos permanecer vivos en la memoria a lo largo del tiempo. Además, las manifestaciones de las acciones colectivas vienen casi siempre acompañadas con cantos adaptados a cada una de las diferentes reivindicaciones, forjándose como un vector de solidaridad, esencial para reforzar la voluntad individual y la dinámica de grupo. Ninguna otra manifestación artística ha poseído tal fuerza y facilidad de difusión entre el pueblo independientemente de sus orígenes, países, culturas.
A lo largo de este estudio sobre la canción ideológicamente comprometida en Francia comprobaremos que se trata de un fenómeno continuo y prolífico en la historia de este país inseparable de los cambios, las modas, la sociedad, la economía, la política, los periodos de paz y guerra o la inmigración. Veremos su importancia, no sólo como realidad musical, sino también como fenómeno sociológico debido a su esencia indisociable de los hechos históricos y sobre todo, de la vida cotidiana de la sociedad francesa.

Neil Young es uno de los músicos más relevantes de la historia del rock. Su prolífico talento ha producido más de cincuenta álbumes y cuatrocientas canciones, entre las que se encuentran algunas de las más imperecederas de todos los tiempos: «Like a Hurricane», «Tonight’s the Night», «Down by the River», «The Needle and the Damage Done», «Old Man», «Rockin’ in the Free World», «Southern Man», «Cinnamon Girl», «Cortez the Killer», «Hey Hey, My My», «After the Gold Rush», «Heart of Gold» y un larguísimo etcétera…
Jimmy McDonough, admirador a ultranza de Young, consiguió establecer una relación privilegiada con el músico, venciendo infinidad de resistencias y barreras, y se embarcó en un proceso de documentación exhaustivo y meticuloso que le llevaría casi diez años y no pocos quebraderos de cabeza, entre los cuales destaca la reacción adversa de Young al leer la biografía, cuya publicación trató de impedir a toda costa. Alejado de la hagiografía y de la previsible retórica de la mayoría de biografías de músicos, McDonough logró no solo ofrecer un retrato feroz del canadiense —mostrando en toda su crudeza tanto su carácter errático, brutal y desconcertante como la esencia de su singular talento para componer canciones y una generosidad nada autocomplaciente—, sino que consiguió plasmar de manera apasionada e intensa cuatro décadas de rock por las que brillan con luz propia, además de Young, prácticamente la totalidad de sus allegados, colaboradores y tanto los músicos de su generación como los que recogieron el testigo de su talento.
Neil Young, nacido en Canadá en 1945 en el seno de una familia desestructurada, padeció de muy joven la polio, que lo dejaría marcado física y psicológicamente. Muy pronto empezó a aflorar una pasión por la música que lo llevaría a los veinte años a liderar la primera de sus míticas formaciones, Buffalo Springfield. No tardaría en empezar a grabar en solitario y con la superbanda de estrellas Crosby, Stills & Nash, colaboración que lo llevó a la fama mundial, aunque también suscitó innumerables tensiones fruto de la confrontación de egos, muchos de ellos enardecidos por las drogas y la pulsión creativa. Un Young cada vez más ermitaño, esquivo y atormentado por los frecuentes ataques de epilepsia, que lo dejaban destrozado, fue encontrando progresivamente su voz, sobre todo cuando se unió a los erráticos Crazy Horse, banda con la que ha compartido algunos de sus mejores momentos. Sin embargo, más allá de los datos oficiales, de los éxitos sobradamente conocidos, McDonough también desvela la parte más oscura de Young, sus fracasos amorosos, su lucha por ayudar a sus dos hijos con parálisis cerebral o su inveterada tendencia a desaparecer sin dar explicaciones y dejar a todo el mundo colgado…
La heteróclita e imprevisible obra de Young es una de las más originales y arriesgadas de todos los tiempos. Su estilo ha basculado de una obsesiva atención por el detalle y la producción minuciosa a la búsqueda del momento mágico de la interpretación en directo sin apenas filtros de producción o ensayos previos. En 1995 entró en el Salón de la Fama del Rock y sigue al pie del cañón, reinventándose con cada disco, fiel a su máxima «es mejor quemarse que apagarse lentamente».

Este libro es la primera monografía colectiva en la que se trata de las obras literarias, tanto poéticas como dramáticas y en prosa, que tiene entre sus personajes y temas a tipos marginales de la sociedad de su tiempo, jaques y daifas, hombres y mujeres que constituyeron una micro-sociedad en los barrios periféricos de las grandes ciudades, en especial Sevilla, Madrid y Valencia. De forma paralela a su existencia real, la literatura y la música crearon para ellos un mundo de ficción, en el que se presentan sus enfrentamientos con la justicia, los castigos que reciben e incluso sus últimos momentos. También forma parte del interés de los creadores de su tiempo el mundo prostibulario en el que a menudo se insertan o con el que tienen fuertes connivencias.
Las obras tienen un lenguaje característico, más o menos críptico según épocas y autores. La fuerza de estos personajes llevó como desarrollo natural a su presencia en los corrales de comedias avanzado el tiempo. La música característica de la jácara profana invadió también templos y conventos de sus festividades principales, adaptando poemas y melodías a un ámbito muy distinto.

ÍNDICE: La lengua de la jácara. Jácaras poéticas. Jácras teatrales. Tipos y situaciones de jácara en la prosa. Jácaras y música. Jácara y sociedad del hampa.

Uno de los puntos cardinales del mejor rock americano facturado en estas últimas tres décadas. Ahora que R.E.M. ya han cerrado el telón, es el momento de volver a sumergirse en el inconfundible legado que sembraron a lo largo de su imponente trayectoria; de reevaluar con objetividad y pasión su discografía y, de paso, darle nueva vida a obras tan poco consideradas en su momento de publicación como Fables Of The Reconstruction, New Adventures In Hi-Fi, Up o Reveal. Misión siempre nutritiva. R.E.M.: la eternidad en tres minutos nos adentra en el proceso creativo de cada una de estas obras y, cómo no, el resto de discos que conforman su carrera musical: desde que buscaban su sonido en Chronic Town hasta el canto del cisne por medio de Collapse Into Now.
Viaje hasta el genoma de canciones inmortales como 'Fall On Me', 'The One I Love', 'Driver 8' o 'Imitation Of Life'. El nuevo libro de Marcos Gendre es el documento necesario para acompañar a las biografías ya escritas sobre esta mítica banda sureña. Mucho más que un simple complemento, entre las páginas de esta obra se encuentran las constantes vitales que movían a estos alquimistas de una suerte de rock, donde el folk, el power-pop y el post-punk fueron descontextualizados en nuevos moldes nunca antes vistos y las letras de Michael Stipe inventaron una visión renovada, mágica, del viejo Sur.
Siempre en constante evolución, la pulsión artística que fluía entre las venas de R.E.M. siempre ha ido regenerándose a medida que diseñaban su propia autopista central desde la independencia en Athens hasta el más extraño y sorprendente de los estrellatos. De los libros de William Faulkner a la fijación por diseñar un mundo visual innovador, como en el vídeo de 'Losing My Religion'. Del rock áspero tejido en Document al folk panorámico cultivado en Out Of Time. Una vez que te adentres en R.E.M.: la eternidad en tres minutos, el universo inventado por Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills y Bill Berry ya siempre te pertenecerá.

Como ante cualquier intento de repasar una vida, una trayectoria o una determinada historia, cuando se afronta la tarea de escribir un nuevo libro sobre los Rolling Stones que pretende salirse en cierto modo de lo convencional, este deberá contarse a través de momentos concretos, determinados e históricos. La biografía de los Rolling Stones que ahora sostienes, nunca antes así contada, no es una excepción.
Sabemos que muchos momentos son inevitables y quizá ya conocidos (la ruptura con Brian Jones, el histórico tour por América en 1972, la tragedia de Altamont, la detención de Keith Richards en Toronto…), pero a su vez son situaciones clave de su carrera sobre las cuales, desde el trabajo de investigación y documentación que se ha llevado a cabo, tratamos de arrojar otra mirada, quizá más profunda, diferente en cualquier caso de la convencional. Otros momentos, en cambio, ni siquiera tienen que ver directamente con los Stones; sin embargo, gracias a la exposición y relato de estas coyunturas, el lector deduce que son parte intrínseca y probablemente desconocida de su ya dilatada historia como banda. Y aun hay otros momentos que nunca han sido considerados axiales en su biografía, pero desde esta obra los reivindicamos como momentos clave de su trayectoria, incluso desde el punto de vista humano, y los explicamos con el mayor detalle posible.
Sin duda, el lector encontrará en esta nueva publicación la perspectiva cultivada y privilegiada de Mariano Muniesa sobre los Rolling Stones, pero más allá de esto último, el seguidor completista de los de Londres se enfrentará a un texto que se aleja de los repasos vitales al uso con el propósito de entregar una obra arriesgada y profunda que arrancase una sonrisa cómplice incluso a la más cansada y resacosa de Sus Satánicas Majestades.

Un libro extraordinario en el panorama mundial que desglosa mediante múltiples entradas descriptivas ordenadas alfabéticamente la relación entre cine y jazz desde comienzos del siglo XX hasta la actualidad, tras un prólogo donde se describe la evolución estético-cronológica de estas dos expresiones artísticas que alcanzaron la respetabilidad cultural al unísono.
El texto va acompañado de un útil índice onomástico y cientos de ilustraciones diversas, en color y blanco y negro (fotos y carteles de películas, instantáneas de actuaciones, retratos de músicos y cineastas, portadas de discos, fachadas de clubs y salas, etc.).
Nieto de un músico astorgano que había tocado en salas durante el período del cine mudo y después regentó cines, el madrileño Carlos Aguilar es historiador cinematográfico y novelista. Cuenta con una docena de premios, y sumando autorías individuales, compartidas y colectivas a lo largo de veinticinco años, ha publicado cerca de setenta libros, entre España, Italia y Alemania, de los cuales el más célebre es la " Guía del Cine " .