Leonard Cohen tenía 15 años cuando recibió sus únicas lecciones de guitarra. Fue un gitano, apodado «el hispano de Montreal», quien le enseñó una escala de acordes, arpegios y trémolo en el instrumento español. Esas cuatro lecciones formaron la base de toda su música. A esa misma edad descubrió la poesía de Federico García Lorca, que le hizo tomar la decisión de ser poeta. Su familia, de arraigadas raíces hebreas, procedía del Este de Europa, donde judíos y gitanos habían cohabitado durante siglos, y Leonard siempre mantuvo la fantástica creencia de tener sangre judía y gitana en las venas, un anhelo que compartía con Lorca.

Supervisado y editado por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ronnie Wood, este libro muestra las mejores fotografías y materiales inéditos procedentes de los archivos personales de los propios Rolling Stones.
Un repaso a una trayectoria musical increíble que cumple 50 años: más de 1.000 ilustraciones con los recuerdos más interesantes, diferentes países y localizaciones, esbozos de las portadas de sus álbumes, cromos, puzles y otros tesoros jamás publicados.
«Esta es la historia de los fantásticos cincuenta años de nuestra banda. Comenzamos como un grupo de blues tocando en locales, y hemos acabado llenando los estadios más grandes del mundo con un tipo de concierto que ninguno de nosotros habría imaginado en nuestros inicios». [Mick, Keith, Charlie & Ronnie]
El jueves 12 de julio de 1962, los Rolling Stones subieron al escenario del Marquee Club en la londinense Oxford Street. En este intervalo de 50 años, los Stones han actuado en directo ante más fans que ninguna otra banda. Han tocado en los locales de blues más modestos y han realizado giras en los estadios más grandes. Sus canciones han sido número uno en singles y álbumes en infinidad de países, lo cual, sin duda, ha contribuido a definir una cultura popular a escala global.
Introducida y narrada por ellos mismos, esta obra es el único libro oficial autorizado para celebrar este aniversario. Incluye un rico material inédito con copias de contactos, negativos, fotografías descartadas y mucho más de los diferentes períodos de la historia del grupo. Leyendas de la fotografía, como Gered Mankowitz, Jean-Marie Périer, Dezo Hoffmann, Michael Cooper, Terry O'Neill, Bent Rej, Philip Townsend y muchos otros han participado en el libro para celebrar los 50 años de los Rolling Stones.

«Los ensayos y discursos reunidos en el presente volumen fueron seleccionados para su publicación por el propio Furtwängler poco antes de su muerte. Surgieron a lo largo de más de treinta años de quehacer artístico y contienen sus opiniones sobre la dirección orquestal, la interpretación y la elaboración de programas de concierto. El lector también encontrará los discursos que pronunció con motivo del aniversario de la Filarmónica de Berlín en 1932 y el centenario de la filarmónica de Viena en 1942, así como ensayos sobre la música de Beethoven, Wagner, Brahms, Bruckner, Stravinski y Hindemith». (F. A. Brockaus).

«Furtwängler fue, además de un maravilloso músico, un gran conocedor de la filosofía de la música. Tenía muy claro en qué consistía el sonido. Entendía la música como algo que a través del sonido lo integraba todo: el intelecto, el sentimiento, la sensualidad».
(Daniel Barenboim).
«Las opiniones de los grandes directores de orquesta suelen ser apasionantes y apasionadas. Las del alemán Wilhelm Furtwängler revelan su conocimiento sublime de la música clásica». (Eugenio Trías, ABC).
«Para goce de melómanos y de todo aquel que quiera entender qué papel juega, en una orquesta, este hombre vestido de negro».
(Jordi Llovet, El País).
• Wilhelm Furtwängler (Berlín, 1886 - Baden-Baden, 1954) fue director de varias orquestas, entre ellas la de Viena y la Filarmónica de Berlín. Además de dirigir conciertos y óperas, fue director invitado de todos los centros musicales y festivales importantes y dedicó gran parte de su tiempo a la composición; destacan entre sus obras tres sinfonías, un Te Deum, un concierto sinfónico para piano y orquesta y dos sonatas para violín. Acantilado ha publicado también sus Conversaciones sobre música.
[Traducción: Juan José del Solar]



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Sólo un grupo como los Rolling Stones es capaz de hacernos vibrar con su música durante cincuenta años, congregar a más de un millón y medio de personas en un único concierto, batir el récord de la gira más lucrativa de todos los tiempos o competir con los Beatles por el primer puesto en las listas de ventas. Ya llevaban un tiempo tocando cuando los de Liverpool empezaban a triunfar, sobrevivieron al auge del heavy metal y el punk en los setenta y los ochenta, y siguieron abanderando el rock and roll con el cambio de siglo.
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Con El ruido eterno Alex Ross consiguió un éxito sin precedentes en un libro sobre música: la unanimidad crítica y la popularidad entre los lectores lo convirtieron en el gran autor internacional sobre el tema. En Escucha esto, el crítico musical del New Yorker continúa su apasionada exploración de este arte, y «nos demuestra que comprender la música es una forma de entender el mundo» (Time).
Conjugando la vida y el arte, la música y la historia, Alex Ross teje atemporales retratos de los maestros canónicos –Mozart, Verdi o Schubert– a la vez que muestra su visión de la música pop y sus grandes iconos: Radiohead, Bob Dylan o Björk. Todos ellos personajes únicos, buscadores infatigables capaces de plasmar, en breves secuencias o acordes, sus poderosas personalidades individuales y la complejidad del alma humana.
• Alex Ross nació en Washington D. C. Desde 1996 es crítico musical del New Yorker. Ha sido galardonado con numerosos premios, como tres ASCAP Deems Taylor Award por su crítica musical, la Genius Fellowship de la MacArthur Foundation, la Holtzbrinck Fellowship de la American Academy en Berlín, la Fleck Fellowship del Banff Centre y una Letter of Distinction del American Music Center por su contribución al campo de la música contemporánea. Ha sido profesor de escritura en la Universidad de Princeton y ha recibido un doctorado honorífico de la Manhattan School of Music. Actualmente vive en Manhattan. Su primer libro, el best seller internacional El ruido eterno (Seix Barral, 2009), fue galardonado con el National Book Critics Circle Award, el Guardian Book Award, el Premio del Pen Club Musical Japonés al mejor libro del año y la Genius Fellowship, y fue finalista del Premio Pulitzer 2008 y del Premio Samuel Johnson.

En este diccionario sin precedentes, Ramón Andrés, poeta, ensayista y a la vez reputado estudioso de la música, nos acerca al análisis de la naturaleza y los sonidos, así como a la interpretación de los símbolos que en ellos se contienen, al nexo de unión que la música establece entre los dioses y los hombres, que constituye, al cabo, una detallada muestra de la evolución del pensamiento humano. Mitologías como la griega, la hindú, la céltica o la escandinava, permiten adentrarnos en las grandes leyendas de la cultura indoeuropea, conocer a los héroes transformados en arquetipos de nuestra cultura, desvelar el contenido simbólico del Universo, los árboles, las plantas alucinógenas y los animales, que forman parte de un extraordinario escenario mágico que acogió la primera historia del hombre y que se recoge en la música. Un trabajo de hondo calado que no nos propone sin embargo la mera consulta aislada de sus voces, sino que se convierte, por derecho propio y en su lectura lineal, en una obra de referencia amena y entretenida.
• Ramón Andrés (Pamplona, 1955) ha escrito numerosos artículos sobre música y literatura, y publicado libros como el Diccionario de instrumentos musicales. Desde la Antigüedad a J. S. Bach (1995-2001), W. A. Mozart (2003-2006), El oyente infinito. Reflexiones y sentencias sobre música (De Nietzsche a nuestros días) (2007), Johann Sebastian Bach. Los días, las ideas y los libros (2005; Premio Ciudad de Barcelona), El mundo en el oído. El nacimiento de la música en la cultura (2008), No sufrir compañía. Escritos místicos sobre el silencio (2010) y este Diccionario de música, mitología, magia y religión (2012), además de la edición de Oculta filosofía. Razones de la música en el hombre y la naturaleza (2004), de Juan Eusebio Nieremberg.

Esto es jazz es una aproximación a la música más representativa del siglo XX a través de los 101+101 DISCOS MÁS IMPORTANTES DE SU HISTORIA. Aunque es posible que el disco haya dejado de ser "ese oscuro objeto de deseo" de los años heroicos en los que el tener un "miles" o un "coltrane" confería a su afortunado poseedor un estatus superior, el disco sigue siendo la mejor manera de acercarse al jazz, ya que gracias a él se han conservado las improvisaciones de quienes han hecho su historia. Para su selección, José María «Chema» García Martínez se ha atenido a tres criterios fundamentales: jerarquía artística del disco, relevancia histórica y disponibilidad en el mercado, sin olvidarse de la calidad del sonido de la versión seleccionada. El resultado es mucho más que la típica guía al uso, ya que cada uno de los discos elegidos va acompañado de una antología de opiniones de "los que saben de esto" y una bibliografia. Además, de ahí el 101+101, cada disco se acompaña de otro que lo complementa en unos casos, sirve de contraste en otros, o bien presenta una faceta diferente del músico tratado, invitando al lector a establecer una serie de asociaciones personales que pueden resultar fascinantes. Un libro que servirá de guía de iniciación a quien se acerca al jazz por vez primera, y que permitirá profundizar en su conocimiento al iniciado.
• José María García Martínez (Madrid, 1957) es escritor y crítico musical. Desde los años setenta viene escribiendo sobre música étnica en diversos medios de comunicación. Ha sido responsable de la única sección dedicada al tema en la prensa española, publicada en la revista "Ritmo". Ha dirigido diversos seminarios y ciclos y organizado giras de conciertos. Es autor de "Del fox-trot al Jazz-flamenco" (Alianza Editorial).

¿Por qué nos gusta la música? ¿Cómo logra influir tanto en nuestro estado de ánimo? ¿Puede una buena melodía hacernos disfrutar como el sexo o un buen manjar? A estas y a otras muchas preguntas responde este sorprendente y entretenido libro. La música no deja indiferente prácticamente a nadie. Unas veces nos provoca ganas de llorar, otras es capaz de evocar recuerdos que considerábamos sepultados, y en el caso de algunas enfermedades puede llegar a ejercer un efecto curador. Sin embargo, nos resistimos a considerarla objeto de estudio de los expertos. Y ese es precisamente el prejuicio que se propone desmontar La seducción de la música. ¿Por qué?: porque no hay nadie que no sea musical. Incluso las personas que creen que no sirven para la música poseen unas capacidades musicales asombrosas. Christoph Drösser expone los fascinantes descubrimientos que han realizado los científicos a ese respecto. ¿Por qué nos gustan unas músicas y otras no? ¿Cómo consigue nuestro oído distinguir sonidos y ruidos concretos en el guirigay de ruidos y sonidos donde vivimos inmersos la mayor parte del tiempo? ¿Por qué existe la música?
Christoph Drösser (1958) estudió Matemáticas y Filosofía. Es redactor de ciencia en el periódico alemán Zeit. Designado «Periodista de ciencia del año» (2005), en 2008 recibió el premio de la Asociación Alemana de Periodistas de Matemáticas. Ha publicado varios libros de divulgación en Alemania, su país natal.

Cançons, conjunts, sales de festes, pick ups, matinals, segells discogràfics, i festivals musicals transformaren la societat rural mallorquina.
Amb un quadern de 72 pàgines de fotos color i b/n.
Paradise of Love o l’illa imaginada és un estudi de cas de com la cultura popular dels anys seixanta va contribuir a posicionar diferents grups de joves en el món. Aquest treball no és tan sols una mirada a la història de la música popular illenca, no és només un inventari d’artistes i estils, sinó també de circumstàncies socials, ideologies, esdeveniments històrics i desenvolupaments tecnològics que varen interactuar amb la música per donar-hi rellevància.
Cançons, conjunts, sales de festes, pick ups, matinals, segells discogràfics, pel·lícules o festivals musicals s’incorporaren a la societat mallorquina per construir una nova manera de ser adolescent. En aquest llibre observam com la música de factura illenca va codificar trets imaginaris d’una Mallorca inventada, va aglutinar valors de la identitat juvenil, va representar l’impacte turístic, va esdevenir un estàndard de les cançons promocionals i va exemplificar el fenomen de les versions.
Amb més de 200 imatges i una relació d’exemples sonors, l’estudi de Francesc Vicens també analitza fenòmens com ara la recepció dels Beatles a Mallorca o l’ús de la música amb finalitats turístiques, sistematitza els espectacles de l’època i analitza l’impacte de la cultura global com a factor de canvi social.
A partir del diàleg raonat amb els protagonistes s’actualitzen episodis rellevants i mitificats com ara l’actuació de Jimmi Hendrix a la sala Sargent Pepper’s de Palma o The Kink’s al Festival Beat 66, entre molts d’altres.
Tot plegat aporta una visió de conjunt de com les expressions musicals de la cultural global varen donar lloc a noves expressions locals, de les quals la cançó Paradise of Love va ser exemple i para­digma de la Mallorca imaginada.
Francesc Vicens Vidal (Ciutat de Mallorca 1977), Doctor en Musicologia per la UAB (Universitat Autònoma de Barcelona), ha completat la seva formació a les universitats de Bolonya i Siena. És autor de les obres I cantaven un Càntic Nou. Els ancians músics de l’Apocalipsi a l’art romànic hispànic (PAMSA 2010), Diabolus in Musica (premi Hiperbòlic 2008), El cant de la Sibil·la a Mallorca (Documenta Balear 2004), Visca Sant Antoni! (Documenta Balear 2010) i Paradise of love o l'illa imaginada (Documenta Balear 2012). És coautor de Les músiques de Mallorca en DVD (2003, 2005 i 2008) i de diversos articles científics publicats en revistes de musicologia. Durant el curs 2009-2010 va ser visitant al Centre de Graduats de la Universitat de Nova York (CUNY) i des del curs 2003-2004 és professor titular del CESAG (Centre d’Ensenyaments Superiors Alberta Giménez).
Prologuista: Antoni Pizà.

Traducción, edición y notas de Lucía Díaz Marroquín y Mario Villoria Morillo.
La ópera es el género que mejor ha venido definiendo la identidad cultural europea por encima de diferencias lingüísticas o conflictos territoriales desde que comenzaron a representarse las primeras favole o drammi per musica en las academias italianas de los años 1600. Su exportación al resto de Europa requirió a menudo la intervención política directa, aunque las adaptaciones nacionales más variadas a partir de los distintos sustratos dramáticos nacionales no tardaron en surgir, desde el ballet de cour o la masque hasta el Singspiel o la zarzuela. Su doble desarrollo en los ámbitos paralelos de la alta cultura y la cultura popular son la demostración evidente de hasta qué punto ha llegado a impregnar los países en los que se representa. Aun así, el rito de la asistencia al espectáculo operístico y la distancia que impone la cuarta pared que separa el escenario del público vela en ocasiones la percepción de los cuatro aspectos que constituyen su esencia: la voz humana, la palabra en música, el gesto escénico y la puesta en escena de la pasión.
Cuando Manuel Patricio García (1805-1906), hijo del tenor Manuel del Pópolo García –primer Conde Almaviva en Il barbiere di Siviglia de Rossini– y hermano de la mezzo­soprano María Malibran y de la contralto Pauline Viardot, publicó su Tratado completo del arte del canto, pretendía, precisamente, proponer a los lectores una herramienta útil para comprender y practicar la más exigente y perfecta forma de poesis: el canto operístico surgido de los preceptos del bel canto.

From the moment when early musical dramas started being performed in the Italian accademie of the early Seicento, opera has been the genre which best describes the European cultural identity beyond linguistic, territorial and national differences. Direct political intervention facilitated at times its diffusion, while several subgenres sprang out of each national dramatic substrate, from the masque or the ballet de cour to the Singspiel or the zarzuela. Its development was therefore double, taking place both at the alta cultura and at the popular culture levels. Its reception is determined by the rite involving those who attend and those who sing or play in each performance, as well as by the distance imposed by the fourth wall, but is consistently defined by four aspects: the human voice, the word in music, the dramatic gesture and the performance of passion on stage.
When Manuel Patricio García (1805-1906), María Malibran and Pauline Viardot’s brother and the son of the first Count Almaviva in Rossini’s Il barbiere di Siviglia, first published his Traité complet de l’art du chant, he was trying to offer a tool useful to understand and to put into practice the most demanding and perfect form of poesis: the bel canto operatic singing.