En 1936, Schoenberg afirmaba que en caso de que su época hubiera sido «normal (en el sentido en que lo fue hasta 1914), la música de nuestros días se encontraría en una situación distinta». El célebre pianista y profesor de música Charles Rosen nos ayuda a entender tanto el universo intelectual en que Arnold Schoenberg creó sus obras como la época en que lo hizo y los desafíos que su compleja música planteó a las formas musicales tradicionales. Para Rosen la obra del compositor vienés, con su atonalidad y sus disonancias, establece un equilibrio insólito entre la forma y la emoción que produce «la música más expresiva que jamás se ha compuesto».
Un libro conciso y accesible que integra de forma admirable biografía, historia cultural, sociología y análisis musical, dirigido tanto a los expertos como a los profanos en la obra de uno de los compositores más notables del siglo XX.

Iconos del pop. Estrellas de cine. Grandes amigos. Harry, Zayn, Liam, Louis y Niall lo han conseguido todo: éxito, fama, formar parte de una banda especial, y por supuesto ¡los mejores fans del mundo!

One Direction Confidencial es la obra definitiva sobre el grupo, un libro que no puede faltar a ninguno de sus fans. Con más de 100 increíbles fotografías, te descubre la cara más cercana y personal de la banda, tanto sobre el escenario, como de gira, mientras viajan por el mundo de un fascinante espectáculo al siguiente.

Era un maestro, dijo David Bowie tras la muerte de Reed, ocurrida el 27 de octubre de 2013. A lo largo de su vida, Lou Reed recibió apelativos tan diversos como el "Padrino del punk", el "Sumo Sacerdote del glam", y todo tipo de motes terribles. Lo cierto es que Lou Reed arrancó desde el punto donde lo había dejado el rock. Antes de él, el rock tenía que ver con la diversión. Después de él, el rock fue literario, sombrío, y por encima de todo inquietantemente honesto. La obra de Lou Reed no merece ocupar el mismo lugar que los Beatles y los Rolling Stones, sino al lado de William S. Burroughs, de Andy Warhol, y del mentor personal de Reed, Delmore Schwartz.
Mick Wall (Autor/a). Mick Wall es el periodista, escritor y autor de programas de televisión y radio más famoso del Reino Unido. Ha escrito numerososo libros aclamados por la crítica, títulos definitivos y de gran éxito sobre Led Zeppelin, Metallica, AC/DC y Black Sabbath., Alejandro Pradera Sánchez (Traductor/a).
IBIC: BIOGRAFÍA E HISTORIAS REALES>BIOGRAFÍA: GENERAL>Biografía: arte y espectáculo;

El humor en la música constituye una aproximación exhaustiva y novedosa al tema de la comicidad musical, examinando sus diversos registros, desde la broma, la parodia y el golpe de ingenio hasta el estadio superior de la ironía. Ilustrado con numerosos ejemplos musicales y sus correspondientes análisis, abarca desde el barroco hasta el siglo XX. Partiendo del estudio minucioso de la broma musical de Mozart y la ópera Falstaff de Verdi, el interés de las consideraciones desarrolladas a lo largo del texto se ve acrecentado por su enfoque multidisciplinar, lo que se refleja en sendos paralelismos con el lenguaje cinematográfico y la pintura.
«Un gran libro con el que Benet Casablancas nos ha sorprendido sobre un tema importantísimo que requería, por fin, un tratamiento extenso y meditado. Este libro es quizás el mayor homenaje que podía hacerse al gran Joseph Haydn.» (Eugenio Trías).
«Un estudio exhaustivo de los tres últimos siglos de la música occidental.» (Rafael Argullol).
«Impresionante trabajo sobre el humor en la música que debería convertirse en un best-seller literario-musical.» (Tomás Garrido).
«El mayor elogio que puede hacerse del libro es que está a la altura de la materia que trata. Y que hace sentir a su lector inteligente y libre, lo que en los tiempos que corren, no tiene precio.» (Xavier Antich).
«Un libro impresionante, tanto en el contenido como en el dominio de la escritura.» (James Webster).
«Es un buen tema y un enfoque sumamente sutil.» (Charles Rosen).
«Un libro como éste que enfatiza el aspecto humanístico del análisis musical es de lo más gratificante.» (Víctor Estapé).
• Benet Casablancas nació en Sabadell en 1956. Como compositor se formó en Barcelona y Viena, donde trabajó con Friedrich Cerha, y es también licenciado en Filosofía y doctor en Musicología por la UAB, siendo reconocido como uno de los compositores españoles más destacados de su generación. Ha compaginado siempre su labor creativa con la investigación, publicando numerosos trabajos de divulgación y artículos especializados (New Grove’s, Quodlibet, Arietta). Ha sido profesor de la UPF y director pedagógico de la Jove Orquestra Nacional de Catalunya, y actualmente es director académico del Conservatori del Liceu. Sus obras gozan de gran difusión internacional, siendo interpretadas por solistas, grupos, orquestas y directores de gran prestigio en salas tan emblemáticas como el Musikverein de Viena, Barbican de Londres, Miller Theatre de Nueva York, Bozar de Bruselas o el Bunka Haikan de Tokyo. Ha recibido, entre otras distinciones, los premios Ciutat de Barcelona (1992), Nacional de la Generalitat de Catalunya (2007) y Nacional de Música del Ministerio de Cultura de España (2013). En 2013 fue nombrado compositor en residencia de L’Auditori de Barcelona (2013-2015) y actualmente (2014) trabaja en la ópera L’Enigma di Lea, con texto de Rafael Argullol, por encargo del Gran Teatre del Liceu de Barcelona.

“Evolucionar por la pasarela”, “Pasar revista”, “Revistar el conjunto”… ¿Se han parado a pensar, amigos lectores, la riqueza lingüística que generó el popular y comúnmente denominado teatro frívolo español?
¿Saben lo que era, dentro del caleidoscópico universo de nuestra Revista musical el “archinaga”, la “rémora” o la “marica”? ¿Quiénes componían la entonces célebre “Brigada del chupete”, las “Adelinas girls” y los “Adonis boys”? ¿En qué consistía la célebre bombillita roja que lucía tras las bambalinas? ¿Qué eran las “compañías de coño”? ¿Y el “ensayo de foto” o la “hijuela”?
Todas estas preguntas tienen su respuesta en este entretenido y aleccionador manual que pretende salvaguardar del olvido más de mil términos y expresiones pertenecientes a la Revista musical española a la par que enriquecer el vocabulario teatral de sus miles de aficionados.
Señoras, señores… “¡¡Luz a batería!!”, la representación va a comenzar…

Hasta finales del siglo XVIII la música instrumental estaba subordinada a la vocal. Kant afirmaba que la música sin texto era «placer más que cultura» y Rousseau la desdeñaba puesto que no permitía expresar ideas. Sin embargo, a principios del siglo XIX se produjo un cambio profundo: la música puramente instrumental empezó a considerarse un medio de conocimiento y se la valoraba precisamente porque era ajena a las limitaciones del lenguaje. En La música como pensamiento, Mark Evan Bonds analiza el origen de este cambio de mentalidad en los oyentes de finales del siglo XVIII y principios del XIX a partir de testimonios de la época y de una serie de fuentes—filosóficas, literarias, políticas y musicales—que nos descubren qué significó la música sinfónica para sus primeros oyentes. El resultado es una interpretación tan singular como rigurosa de las causas y los efectos de la revolución en la escucha y la recepción musicales.
“Extraordinario estudio. Musicología, filosofía, estética y sociología se funden en un análisis profundo”. (Expansión).
«Un libro fascinante». (Alex Ross, The New Yorker).
«Una obra absorbente con un enfoque original y polémico». (Scott Burnham, Princeton University).
• Mark Evan Bonds es profesor de Musicología en la University of North Carolina, Chapel Hill. Asimismo, es editor de la revista Beethoven Forum y autor de otros tres libros: Wordless Rhetoric: Musical Form and the Metaphor of the Oration (1991), After Beethoven: Imperatives of Originality in the Symphony (1996) y Absolute Music: The History of an Idea (2014).
• Traducción: Francisco López Martín.

Hace treinta años The Smiths publicaron su primer disco, uno de los mejores álbumes de la década de los ochenta y, por qué no decirlo, de todos los tiempos. Hace treinta años que pudimos escuchar por primera vez esas vocales extrañamente moduladas al final de las frases. Hace treinta años que pudimos entender (o no) esas letras ambiguas, inquietantes, frenéticas, liberadoras. Hace treinta años, sí. Ya no hacemos fanzines fotocopiados ni compramos cintas TDK, pero seguimos escuchando a The Smiths. Porque Morrissey es sin duda uno de los músicos más originales de todos los tiempos, además de un extraordinario poeta y escritor. Porque Johnny Marr fue y sigue siendo un guitarrista legendario, y mucho más. Porque la banda poseía un ingenio enigmático y un estilo que iba incluso más allá de su música y su puesta en escena. Porque las letras de The Smiths nos hablaban de aquello que de verdad nos importaba (y nos importa) y nos proponían nuevos modos de ser. Porque los temas de The Smiths no nos llevaron finalmente al suicidio y quizás alguno nos salvó la vida (o al menos eso pensamos por un instante).
Un libro sobre The Smiths, es decir, sobre la música, la política y el deseo; un libro sobre el rock, el pop y el punk (e incluso sobre el origen del indie), sobre identidades ganadas y perdidas, sobre sexo y laberintos, sobre industrialismo y poesía, sobre amores no correspondidos y acosos amorosos; un libro sobre el nihilismo y otros vicios, sobre Margaret Thatcher y otras damas infames, sobre disturbios olvidados y singles turbadores, sobre acordes con mayor contenido político que muchos mítines, sobre pasiones preinternautas que siguen regalándonos escalofríos.
Un libro sobre lo que fuimos y lo que somos. Dicen por ahí que eres lo que escuchas. En ese caso, no nos parece nada mal ser The Smiths.
• Autores: Nacho Vegas, Jon Savage, Antonio Luque, Joe Pernice, Manu Ferrón, Wendy Fonarow, Alex Niven, Simon Armitage, Alberto Santamaría, Nadine Hubbs, Víctor Lenore, Julian Stringer y Nabeel Zuberi.
• Edición y traducción: Fruela Fernández

«A mitad de los años sesenta —afirmaría Keith Richards en 1971 —, colocabas el single de éxito junto a diez temas de mierda en un disco, y lo sacabas al mercado. Ahora, es el álbum en sí lo importante». Sticky Fingers rezuma calidad por los cuatro costados y se ha ganado, por méritos propios, constituir uno de los pilares que sustentan la reputación de los Rolling Stones. Para muchos es su mejor disco… pero, lo que sí es seguro, es que la época en la que se forjó —la misma en la que también nacieron algunas de las canciones de su otro trabajo estrella, Exile On Main Street —, supuso un cambio vital para el grupo británico, y es ahí donde reside su importancia. Es un fiel reflejo de la madurez que, como banda de rock, llegaron a alcanzar. La intención de este libro no es otra que trasladar al lector al marco de la creación de una gran obra, para que pueda entenderla y, llegado el caso, disfrutarla en su total magnitud. Siempre desde el sentido común y alejado de la subjetividad del fanatismo mal entendido porque, como dijo Keith Richards: «No puedes tomarte un disco como otras personas consideran la Biblia. Es solo un puto disco, tío».

Este no es un libro de Historia, sino de historias. No es un documental,
sino un concierto. El telón se abre con la llegada de Bob Dylan a Nueva
York en 1961 y se cierra con Joan Baez, que canta bajo las bombas
estadounidenses en Hanói en 1972. Protest song estudia la revolución
musical y social de los años sesenta a través del prisma de la canción
contestataria estadounidense. Una inmersión en los Estados Unidos de
la época, atravesados por tres grandes movimientos: la lucha por los
derechos cívicos, la contracultura y la oposición a la guerra de Vietnam. Los
amerindios, los judíos, las mujeres, los afroamericanos y los izquierdistas
responden con sus canciones a la opresión de la que son víctimas en el
país. Del revivalfolk a las explosiones de la guitarra eléctricas, pasando
por la “invasión británica” y su aportación, este libro ofrece un cuadro, en
palabras y músicas, de los Estados Unidos de los años sesenta.