Este libro se presenta con un doble objetivo: por una parte, “pensar”
algunos de los cambios y transformaciones que se han producido en el
mundo de la música popular durante la primera década del siglo xxi, y
por otra, “clasificar” los distintos géneros, subgéneros, etiquetas y estilos
que han hecho su aparición durante dicha década. Los temas abordados
en la primera parte son las relaciones entre música y tecnología, la propia
noción de música popular, la cuestión de los géneros y los subgéneros
musicales, la supuesta “retromanía” actual, y la situación de la música
popular en una época no ya moderna sino posmoderna, sobremoderna,
o hipermoderna. Los géneros clasificados y estudiados en la segunda
parte van desde el Dubstep, el Grime, el Garage Rock revival o el Post-
Punk revival hasta el Microhouse, la New Weird America, la Cumbia
Digital, el Post-Metal, el Tango Electrónico, el Kuduro y un largo etcétera.

Who I Am es la esperada autobiografía de Pete Townshend, cerebro y ariete de los Who.
Pete Townshend, leyenda viva del rock y uno de los grandes incendiarios que, desde llamaradas como los Beatles, los Stones, Cream o Pink Floyd, encendieron una tormenta destinada a pulverizar los tedios establecidos y dar forma a una nueva manera de no ser viejo.
Pete y sus colegas fueron audaces pioneros en la trituración pública de instrumentos musicales y otros enseres igualmente valiosos, el abuso recreativo de sustancias no recomendadas por las autoridades sanitarias y el comercio carnal e indiscreto con admiradoras más o menos ingenuas. Pero Townshend es también el creador introvertido, el chico extraviado y el hombre roto que intenta comprender sus flaquezas para sobrevivir a sí mismo. De todo ello ofrece testimonio Who I Am, una de las memorias más auténticas y ambiciosas que se haya escrito nunca en el Olimpo de la música popular.
« Un libro mucho más honesto de lo que esperaban sus admiradores. » (Rolling Stone).
« El alma de los Who es un autor asombrosamente sincero, minucioso y sensible. » (The Sun).
« Pete Townshend escribe sobre cualquier tema con pasión y elocuencia. » (The Times ).

Todo lo que lea en las páginas de este libro es mentira. Aunque decir esto quizás no sea del todo cierto. Al fin y al cabo, hablamos de leyendas urbanas, ese prodigioso territorio del folclore contemporáneo en el que, como es de ley, la ficción inconsciente, la imaginación desatada y la verdad más inverosímil conforman un único, inesperado y delicioso cocktail. Por supuesto, el mundo del rock ha sabido crear y recrear sus propios mitos urbanos de manera inigualable y para todos los gustos: delirantes, excesivos, crueles, escatológicos, trágicos, heroicos, patéticos…
Héctor Sánchez recoge una selección de las mejores leyendas urbanas, bulos y demás malentendidos relacionados con los grandes astros del rock, todos ellos narrados con excelso conocimiento y el humor que requiere la ocasión. Y David Sánchez, uno de los más destacados dibujantes de la nueva generación del cómic español, ilustra cada una de estas historias de forma incomparable. Muertes prematuras y extravagantes, fiestones más que desbocados, cameos de ultratumba, sexo con tiburones (y con chocolatinas Mars), chutes familiares de última hora, nazis sabiamente enmascarados, fantasmas latosos y otros fenómenos paranormales, seres parcialmente extraterrestres, venganzas bastante ridículas, mermeladas alucinógenas, problemas graves de identidad, tejemanejes con la CIA y el FBI, testamentos felinos, incestos insospechados, canciones que animan a quitarse la vida y, por supuesto, mensajes más o menos satánicos que se escuchan al girar un disco al revés.
El lector tiene en las manos tanto un maravilloso anecdotario ilustrado como una historia paralela y secreta del rock, un libro que despeja tantos interrogantes como los que propone: ¿de dónde surgen estas historias? ¿Son meros divertimentos y creaciones de una suerte de inconsciente colectivo que da rienda suelta a sus deseos más disparatados? ¿O en más de una ocasión responden a intereses concretos? ¿Qué parte de verdad hay en cada una de estas mentiras? ¿Y qué parte de esa verdad conocemos? Bienvenidos a la cara oculta del rock.

From its introduction in Venice in the early sixteenth century, polychoral music underwent an extraordinary journey in the course of which it spread throughout Europe, from Lisbon to Warsaw and, crossing the Atlantic, came to be practiced with equal intensity in Latin America. By adopting a broad perspective, the present volume aims to bring together for the first time contributions not only about the origins of the phenomenon itself, but also in relation to its widespread transcultural diffusion in Spain and America.
TABLE OF CONTENTS
• Presentazione / Presentation, by Davide Croff, presidente della Fondazione Ugo e Olga Levi.
• Introduction, by Juan José Carreras and Iain Fenlon.
• Iain Fenlon: Polychorality: The Origins and Early Diffusion of an International Genre.
• Noel O’Regan: From Rome to Madrid: the polychoral music of Tomás Luis de Victoria.
• Francesco Luisi: Policoralità a Roma. Alcuni casi emblematici.
• Juan José Carreras: La policoralidad como identidad del “Barroco musical español”.
• Alfonso de Vicente: Los comienzos de la música policoral en el área de la Corona de Castilla. Algunas hipótesis y muchas preguntas.
• Pablo L. Rodríguez: Il ‘lleno de música’ e la ‘grandeza de Vuestra Majestad’:Potere, cerimonia e policoralità nella Cappella Reale spagnola nel XVII secolo.
• Luis Robledo Estaire: Hacer choro con los ángeles. El concepto de policoralidad en la teoría musical española de Cerone a Nassarre.
• Andrea Bombi: Villancicos policorali nella Corona aragonese.
• Geoffrey Baker: Polychorality, ethnicity and status in colonial Cuzco, Perú.
• Ricardo Miranda: Éxtasis de luz y fe: la policoralidad en la Nueva España a través de la obra de Juan Gutiérrez de Padilla.
• Bibliography.
• The Authors.
• Index of names.

El Viaje musical por Francia e Italia, emprendido por Charles Burney en junio de 1770, es un hito mítico de la historia musical, así como un diario de extraordinario valor, escrito por un viajero curioso que descubre con asombro la complejidad de una tensa Europa a las puertas de la Revolución francesa. Ora irónico y sensible, ora cómico, Burney conoció en su viaje a los más eminentes nombres de la música, las artes y el pensamiento, que aparecen en las páginas de su diario con singular vivacidad. Tanto gustaron estas páginas a Samuel Johnson, que las imitó en el Viaje a las Islas Occidentales de Escocia (1775).
Presentado en esta edición de Acantilado por primera vez completo al lector de lengua española, éste es un libro fundamental para todo amante de la música y de la narración fluida de la historia.

Franz Liszt, considerado como un renovador de formas, es, según Vladimir Jankélévitch, el paladín de la modernidad musical, el que mejor supo expresar, después de Chopin, el nuevo giro estético de la Europa del siglo XIX, opuesta al universalismo abstracto de la sinfonía y al totalitarismo del conservatorio vienés.
Con la afirmación de los derechos nacionales e incluso provinciales, el así llamado salvajismo de la rapsodia da por fin la espalda a la música solemne, y comienza la revolución de la humildad. Liszt, en consonancia con su mundo, dio voz así a lo terreno, igual que Victor Hugo hizo con los miserables y, de este modo, junto a las piezas de Músorgski, Bartók o Albéniz, se fueron abriendo nuevos territorios musicales, comenzó la era de la improvisación.
La obra de Jankélévitch, gran apasionado del compositor húngaro, combina en este estudio la filosofía y la música, y desbroza nuevos paisajes poéticos alrededor de la estética lisztiana, cuyo alcance es, a día de hoy, todavía inconmensurable.
• Vladimir Jankélévitch (Bourges, 1903 – París, 1985) fue uno de los mejores conocedores de la filosofía alemana hasta que tras el Holocausto tomó la decisión radical de eliminar de su obra cualquier referencia al alemán. Participó activamente en las protestas estudiantiles de Mayo del 68 y, hacia el final de su vida, movilizó a la prensa europea con un famoso debate público sobre la cuestión de la responsabilidad en la Shoá. Su extensa obra es una de las más consistentes y arriesgadas de la filosofía del pasado siglo. Es autor asimismo de un importante corpus musicológico, donde dedica especial atención a los músicos españoles y a su amigo Frederic Mompou. En los últimos años, esta vertiente de su obra menos conocida –y en particular La música y lo inefable (Alpha Decay, 2005)– está siendo reivindicada por los teóricos y críticos de la nueva música electrónica.
• Edición a cargo de Françoise Schwab. Traducción de Juan Gabriel López Guix revisada por Ramón Andrés.

Infancia esteparia, sueño californiano, Buffalo Springfield, Crosby y sus colegas, Crazy Horse… Ácidos, copas, escándalos, mujeres, acordes inextinguibles, desacuerdos… Regresos, vueltas y revueltas… Ésas son las claridades, ¿pero qué hay detrás o debajo de las sombras?
Neil Young es una leyenda en ejercicio, una figura insoslayable del canon roquero desde los ya lejanos sesenta y además un enigma. Al menos hasta ahora. Porque el muy esquivo sujeto, aquejado tal vez de una brusca simpatía, decidió cierta mañana mostrarnos el sanctasanctórum de sus recuerdos e intimidades. Ese improbable experimento confesional es este libro: una voz cantante escrita de puño y letra (no hay fantasmas por medio) que nos presenta el calidoscópico panorama de una vida y una música ejecutadas hasta la médula, que nos conduce desde las nieves de Ontario a los edenes hawaianos pasando por las calles alucinadas de Los Ángeles en los albores de la gran turbulencia. Estamos, pues, ante el «relato definitivo» (tópico por una vez justificado) de un viaje obstinadamente inenarrable o, como afirma un crítico sin duda perspicaz, ante «la historia del rocanrol abierta en canal, en primera persona y en presente de indicativo».

El primer libro de Luis Boullosa, El Puño y la Letra. Creación Literaria y Rock & Roll Underground es uno de los mejores libros de música publicados en España en 2013. Su tema (de eterno conflicto): el contenido literario de las canciones de rock&roll. Tras melodías, estrofas y estribillos, muros de guitarras o desarrollos experimentales, yacen, a menudo olvidadas, las palabras. El autor selecciona a un puñado de compositores extraordinariamente dotados, un selecto grupo de creadores capaces de emocionar, herir y transformar a quien entra en contacto con su escritura.
No busquen aquí a populares firmantes de canciones de éxito ni composiciones generadoras de cuantiosos royalties: encontrarán claves para entender mejor a bandas como The Drones, Strange Boys, Kill Devil Hills, los Swans de Michael Gira o los Enablers de Pete Simonelli; podrán profundizar en la mente de precursores como Grant Hart o el chamán mayor, Julian Cope. Claves que analizan el hecho creativo mismo y el proceso de exploración interior que culmina con el nacimiento de canciones superlativas, únicas, que no deberían pasar desapercibidas.
Luis Boullosa, literato y periodista que gusta de exprimir hasta la médula los
temas sobre los que escribe, se ha zambullido en la profundidad de las mentes de sus invitados, palpando con sus sentidos, en primera persona, la razón de ser de estos músicos. Y en este libro comparte sus experiencias.
Con prólogo de Jaime Gonzalo y numerosas traducciones de canciones de los
compositores seleccionados, El Puño y la Letra cubre un hueco necesario y poco explorado en la producción literaria en castellano.

A finales de los años cincuenta, tras la muerte o la caída en desgracia de algunos de sus mayores referentes, se oía proclamar a voces la muerte del rock and roll. Pocos podían imaginar cómo resurgiría de sus cenizas en menos de cinco años, añadiendo a su función de entretenimiento juvenil numerosas innovaciones que consiguieron el respeto de quienes hasta entonces lo habían considerado un mero juego de niños. Algunos de los responsables de la madurez artística del rock son hoy bien conocidos: The Beatles, Yes, Pink Floyd, Genesis, The Velvet Underground… Otros no tuvieron tanta suerte. Este libro, en una importante labor de síntesis, pretende recoger las principales tendencias que osaron romper las fronteras del buen gusto durante las décadas de 1960 y 1970, barajando unos ochocientos artistas y analizando en detalle más de doscientos discos. Comenzará por la psicodelia y sus precursores, para luego adentrarse en el rock progresivo y sinfónico, el krautrock, el RIO, el jazz fusión y otros estilos cuyas idas y venidas nos depositarán a las puertas de una década donde todo cambiará de tono: la de los ochenta.

“El ambicioso proyecto […] se propone poner al día y sintetizar los incontables hallazgos del último cuarto de siglo de investigación musicológica y ofrecer una visión global de la herencia musical hispánica a ambos lados del Atlántico […]. Bajo la dirección y coordinación editorial de Juan Ángel Vela del Campo, más de dos docenas de expertos españoles y americanos […] han contribuido a edificar la que a partir de ahora será obra de consulta obligada de cuantos aspiran a conocer nuestro común patrimonio musical histórico y presente”. (Diverdi, n. 189)
“El valor documental de esta nueva obra divulgativa es enorme y nace para convertirse en referen-cia insustituible para la música española e hispanoamericana”.
(El País/Babelia)