La actividad de Álvaro Siza desborda el campo de la arquitectura hacia otras labores de naturaleza artística: dibujo, escultura, diseño de azulejos y tapices, de muebles y objetos, joyería, diseño gráfico, etc., en donde, como en su propia arquitectura, reinventa, recupera, fusiona. A todo ello suma, además, un ejercicio intelectual de escritura y reescritura, igualmente singular aunque bastante disperso en entrevistas, conferencias, charlas..., escritos que fueron reunidos parcialmente en un primer volumen de TEXTOS (Abada, 2014), que ahora se completa en TEXTOS #02. El presente volumen reúne 68 de esos textos.

El pensamiento demócrata y republicano español de finales del siglo XIX y principios del XX cuenta con un puñado de mujeres, escritoras y activistas políticas, masonas y espiritistas muchas de ellas, sobre las cuales cayó el manto del olvido por la doble razón de su sexo y la naturaleza radical de su acción. Rosario de Acuña (1850-1923), librepensadora y poeta entre otras facetas de su personalidad múltiple, es quizá la más significativa de todas, y el reencuentro con su figura forma parte importante de la tarea de la historia de las mujeres y la literatura. Anticlerical combativa y defensora a ultranza de la autonomía subjetiva de la mujer a través de una abundante publicística, Acuña constituye una pieza esencial en la conformación de las identidades femeninas en España antes de la guerra civil, por lo incisivo de su presencia pública y la división de pareceres que se abrió en torno suyo. De extrema sensibilidad emocional, su pensamiento deísta y evolucionista ?inscrito en su confianza masónica en el perfeccionamiento de la humanidad y la tolerancia de creencias y credos? inspiraría su obra desde la juventud temprana. En su testamento ológrafo de 1907, al tiempo que pedía respetar su deseo de no ser enterrada en sagrado, encargaba se editara su obra «siguiendo el orden de su pensamiento». Bien consciente del riesgo que ello entraña en una obra tan voluminosa y una vida tan llena de emociones, se intenta darle cumplimiento a ese mandato al menos parcialmente aquí.

Este libro ahonda en algunos de los conceptos más controvertidos de nuestros días, como serían los de "realidad", "tiempo" y "libre albedrío", así como en algunos términos polémicos, como los de "analfabetismo emocional", "capitalismo reptil" y "marketing académico". La reflexión en cuesto se presenta, con la complicidad de géneros literarios como la poesía y el aforismo, el microrrelato y el micromensayo, bajo el signo de la provocación.

Sur es un trabajo colectivo de reflexión sobre el tránsito entre la teoría de la dependencia, de tanto predicamento entre los teóricos sociales de los años sesenta a ochenta, y la eclosión cultural habida en la misma época. Raramente vemos asociadas ambas fenomenologías. Los autores colectivamente han tomado el Sur identificado con Andalucía como punto de reflexión. En esta región ibérica, situada geopolítica y geoculturalmente en un espacio fronterizo entre mares y océanos, fronteras y sensibilidades plurales, se produjeron movimientos autonomistas que coincidieron en su auge con la agonía del franquismo, y que fundándose en su singularidad cultural reforzaron la identidad colectiva regional.

En 1565 Richard Breton edita en París Les Songes drolatiques de Pantagruel, una colección de 120 estampas grabadas en madera por un autor anónimo, que las firmó utilizando el nombre de Rabelais. El artista desconocido que grabó las estampas pudo ser François Desprez. Una selección de 25 estampas de Desprez fueron la inspiración directa de la serie de 25 litografías de Salvador Dalí tituladas también Les Songes drolatiques de Pantagruel. Dalí mantuvo las composiciones originales, introduciendo pequeños detalles que subrayaban su carácter fantástico. El imaginario carnavalesco pasa por el filtro de la «paranoia-crítica» daliniana, en una expansión de la estética de lo grotesco. Ese ciclo satírico-surrealizante sirve como pretexto visual para revisar a ese artista extravagante que llegó a decir que «la belleza será comestible o no será». Dalí canibaliza el mundo pantagruélico y nos invita a degustar un menú que es más inquietante que sabroso.

El cine y la arquitectura comparten una historia de encuentros. Ya desde sus inicios, el séptimo arte ha necesitado de la arquitectura, del marco construido, como telón de fondo de las acciones desarrolladas en la pantalla. El cine, por su parte, ha permitido establecer una mirada diferente sobre el territorio que los hombres habitamos, una mirada subjetiva, intencionada y distante. El presente diccionario aborda la posibilidad de diseccionar intencionadamente el campo de coincidencias visuales y operativas entre el trabajo del cineasta y del arquitecto a partir de un posible conjunto de términos comunes. La propia enunciación de los mismos, en absoluto entendidos como entidades cerradas, habla de la posibilidad de innumerables relaciones cruzadas, algunas de ellas contenidas en sus páginas, otras por descubrir. Cada una de las voces del diccionario se puede leer como un pequeño ensayo en sí mismo. Desde este punto de vista, su redacción obedece tanto al intento de desarrollar aquellos aspectos que los autores consideran más cercanos a sus propias sensibilidades e inquietudes como, a su vez, a la intención de que se postule como una guía para orientar posibles futuras investigaciones a partir de cualquiera de las entradas que constituyen su índice. Escrito a cuatro manos por dos arquitectos, la que se despliega es, obviamente, la mirada del arquitecto.

Este libro recoge los escritos inéditos de la visita de Ford a Estados Unidos entre 1926-1927. La metrópolis cautivó al autor inglés, que trata de explicar esa fascinación a través de anécdotas enlazadas por asociación a un lugar o un encuentro: un cruce de calles, un parque, una cena. Ford observa los cambios que ha sufrido la pequeña y vieja ciudad que había conocido veinte años atrás, esa ciudad en la que se instalan todos cuantos llegan de fuera y de la que se marchan todos los que allí nacen. Nueva York se había convertido en una gran ciudad debido en gran medida a los rascacielos, pero los problemas causados por la superpoblación no restan un ápice al amor que el escritor le tiene a su Gotham, refugio de un grupo variopinto de sajones, normandos, daneses, judíos, hugonotes y trotamundos. La Nueva York de Ford es Manhattan y el Bronx, que en los años 20 se convirtieron en centro artístico del país por la iniciativa y apoyo de sus gentes. Un siglo después de la publicación de esta obra, Nueva York no ha perdido nada de esa capacidad de atrapar al visitante por fugaz que sea la estancia. Leer estas páginas puede ayudar a entender las razones.

En contraste con los excesos estilísticos y esterilizantes en los que incurre con frecuencia la valoración de la obra de arte en términos de conquistas formales, la creación artística posee una complejidad vital que no debe eludirse. Este libro se propone el abordaje de cinco vetas en las que la vida se cruza con el arte: la significación del taller de artista, la pervivencia de las máscaras en los siglos modernos, la posibilidad de una poética de la existencia, los vínculos entre arte y utopía y, por último, los dibujos de Unica Zür, cinco encrucijadas en las que se hace patente la irreductibilidad de lo artístico a sus domesticaciones estéticas. Más que formas orienta sus pasos hacia las dimensiones del arte moderno que no se dejan objetualizar. Donde no todo se hace evidencia.

Lo divertido de las tramas de Robbe-Grillet es que todo, como en las mitologías, puede ser también diferente. En el film L’immortelle (1963) las estrategias y los estragos, los estratos de la memoria son tan frágiles y falsos como las viejas murallas de la ciudad donde se desarrolla la acción: Constantinopla. Ello hace que el encuentro con las imágenes se dé en un terreno que no constituye propiamente el de la consciencia ni el del inconsciente. Dominio aurático, si queremos; problemático, sin duda: cargado de poderes. Irresistibles fuerzas de transformación y arrastre como las que poseen las aguas, y con ellas las musas, a las que se entregan –no sin riesgo– los poetas. También el protagonista del film de Robbe-Grillet, que encarna además la voluntad de ordenar los signos; porque no habrá sujeto, en el sentido fuerte del término, hasta que no se libere de ese flujo sin cronología, cruce de tiempos que flotan sin logos.