“Evolucionar por la pasarela”, “Pasar revista”, “Revistar el conjunto”… ¿Se han parado a pensar, amigos lectores, la riqueza lingüística que generó el popular y comúnmente denominado teatro frívolo español?
¿Saben lo que era, dentro del caleidoscópico universo de nuestra Revista musical el “archinaga”, la “rémora” o la “marica”? ¿Quiénes componían la entonces célebre “Brigada del chupete”, las “Adelinas girls” y los “Adonis boys”? ¿En qué consistía la célebre bombillita roja que lucía tras las bambalinas? ¿Qué eran las “compañías de coño”? ¿Y el “ensayo de foto” o la “hijuela”?
Todas estas preguntas tienen su respuesta en este entretenido y aleccionador manual que pretende salvaguardar del olvido más de mil términos y expresiones pertenecientes a la Revista musical española a la par que enriquecer el vocabulario teatral de sus miles de aficionados.
Señoras, señores… “¡¡Luz a batería!!”, la representación va a comenzar…

Hasta finales del siglo XVIII la música instrumental estaba subordinada a la vocal. Kant afirmaba que la música sin texto era «placer más que cultura» y Rousseau la desdeñaba puesto que no permitía expresar ideas. Sin embargo, a principios del siglo XIX se produjo un cambio profundo: la música puramente instrumental empezó a considerarse un medio de conocimiento y se la valoraba precisamente porque era ajena a las limitaciones del lenguaje. En La música como pensamiento, Mark Evan Bonds analiza el origen de este cambio de mentalidad en los oyentes de finales del siglo XVIII y principios del XIX a partir de testimonios de la época y de una serie de fuentes—filosóficas, literarias, políticas y musicales—que nos descubren qué significó la música sinfónica para sus primeros oyentes. El resultado es una interpretación tan singular como rigurosa de las causas y los efectos de la revolución en la escucha y la recepción musicales.
“Extraordinario estudio. Musicología, filosofía, estética y sociología se funden en un análisis profundo”. (Expansión).
«Un libro fascinante». (Alex Ross, The New Yorker).
«Una obra absorbente con un enfoque original y polémico». (Scott Burnham, Princeton University).
• Mark Evan Bonds es profesor de Musicología en la University of North Carolina, Chapel Hill. Asimismo, es editor de la revista Beethoven Forum y autor de otros tres libros: Wordless Rhetoric: Musical Form and the Metaphor of the Oration (1991), After Beethoven: Imperatives of Originality in the Symphony (1996) y Absolute Music: The History of an Idea (2014).
• Traducción: Francisco López Martín.

Hace treinta años The Smiths publicaron su primer disco, uno de los mejores álbumes de la década de los ochenta y, por qué no decirlo, de todos los tiempos. Hace treinta años que pudimos escuchar por primera vez esas vocales extrañamente moduladas al final de las frases. Hace treinta años que pudimos entender (o no) esas letras ambiguas, inquietantes, frenéticas, liberadoras. Hace treinta años, sí. Ya no hacemos fanzines fotocopiados ni compramos cintas TDK, pero seguimos escuchando a The Smiths. Porque Morrissey es sin duda uno de los músicos más originales de todos los tiempos, además de un extraordinario poeta y escritor. Porque Johnny Marr fue y sigue siendo un guitarrista legendario, y mucho más. Porque la banda poseía un ingenio enigmático y un estilo que iba incluso más allá de su música y su puesta en escena. Porque las letras de The Smiths nos hablaban de aquello que de verdad nos importaba (y nos importa) y nos proponían nuevos modos de ser. Porque los temas de The Smiths no nos llevaron finalmente al suicidio y quizás alguno nos salvó la vida (o al menos eso pensamos por un instante).
Un libro sobre The Smiths, es decir, sobre la música, la política y el deseo; un libro sobre el rock, el pop y el punk (e incluso sobre el origen del indie), sobre identidades ganadas y perdidas, sobre sexo y laberintos, sobre industrialismo y poesía, sobre amores no correspondidos y acosos amorosos; un libro sobre el nihilismo y otros vicios, sobre Margaret Thatcher y otras damas infames, sobre disturbios olvidados y singles turbadores, sobre acordes con mayor contenido político que muchos mítines, sobre pasiones preinternautas que siguen regalándonos escalofríos.
Un libro sobre lo que fuimos y lo que somos. Dicen por ahí que eres lo que escuchas. En ese caso, no nos parece nada mal ser The Smiths.
• Autores: Nacho Vegas, Jon Savage, Antonio Luque, Joe Pernice, Manu Ferrón, Wendy Fonarow, Alex Niven, Simon Armitage, Alberto Santamaría, Nadine Hubbs, Víctor Lenore, Julian Stringer y Nabeel Zuberi.
• Edición y traducción: Fruela Fernández

Este libro se presenta con un doble objetivo: por una parte, “pensar”
algunos de los cambios y transformaciones que se han producido en el
mundo de la música popular durante la primera década del siglo xxi, y
por otra, “clasificar” los distintos géneros, subgéneros, etiquetas y estilos
que han hecho su aparición durante dicha década. Los temas abordados
en la primera parte son las relaciones entre música y tecnología, la propia
noción de música popular, la cuestión de los géneros y los subgéneros
musicales, la supuesta “retromanía” actual, y la situación de la música
popular en una época no ya moderna sino posmoderna, sobremoderna,
o hipermoderna. Los géneros clasificados y estudiados en la segunda
parte van desde el Dubstep, el Grime, el Garage Rock revival o el Post-
Punk revival hasta el Microhouse, la New Weird America, la Cumbia
Digital, el Post-Metal, el Tango Electrónico, el Kuduro y un largo etcétera.

Este no es un libro de Historia, sino de historias. No es un documental,
sino un concierto. El telón se abre con la llegada de Bob Dylan a Nueva
York en 1961 y se cierra con Joan Baez, que canta bajo las bombas
estadounidenses en Hanói en 1972. Protest song estudia la revolución
musical y social de los años sesenta a través del prisma de la canción
contestataria estadounidense. Una inmersión en los Estados Unidos de
la época, atravesados por tres grandes movimientos: la lucha por los
derechos cívicos, la contracultura y la oposición a la guerra de Vietnam. Los
amerindios, los judíos, las mujeres, los afroamericanos y los izquierdistas
responden con sus canciones a la opresión de la que son víctimas en el
país. Del revivalfolk a las explosiones de la guitarra eléctricas, pasando
por la “invasión británica” y su aportación, este libro ofrece un cuadro, en
palabras y músicas, de los Estados Unidos de los años sesenta.

Who I Am es la esperada autobiografía de Pete Townshend, cerebro y ariete de los Who.
Pete Townshend, leyenda viva del rock y uno de los grandes incendiarios que, desde llamaradas como los Beatles, los Stones, Cream o Pink Floyd, encendieron una tormenta destinada a pulverizar los tedios establecidos y dar forma a una nueva manera de no ser viejo.
Pete y sus colegas fueron audaces pioneros en la trituración pública de instrumentos musicales y otros enseres igualmente valiosos, el abuso recreativo de sustancias no recomendadas por las autoridades sanitarias y el comercio carnal e indiscreto con admiradoras más o menos ingenuas. Pero Townshend es también el creador introvertido, el chico extraviado y el hombre roto que intenta comprender sus flaquezas para sobrevivir a sí mismo. De todo ello ofrece testimonio Who I Am, una de las memorias más auténticas y ambiciosas que se haya escrito nunca en el Olimpo de la música popular.
« Un libro mucho más honesto de lo que esperaban sus admiradores. » (Rolling Stone).
« El alma de los Who es un autor asombrosamente sincero, minucioso y sensible. » (The Sun).
« Pete Townshend escribe sobre cualquier tema con pasión y elocuencia. » (The Times ).

Todo lo que lea en las páginas de este libro es mentira. Aunque decir esto quizás no sea del todo cierto. Al fin y al cabo, hablamos de leyendas urbanas, ese prodigioso territorio del folclore contemporáneo en el que, como es de ley, la ficción inconsciente, la imaginación desatada y la verdad más inverosímil conforman un único, inesperado y delicioso cocktail. Por supuesto, el mundo del rock ha sabido crear y recrear sus propios mitos urbanos de manera inigualable y para todos los gustos: delirantes, excesivos, crueles, escatológicos, trágicos, heroicos, patéticos…
Héctor Sánchez recoge una selección de las mejores leyendas urbanas, bulos y demás malentendidos relacionados con los grandes astros del rock, todos ellos narrados con excelso conocimiento y el humor que requiere la ocasión. Y David Sánchez, uno de los más destacados dibujantes de la nueva generación del cómic español, ilustra cada una de estas historias de forma incomparable. Muertes prematuras y extravagantes, fiestones más que desbocados, cameos de ultratumba, sexo con tiburones (y con chocolatinas Mars), chutes familiares de última hora, nazis sabiamente enmascarados, fantasmas latosos y otros fenómenos paranormales, seres parcialmente extraterrestres, venganzas bastante ridículas, mermeladas alucinógenas, problemas graves de identidad, tejemanejes con la CIA y el FBI, testamentos felinos, incestos insospechados, canciones que animan a quitarse la vida y, por supuesto, mensajes más o menos satánicos que se escuchan al girar un disco al revés.
El lector tiene en las manos tanto un maravilloso anecdotario ilustrado como una historia paralela y secreta del rock, un libro que despeja tantos interrogantes como los que propone: ¿de dónde surgen estas historias? ¿Son meros divertimentos y creaciones de una suerte de inconsciente colectivo que da rienda suelta a sus deseos más disparatados? ¿O en más de una ocasión responden a intereses concretos? ¿Qué parte de verdad hay en cada una de estas mentiras? ¿Y qué parte de esa verdad conocemos? Bienvenidos a la cara oculta del rock.

From its introduction in Venice in the early sixteenth century, polychoral music underwent an extraordinary journey in the course of which it spread throughout Europe, from Lisbon to Warsaw and, crossing the Atlantic, came to be practiced with equal intensity in Latin America. By adopting a broad perspective, the present volume aims to bring together for the first time contributions not only about the origins of the phenomenon itself, but also in relation to its widespread transcultural diffusion in Spain and America.
TABLE OF CONTENTS
• Presentazione / Presentation, by Davide Croff, presidente della Fondazione Ugo e Olga Levi.
• Introduction, by Juan José Carreras and Iain Fenlon.
• Iain Fenlon: Polychorality: The Origins and Early Diffusion of an International Genre.
• Noel O’Regan: From Rome to Madrid: the polychoral music of Tomás Luis de Victoria.
• Francesco Luisi: Policoralità a Roma. Alcuni casi emblematici.
• Juan José Carreras: La policoralidad como identidad del “Barroco musical español”.
• Alfonso de Vicente: Los comienzos de la música policoral en el área de la Corona de Castilla. Algunas hipótesis y muchas preguntas.
• Pablo L. Rodríguez: Il ‘lleno de música’ e la ‘grandeza de Vuestra Majestad’:Potere, cerimonia e policoralità nella Cappella Reale spagnola nel XVII secolo.
• Luis Robledo Estaire: Hacer choro con los ángeles. El concepto de policoralidad en la teoría musical española de Cerone a Nassarre.
• Andrea Bombi: Villancicos policorali nella Corona aragonese.
• Geoffrey Baker: Polychorality, ethnicity and status in colonial Cuzco, Perú.
• Ricardo Miranda: Éxtasis de luz y fe: la policoralidad en la Nueva España a través de la obra de Juan Gutiérrez de Padilla.
• Bibliography.
• The Authors.
• Index of names.

El Viaje musical por Francia e Italia, emprendido por Charles Burney en junio de 1770, es un hito mítico de la historia musical, así como un diario de extraordinario valor, escrito por un viajero curioso que descubre con asombro la complejidad de una tensa Europa a las puertas de la Revolución francesa. Ora irónico y sensible, ora cómico, Burney conoció en su viaje a los más eminentes nombres de la música, las artes y el pensamiento, que aparecen en las páginas de su diario con singular vivacidad. Tanto gustaron estas páginas a Samuel Johnson, que las imitó en el Viaje a las Islas Occidentales de Escocia (1775).
Presentado en esta edición de Acantilado por primera vez completo al lector de lengua española, éste es un libro fundamental para todo amante de la música y de la narración fluida de la historia.

Franz Liszt, considerado como un renovador de formas, es, según Vladimir Jankélévitch, el paladín de la modernidad musical, el que mejor supo expresar, después de Chopin, el nuevo giro estético de la Europa del siglo XIX, opuesta al universalismo abstracto de la sinfonía y al totalitarismo del conservatorio vienés.
Con la afirmación de los derechos nacionales e incluso provinciales, el así llamado salvajismo de la rapsodia da por fin la espalda a la música solemne, y comienza la revolución de la humildad. Liszt, en consonancia con su mundo, dio voz así a lo terreno, igual que Victor Hugo hizo con los miserables y, de este modo, junto a las piezas de Músorgski, Bartók o Albéniz, se fueron abriendo nuevos territorios musicales, comenzó la era de la improvisación.
La obra de Jankélévitch, gran apasionado del compositor húngaro, combina en este estudio la filosofía y la música, y desbroza nuevos paisajes poéticos alrededor de la estética lisztiana, cuyo alcance es, a día de hoy, todavía inconmensurable.
• Vladimir Jankélévitch (Bourges, 1903 – París, 1985) fue uno de los mejores conocedores de la filosofía alemana hasta que tras el Holocausto tomó la decisión radical de eliminar de su obra cualquier referencia al alemán. Participó activamente en las protestas estudiantiles de Mayo del 68 y, hacia el final de su vida, movilizó a la prensa europea con un famoso debate público sobre la cuestión de la responsabilidad en la Shoá. Su extensa obra es una de las más consistentes y arriesgadas de la filosofía del pasado siglo. Es autor asimismo de un importante corpus musicológico, donde dedica especial atención a los músicos españoles y a su amigo Frederic Mompou. En los últimos años, esta vertiente de su obra menos conocida –y en particular La música y lo inefable (Alpha Decay, 2005)– está siendo reivindicada por los teóricos y críticos de la nueva música electrónica.
• Edición a cargo de Françoise Schwab. Traducción de Juan Gabriel López Guix revisada por Ramón Andrés.