LOUISE GLÜCK (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura 2020, inaugura con Ararat (1990), el quinto libro de su trayectoria, su particular estilo poético que luego mantendrá a lo largo de toda su carrera: ya no se trata de recopilaciones de poemas más o menos cohesionados, sino de libros construidos casi como un único poema en partes, en torno a un solo tema, donde los símbolos funcionan por acumulación y cada texto aporta un contexto a los demás, multiplicando las interpretaciones y los puntos de vista sobre la experiencia del sujeto lírico. Ararat toma su título del cementerio judío homónimo de Nueva York. Los poemas abordan el luto posterior a la muerte de un padre mitificado, enterrado allí, donde además descansa una de sus hermanas, fallecida prematuramente y que será también una presencia constante en el libro. La poeta explora el mundo de las mujeres sobrevivientes de la familia —la madre, la hija, la hermana— en un tono lacónico y reticente que abandona definitivamente la pirotecnia verbal de sus primeros poemarios y conecta con el silencio y el distanciamiento emocional que ella misma relaciona con su padre fallecido, un tono contenido que un crítico equiparó con «la clase de lenguaje que uno usa antes de ponerse a gritar».

En este libro los autores operan con modos de trabajar emanados de las orientaciones teóricas y metodológicas de la historiografía lingüística, hoy ya un área de investigación y de intereses madura y altamente autónoma. Gracias a esa disciplina sabemos que el estudio de la gramatización de aspectos gramaticales concretos —sea la dicotomía pretérito perfecto simple / compuesto— es una valiosa fuente de información no solo para los trabajos historiográficos inmanentes, sino también para los trabajos sincrónicos descriptivos de fenómenos lingüísticos actuales, tan faltos, muchas veces, de una reflexión y mirada pausadas a lo que lingüistas del pasado expresaron con agudeza crítica y perspicacia no menores que los del presente. Las secciones del libro han quedado distribuidas según focos o hispanismos y según lenguas instrumentales: gramaticografía autóctona (española en español para hispanohablantes), por una parte; gramaticografías, o focos, o hispanismos extranjeros, por la otra: alemán, anglosajón (británico y estadounidense), flamenco, francés, italiano y portugués. Interesaba a los miembros de este grupo de trabajo metalingüístico e historiográfico cimentar y ampliar el conocimiento disponible acerca de lo que se nos había legado —por parte de los gramáticos del pasado— en torno a la descripción y gramatización de las dos formas verbales objeto de estudio; también desvelar y calibrar la virtual actualidad de su legado, o poner en claro los anclajes del presente en el pasado, o las ataduras (ventajosas o inconvenientes; para mal y para bien) de integrarse en una tradición gramatical y gramaticográfica. En este libro el lector encontrará una buena porción de los resultados obtenidos en ese empeño.

El mito es una categoría fundamental del lenguaje. Lo fue para la Retórica en la Antigüedad y lo es hoy para la Lingüística. Los mitos nacen y se desenvuelven otra vez en la oralidad (música, radio, habla popular o discursos híbridos como el cine) y de nuevo se transfieren a la escritura (cultura de masas, prensa e internet). En ese libro los nombres de los grandes lingüistas están relacionados fructíferamente con los de los grandes mitógrafos. La influencia de Saussure llega, por mediación de Jakobson, a Lévi-Strauss; y, por mediación de Greimas, a Roland Barthes, quien dedicó a la actriz sueca una de sus Mitologías. Dado que, desde entonces, la teoría lingüística del mito es inseparable del análisis del discurso, este libro aplica ambos a los mitos cinematográficos, concretamente al de Greta Garbo. Plantea también su recepción en el ámbito de la lengua española. El itinerario es el que requiere el lenguaje: fonética (con una hierofonética), semiología, pragmática y retórica, mediante un análisis de críticas de cine, entrevistas y anuncios en prensa. Se subraya la dimensión femenina (y andrógina) del lenguaje y del mito de Greta Garbo como discurso que, desde hace más de un siglo, libera y en gran medida anticipa o profetiza muchas realidades actuales, tanto lingüísticas como estéticas, sociales o políticas.

En el marco de la investigación gramatical, el estudio de la estructura informativa ha recibido un impulso notabilísimo en los últimos treinta años, que ha permitido profundizar en la comprensión de numerosos fenómenos, entre los que destacan el orden de palabras y la relación entre prosodia y sintaxis.
Este volumen refleja la vitalidad actual de estas investigaciones, con una extensa introducción y siete capítulos que cubren los temas más destacados del trabajo sobre estructura informativa, desde las dislocaciones y el foco a las construcciones hendidas y la relación entre sintaxis y articulación informativa.
Manuel Leonetti y Victoria Escandell Vidal son catedráticos de Lengua Española y Lingüística General, respectivamente, en la Universidad Complutense de Madrid.

Este libro se inscribe en la teoría literaria sobre los tópicos, esa especie de almacén de provisiones de la creación literaria de todos los tiempos. Se inves¬tigan aquí algunos de semántica vegetal muy arraigados en la literatura occiden¬tal: flores, jardines y, especialmente, las hojas secas. De ellos se señalan sus prime¬ras apariciones en la literatura clásica y sus principales modulaciones en la literatura latinoamericana y española desde el Romanticismo hasta la poesía contemporánea. Los tópicos vegetales suelen aportar dos grandes significados, no siempre excluyentes: el afectivo-existencial por un lado, y el metalingüístico-metaliterario, por otro. La condición cíclica de la vida y del amor así como la renovación lingüís¬tica y literaria son procesos representados a través de distintas metáforas ontológi¬cas vegetales. Eternidad, permanencia, renovación, cambio, muerte, refugio y olvido constituyen contenidos semánticos expresados a través de distintas imágenes poéticas: flores, hojas, parques y jardines en la plenitud de su belleza o, por el contrario, marchitos, macilentos, decadentes y mortecinos. La plasticidad de estas imágenes de origen vegetal, tan íntimamente ligadas a los ciclos de la naturaleza, ha arraigado en el imagina¬rio de la literatura dando lugar a unos tópicos que se emplean casi inconscien-temente, incluso en la vida cotidiana y la cultura popular. Pese a ser expresados en unas formas estereotipadas o fijas, tal como corres¬ponde a todos los tópicos, los que aquí se analizan contienen tal riqueza expre¬siva y tal versatilidad que se adaptan a las consignas estéticas de cada época y se filtran en todas las artes. De este modo, originan asombrosas connotacio¬nes significativas en las distintas fases de su desarrollo, constituyendo así una familia de tópicos con unas relaciones internas realmente interesantes.

Performatividades contemporáneas: teatro, cine y nuevos medios constituye una suerte de bisagra entre dos proyectos de investigación que, además de exhibir una continuidad cronológica y nominal —de «Performa. El teatro fuera del teatro. Performatividades contemporáneas en la era digital» (FFI2015-63746-P, 2016- 2019) a «Performa2. Metamorfosis del espectador en el teatro español actual» (PID2019-104402RB-I00, 2020-2023)—, profundiza en las vías ya iniciadas a la par que se abre a otras facetas de la performatividad. En el propio título se puede apreciar el interés por establecer puentes y pasadizos entre ámbitos y expresiones impuras o marginales. Entre sus vaivenes escénicos y textuales, entre la recuperación de un tipo especial de comunicación que tiene lugar en un espacio teatral o su apertura a otros discursos artísticos, el teatro sigue demostrando una tremenda vitalidad. En este sentido, el presente volumen discute el «escenocentrismo» como línea de trabajo preferente y emplea, en buena medida, el aparato conceptual del teatro para reflexionar sobre producciones performativas que no se agotan en las paredes de la escena o del museo. En consonancia con este enfoque transdisciplinario, la pluralidad de prácticas aquí recogidas resalta justamente la perspectiva «expandida»: su condición polimórfica y «fuera de sí». Los catorce trabajos que componen este libro evidencian, pues, la vitalidad —y la necesidad— de los performance studies a la hora de analizar una serie de fenómenos culturales que viven en tensión permanente con sus límites disciplinarios.

KARMELO C. IRIBARREN (Donosti, 1959) sabe que lo sustancial de la vida siempre sucede al margen de los focos que iluminan el escenario. Y que la verdadera función se celebra en el aleteo de sus poemas, donde encontramos la fuerza que ata unos días a otros. El escenario es un libro de ausencias, y de unas pocas —aunque innegociables— certezas. Los poemas de Iribarren se mueven, más que nunca, en los márgenes de la luz, en el territorio de las sombras, en las grietas de los susurros. Versos que tienden puentes entre la vida y lo que, cada vez más, va alejándose de ella; versos que tratan de combatir —y es un combate inútil— contra lo inevitable; versos que asumen el acabamiento y la guerra perdida en un mundo cada vez más irreconocible. Pero también versos donde brota, siempre luminosa, la esperanza; donde el amor y la alegría, a pesar de los pesares, son un manto que lo cubre todo, o casi todo; donde el humor tierno y comprensivo hace menos cuesta arriba el camino. PABLO MACÍAS

DESDE que en 1989 publicara su primer libro, De círculo y ceniza, la obra de Piedad Bonnett (Amalfi, Colombia, 1951) ha ido conquistando a críticos y lectores con una poesía intimista de corte emocional, vital e intelectual que la postulan hoy como una de las poetas contemporáneas más reconocidas dentro y fuera de Latinoamérica. La poesía de Piedad Bonnett es una forma de resistencia, de rebelión ante el sinsentido de la vida y su irremediable final; ante el derrumbe íntimo y la deshumanización del mundo, que con su «estruendo de trenes que abandonan los rieles» camina «hacia el silencio». Poesía que nace en el borde del abismo, y lo hace temblando. En el borde, Bonnett siente el temblor del vértigo ante la incertidumbre no solo vital, sino también creativa. No obstante, en esa misma duda, de signo metafísico, se gesta la oportunidad. En el borde nace lo ilimitado y la reflexión ante el caos, que en el poema adquiere un orden y revela una verdad.

En este libro se recogen las aportaciones de un grupo de especialistas de reconocido prestigio, coordinados por el Dr. Alberto Hernando García-Cervigón, que han colaborado en el desarrollo del proyecto de investigación Nuevos discursos en el español contemporáneo. Francisco M. Carriscondo Esquivel trata la reconstrucción del ideario lingüístico de El Roto; Víctor Guijarro Mora y Alberto Hernando García-Cervigón, el discurso publicitario, imaginario educativo y científico, y sociedad de consumo en España (1924-1936); María Isabel Hernández Toribio y Luis Deltell Escolar, el análisis pragmático de los museos y la comunicación online (Twitter); Alberto Hernando García-Cervigón, el discurso publicitario de productos tecnológicos en la Segunda República Española; Xavier Laborda Gil, la inventiva retórica y el carisma oratorio en cartas de Juan Carlos I a su hijo; Fernando Martínez de Carnero, las formas comunicativas y discursivas en la web social y semántica; Javier Medina López, la imagen del mito en los infiernos en los comentarios a la noticia en el caso «Domingo»; M.ª Azucena Penas Ibáñez y Nelli Minasyan, las construcciones discursivas y contextos de uso en español y armenio; Francisco Javier Perea Siller, la superficie textual en el español académico; Sara Robles Ávila, la retórica sensacionalizadora de l titular clickbait; Laura Sanz-Simón, la función educativa en los discursos audiovisuales que incluyen dibujos animados de Dora la exploradora y Niña repelente ; y Laura Arroyo Martínez, el lenguaje radiofónico en el aula de ELE.

HAY en Bécquer una cualidad esencial del poeta: la de expresarse con una claridad y firmeza que solo los clásicos tienen. Trátese de sustituir en un verso de Góngora una palabra por otra de igual acento y medida, para «mejorar» el verso, y veremos que es imposible. Ritmo y expresión se compenetran allí, formando un todo que no se puede alterar. Alguien, acaso fuera Coleridge, definió la poesía como «las mejores palabras en el mejor orden». En efecto, Bécquer desempeña en nuestra poesía moderna un papel equivalente al de Garcilaso en nuestra poesía clásica: el de crear una nueva tradición, que lega a sus descendientes. Y si de Garcilaso se nutrieron dos siglos de poesía española, estando su sombra detrás de cualquiera de nuestros poetas de los siglos XVI y XVII, lo mismo se puede decir de Bécquer con respecto a su tiempo. Él es quien dota a la poesía moderna española de una tradición nueva, y el eco de ella se encuentra en nuestros contemporáneos mejores. En sus Rimas no sabemos qué admirar más, si su compo - sición o su dibujo de línea perfecta. En su brevedad son un organismo completo, donde nada falta ni sobra. LUIS CERNUDA