La veintena de trabajos que conforman el presente volumen, publicados entre 1984 y 2018, compendian una trayectoria de revalorización y estudio del romancero y la literatura de tradición oral moderna en Andalucía, uno de los territorios que habían sido más postergados en ese ámbito. La profesora Virtudes Atero Burgos se inicia en 1979 con la recolección de romances en la provincia de Cádiz. Partiendo de una laboriosa campaña de encuestas y rescatando canciones de los labios de casi los últimos depositarios de esa tradición, ha contribuido a fijar las características de las formas meridionales, sus variantes y aspectos formales y tematológicos. Así, encontramos estudios sobre La adúltera del cebollero, Jesucristo y el incrédulo, La infanticida, Polonia, Alfonso XII, La bastarda y el segador, La huida a Egipto o La niña que no quiere ser monja, junto a otros más generales. Una segunda serie de artículos aborda otros niveles de tradición: el romancero infantil, la lírica tradicional, la literatura oral desde la psicología de la memoria, la ruptura de fronteras en la cultura popular o la comparación entre literatura oral y flamenco. Si hace décadas Paul Bénichou sentenciaba que el romancero vivía una eterna agonía, pues no acababa de desaparecer, es posible que muchos de estos estudios hayan conseguido sacar una de sus fotos postreras, ahora que los antiguos modos de oralidad languidecen y afrontan su definitiva disolución en otros nuevos, ya entrado el siglo xxi. Virtudes Atero Burgos ha sido hasta 2021 catedrática de Literatura Española de la Universidad de Cádiz. Entre sus principales contribuciones destacan los libros El Romancero de la provincia de Cádiz (1996), Manual de encuesta del Romancero Andaluz. Catálogo-Índice (1996), Cancionero gaditano tradicional (Patrimonio oral de la provincia de Cádiz) (2009) y Retahílas y Canciones infan¬tiles (Patrimonio oral de la provincia de Cádiz) (2010).

El volumen misceláneo De la edad. Poesía española siglos xx-xxi: algunas calas, ofrece una aproximación al tema de la edad en la obra de diferentes poetas españoles en un marco temporal que abarca desde comienzos del siglo xx hasta nuestros días. El tema, derivado de la preocupación universal por el paso del tiempo, se aborda desde puntos de partida tales como la exaltación y añoranza de la juventud y niñez hasta la preocupación por la llegada inevitable de la vejez y sus efectos. Los doce ensayos que lo conforman han sido realizados por un grupo de especialistas nacionales e internacionales y parten de diferentes aproximaciones teóricas, reparando en aspectos tan significativos como las relaciones paterno y materno filiales (véase, por ejemplo, el capítulo de Kathryn Everly dedicado a Carta al padre de Jesús Aguado donde se escribe sobre la juventud desde la perspectiva de la madurez con la intención de recuperar la dignidad y la autoestima del sujeto infantil, o el de Almudena Del Olmo en el que se lleva a cabo una panorámica sobre el tema del padre en la poesía reciente conectándolo inevitablemente con el devenir temporal) o la perspectiva de género (que de manera tangencial está presente en el capítulo de Raquel Lanseros sobre la percepción de la vejez y evocación de la juventud de las mujeres poetas del 27, el de Josefa Álvarez sobre el tema en dos poetas de generaciones diferentes como Juana Castro y Aurora Luque o el de Ana Rodríguez Callealta sobre la infancia en el poemario La casa grande de Rosana Acquaroni). Por lo demás, en sus páginas afloran nombres de otros poetas tan destacados y variopintos como Luis Cernuda, Carlos Sahagún, Angelina Gatell, José Corredor-Matheos, Antonio Gamoneda, Joan Margarit, Andrés Trapiello, o Manuel Vilas.

Cuando se cumplen cincuenta años de la publicación de Pameos y meopas, la poesía de Julio Cortázar —todo en él era poesía— no ha hecho sino crecer en la consideración de lectores y críticos. Visionario, social, apocalíptico, intrépido, desgajado, ebrio, desarraigado, cáustico, antiburgués, amargo, elegíaco, tierno, expresionista, el Cortázar de Pameos y meopas es el germen de quien escribirá Le ragioni della collera y Salvo el crepúsculo. Adelantado a su tiempo, bebedor de todos los espíritus y todas las posi¬bilidades, el poeta argentino exhibió su conciencia de la crisis que afecta al lenguaje y del peligro que significan la domesticación de la literatura, la acep¬tación de un mundo sustancialmente injusto o el abandono de los grandes ideales de la revolución. En su poesía encontramos un mani¬fiesto vital, escrito a contracorriente, fuera de tiempos y de modas, al hilo de todas las mareas estéticas y personales, en que se renueva la idea del creador como ser órfico, como liberador del lenguaje y del espíritu. Por eso, la fragmentación, la dispersión, el juego, la ruptura, la poli¬fonía o el profundo compromiso con la realidad se convierten en los grandes ejes sobre los que se articula una obra poética siempre en expansión. Desde una estética proteica, contra la Gran Costumbre, en reivindicación del pensamiento cronopio, la poesía se ofrece como lucha ante «la realidad odiosa» y como «historia de una sangre». Un afán insatisfecho lo acompaña siempre y el suyo es, por tanto, un designio poético de sustancias confusas, impulsivo y nunca relegado a una clasificación.
Por lo demás, la poesía cortazariana lleva inscrita genéticamente la nece¬sidad de ser más, de ir más allá de cualquier poética impuesta. Las pala¬bras son pájaros que libremente acuden a los alambres de la página, al árbol de la vida. La escritura no se elige: se escucha, se asume distraída, adánicamente. Esta distracción permite al poeta participar de profundis en la realidad en un proceso incesante de entusiasmo y consumación.
Su visceral rebelión comienza por la rebelión frente a las limitaciones del lenguaje heredado, la esterilidad de nuestra conducta lingüística y la afasia semántica en que las «perras pala¬bras» están ancladas. La palabra que cuenta para Cortázar, que se siente anti-poeta como Nicanor Parra o Vicente Huidobro, es aquella «habitada por el fuego interno». Es este el momento de defender el lugar frontal que Cortázar merece en la poesía hispánica, a la que aporta una frescura, un compromiso con la palabra y una voluntad de intervención en la realidad desconocidos. Andrés García Cerdán es Doctor en Literatura por la Universidad de Murcia y profesor en la UCLM. Ha publicado Discurso del no método, método del no discurso. Sobre la poesía de Julio Cortázar (2010) y el antiensayo La muerte del lenguaje. Para una poética de lo desconocido (2018).

El volumen plantea diversas reflexiones sobre el motivo general del teatro fuera del teatro desde la perspectiva de los lugares que ocupan las artes escénicas al margen de los ámbitos convencionales. Estas reflexiones se orientan tanto a los espacios físicos (locales singulares destinados a algún tipo de investigación teatral, salas alternativas, espacios dedicados a otros usos que ocasionalmente son intervenidos por una acción escénica, lugares recuperados o reutilizados para la exhibición de las artes escénicas, ámbitos inopinados o insólitos, espacios provisional y precariamente habilitados para la acción escénica, usos diferentes de los espacios tradicionales, etc.), como a los territorios simbólicos no circunscritos a un lugar físico, pero susceptibles de adquirir un tratamiento escénico que constituye una innovación estética y política (la literatura, las artes plásticas, el mundo virtual, los ámbitos de relación o de debate público, etc.). Los trabajos aquí incluidos prestan atención a aquellas maneras de concebir la escena que se alejan de los preceptos canónicos tradicionales: la performance, la danza contemporánea, el tratamiento subvertido de géneros y elementos clásicos, nuevas vertientes de la teatralidad, discursos estéticos de experimentación formal, fenómenos situados en la frontera de lo escénico, etc., y dan preferencia al carácter relacional y político de la actividad escénica y a las diversas posibilidades de habilitar contra-espacios de resistencia frente al discurso hegemónico. Nociones como espacio, escena expandida, mirada del espectador, recepción, participación, crisis de la representación, estética relacional, hibridación, alternativa, intermedialidad, etc., atraviesan los estudios que aquí se presentan.

ESTE volumen reúne dos libros fundamentales de Louise Glück (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura 2020: Figura descendente (1980) y El triunfo de Aquiles (1985). Si el primero de estos libros toma su título del lenguaje musical para referirse a una suerte de viaje órfico que, según la propia Louise Glück, podría definir toda su obra («mis poemas son verticales, aspiran y ahondan, no se expanden, no explican ni amplifican»), el segundo supone un hito en su trayectoria al recurrir en mayor medida a la máscara de las figuras clásicas y bíblicas que constituirán el hilo vertebrador de sus libros posteriores. Ligados especialmente a la pérdida, a su miedo y reconocimiento (en el amor o en las relaciones familiares), los poemas aluden frecuentemente a un cuerpo que es identidad al tiempo que una carga, en los que la experiencia del hambre y el despojamiento es equiparada por la autora con su proceso de escritura. Un cuerpo que sabe, por otro lado, del riesgo y la fragilidad de permitirse amar aquello que es efímero («¿Por qué amar lo que vas a perder? / No hay nada más que amar»), de afrontar un deseo que es a la vez una promesa de unión y una condena al aislamiento

José A. Cáceres Peña, pintor y poeta, nació en Zarza de Granadilla (Cáceres) en 1941.
Obtuvo la Licenciatura en Filología Románica en la Facultad de Filosofía y Letras de Madrid, en 1968, año de la revuelta estudiantil. Realiza su tesis de licenciatura El habla de Zarza de Granadilla a instancias del profesor Alonso Zamora Vicente mientras realiza el servicio militar. Será Alonso Zamora Vicente quien le abre las puertas de universidades extranjeras. Fue Lector de Español en la Universidad de Londonderry (Derry), en Irlanda del Norte, donde asistió al inicio de la guerra entre descendientes de ingleses (protestantes) e irlandeses (católicos); y en la Universidad de Pisa, Italia (entre 1971 y 1979). Ya en España trabajó como profesor en Barcelona y participó en el movimiento de las Comunas. Más tarde trabajaría cinco años en el Departamento de Italiano en la Facultad de Filosofía y Letras de Cáceres, en la década de los ochenta. Fue el comienzo de su regreso a Ítaca, como moderno Ulises, con el que siempre se sintió identificado. Cuando decide poner en orden su obra poética y volver a sus raíces, se instala primero en Zarza y luego en Hervás, donde actualmente reside.
Su trayectoria vital le ha llevada a encontrarse en el ojo del huracán de no pocos acontecimientos de repercusión internacional. Entre 1967 y 1968 se unió al grupo de Poesía Concreta que lideraba Julio Campal en Madrid y, a su muerte, fue miembro del grupo de poesía experimental N.O., formado por Fernando Millán entre otros.
Mientras duró la febril actividad en círculos experimentales, participó en revistas, exposiciones y antologías que se publicaron en Europa, Hispanoamérica o Estados Unidos: • Mary Ellen Solt, Concrete Poetry. A World View, Indiana University, Bloomington, U.S.A. • Felipe Boso, Experimental Dichtung in Spanien, aparecida en Akzente, Köln, Alemania, 1972 • Fernando Millán y Jesús García Sánchez, La escritura en libertad. Antología de Poesía Experimental, Alianza Editorial, Madrid, l975. En Italia, Adriano Spatola publicó un libro de poesía visual, homenaje a Octavio Paz, Corriente Alterna, Geiger, Turín, 1975.
En este periodo, desde Italia, intenta llevar a cabo una antología de poesía visual, pero pierde los contactos poco a poco y no culmina el proyecto.
A su regreso a la patria chica, requerido por amigos como poeta experimental y discursivo, publica, además de en revistas extremeñas, la antología poética El rostro ante el espejo, en 2003, ilustrada por Juan Luis Campos. En 2001, su libro Espejismos mereció la Beca a la Creación Literaria de la Junta de Extremadura. De su obra poética discursiva completa Autosugestión han sido publicados tan sólo tres libros: Libro de Horas (Ayuntamiento de Zarza de Granadilla, Ed. Proyecto M) y Elegías y envíos (1995-1996) (Madrid, Asociación Beturia, 2010), Moradas (1988-1989) (Mérida, Editora Regional de Extremadura, 2011).

«Animal de bosque, último libro de poe¬mas de Joan Margarit, supone un diálogo con la muerte sostenido a través de la conciencia y la memoria. Cuando el final de la existencia resulta inevitable, domi¬na el deseo de encerrarse en el bosque de la propia intimidad para poner distancia frente a los ruidos y elegir aquellas cosas importantes que han formado el verdade¬ro destino. El ser humano no se diferencia de los animales tan solo por la razón, sino también por su capacidad de amor. Es un animal de amor. La poesía y la música significan una apuesta por la verdad a la hora de recordar una vida». Luis García Montero
EL AUTOR Joan Margarit (Santija, Lleida, 1938-Sant Just Desvern, Barcelona, 2021) es uno de los poetas contemporáneos más admirados por la crítica y los lectores. Ha merecido numeros premios, entre ellos el Premio Nacional de la Crítica (1948, 2008), el Premio Poetas del Mundo Latino (México, 2013), el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda (Chile, 2017), el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2019) y el Premio Cervantes (2019).

LA poesía del exilio republicano de 1939 constituye una memoria plural que nos sigue interpelando como parte de una historia pasada, presente y futura. Memoria del olvido acoge entre sus páginas las voces poéticas más consagradas junto a otras poco o nada conocidas, incluidas algunas anónimas. Voces que, en sus variadas relaciones con la historia, establecen múltiples formas de memoria: testimonial, elegíaca, confesional, nostálgica, amorosa, religiosa, épica, política, poética… Siguiendo básicamente un criterio de ordenación cronológica, los poemas se han distribuido en siete apartados que, lejos de funcionar como compartimentos estancos, dibujan itinerarios transversales de esta diversidad mediante sus inevitables interconexiones de referentes y sentidos: las experiencia de la retirada, el internamiento en los campos de concentración y los viajes hacia nuevos destinos; la comprensión de la Guerra Civil como una memoria nostálgica y doliente; los efectos y visiones de los países de acogida; las figuraciones de la nación perdida; las peculiaridades de los discursos religiosos; los tratamientos dados a los distintos tipos de retorno, tanto imaginarios como reales, y la especial mirada que el conjunto de estas cuestiones recibe por parte de los “niños de la guerra” o “segunda generación”.

ANA BLANDIANA (Timi?oara, Rumanía, 1942) es, sin duda, la poeta más relevante de las letras rumanas contemporáneas. En su vasta obra poética destacan títulos como Octubre, noviembre, diciembre (1972), El sol del más allá (2000), El reflujo de los sentidos (2004) y Mi patria A4 (2010). Blandiana concibe la literatura como una forma de testimonio y de resistencia ante el terror de la historia. Su poética, intimista y de sencillez expresiva, contiene una gran carga filosófica y está enraizada en el sentimiento trágico de la existencia. Variaciones sobre un tema dado (2018) es un largo poema de amor escrito tras la muerte de su marido, un extenso monólogo dramático donde la pérdida personal se convierte en una victoria del amor sobre la muerte: la poeta cambia la tradición de la elegía trazando un viaje místico en el que transforma la ausencia del amado en una presencia real. Un libro con profusas alusiones a Dante y a la Biblia, y al mito de Eurídice y Orfeo, que Blandiana recrea invirtiendo los roles de género, presentando a una desolada Eurídice que lamenta la muerte de Orfeo.

ESTA es una antología muy particular, que incluye a veintiocho poetas latinoamericanos que dieron sus vidas por la causa revolucionaria. La mayoría de ellos murieron en plena juventud. Algunos de estos poetas perecieron en combate o cumpliendo misiones insurreccionales; otros, en prisión; los más, torturados; los hay que desaparecieron sin nunca más saber de ellos y los que aparecieron con el cuerpo acribillado. Algunos fueron asesinados cuando estaban desarmados o incluso cuando dormían. Todos eran militantes revolucionarios y en consecuencia habían asumido su compromiso, aceptando el riesgo de morir por la causa y la patria que defendían. Si unos eran revolucionarios que, además, escribían versos, la mayoría eran verdaderos poetas que se sumaron a la lucha revolucionaria. Aquí aparecen todos juntos para mostrarnos que cuando se entrega la vida por una causa, los demás matices se diluyen. MARIO BENEDETTI