Un estudio de la doctora María Nagore del violinista más famoso de su época y uno de los músicos españoles más influyentes de la historia
Este libro no es una biografía más, sino un estudio integral que da a conocer la verdadera dimensión de Pablo Sarasate, llamado “el mago del violín” o “el moderno Paganini”. Más de cien años después de su muerte, sigue siendo conocido y reconocido a nivel mundial: es uno de los compositores españoles más interpretados internacionalmente y todos los grandes violinistas se han acercado a sus composiciones, que han sido interpretadas y grabadas por los directores más famosos, incluso los legendarios Furtwängler o Toscanini.
A lo largo de 553 páginas, Nagore estudia la vida y personalidad de Sarasate, su trayectoria como intérprete, los juicios críticos y estéticos que recibió durante su vida, sus composiciones –incluyendo varias piezas hasta ahora desconocidas–, las obras que otros autores compusieron para él, su relevancia internacional o su relación con personajes importantes de la época, sin faltar las referencias a sus agotadoras giras o a sus visitas a Pamplona en la cita ineludible de las fiestas de San Fermín.
Portada

«Prince de Matt Thorne es el trabajo definitivo sobre el hombre; escucho de nuevo cada una de sus temas con un entusiasmo renovado. La música de Prince merecía un libro como éste.» (Alexis Taylor, Hot Chip).
Prince es una de las pocas estrellas de la música que actualmente siguen siendo un enigma. Enemigo declarado de la prensa y las entrevistas, con una personalidad contradictoria y polémica, Prince ha contribuido a crear su propio mito. Matt Thorne, reconocido escritor británico y seguidor de Prince desde su juventud, ha hecho un trabajo meticuloso y exhaustivo. En Prince analiza el catálogo musical del artista: álbumes, canciones, giras, colaboraciones, letras. Además incluye entrevistas a sus colaboradores y amigos más cercanos. En esta biografía poco a poco vamos descubriendo al Prince que hay detrás del mito. Una biografía rigurosa.

Nadie pone en duda que Stravinski fue uno de los mayores compositores del siglo XX. En este volumen—unas memorias en forma del diálogo que mantuvo los quince últimos años de su vida con Robert Craft, su más cercano amigo y colega—hace repaso de su vida intelectual. En él ocupan un lugar primordial los recuerdos de su juventud en Rusia, su etapa de aprendizaje con Rimski-Kórsakov, su colaboración con los Ballets Rusos, su etapa americana, así como su relación con diversos poetas, pintores y escritores, todos ellos fundamentales en la historia cultural del siglo XX: Diáguilev, Debussy, Ravel, Valéry, Gide o W. H. Auden, entre otros. El libro presenta, además, documentos de gran valor: las reflexiones de Stravinski sobre la música de compositores capitales, que iluminan tanto al estudiado como a la música del propio compositor. Editado de nuevo en 2002, el presente libro nos muestra un vivo panorama de la vida musical de la primera mitad del siglo XX.
“El músico ruso evoca en conversaciones con Robert Craft sus encuentros con personalidades como Rimski-Korsakov, Debussy, Ravel. Prokofiev, Nijinski, Gide, Auden y muchos más, con juicios tan lúcidos como afilados. No se lo pierdan”. (S.R., ABC).
• Traducción: Carme Font.

Un libro extraordinario en el panorama mundial que desglosa mediante múltiples entradas descriptivas ordenadas alfabéticamente la relación entre cine y jazz desde comienzos del siglo XX hasta la actualidad, tras un prólogo donde se describe la evolución estético-cronológica de estas dos expresiones artísticas que alcanzaron la respetabilidad cultural al unísono. El texto va acompañado de un útil índice onomástico y cientos de ilustraciones diversas, en color y blanco y negro (fotos y carteles de películas, instantáneas de actuaciones, retratos de músicos y cineastas, portadas de discos, fachadas de clubs y salas, etc.).
• Nieto de un músico astorgano que había tocado en salas durante el período del cine mudo y después regentó cines, el madrileño Carlos Aguilar es historiador cinematográfico y novelista. Cuenta con una docena de premios, y sumando autorías individuales, compartidas y colectivas a lo largo de veinticinco años, ha publicado cerca de setenta libros, entre España, Italia y Alemania, de los cuales el más célebre es la "Guía del Cine".

Un abecedario ideal escrito por un gran pianista: sabio, agudo, esclarecedor y personal. El vademécum de Alfred Brendel es un libro maravilloso para los amantes del piano, para el músico y para el aficionado.
«Alfred Brendel es el destilado de la música para piano centroeuropea, como lo es Claudio Magris para la literatura: caminantes los dos, wanderers que se impregnan de la mejor tradición del imperio austrohúngaro en descomposición y la devuelven al mundo en forma de obra propia». (Agustí Fancelli, El País9.
«Alfred Brendel hace una sincera declaración de amor a su instrumento con este glosario». (Frankfurter Allgemeine Zeitung9.
«Brendel tiene una personalidad que no se agota en su condición de intérprete, sin duda uno de los referentes mayores de su tiempo, sino que abraza asimismo la de hombre de letras e intelectual de amplio espectro». (Benet Casablancas, La Vanguardia9.
«Este librito hará historia de la música». (Neue Zürcher Zeitung.
• Alfred Brendel (Wiesenberg, Moravia, 1931) recibió clases particulares de piano de varios profesores durante su infancia, y estudió en el Conservatorio de Graz hasta los dieciséis años, momento en que concluyó sus estudios reglados. Ofreció su primer recital a los diecisiete y, poco después, en 1949, dio inicio a su carrera de concertista tras conseguir el cuarto galardón en el prestigioso Concurso Internacional de Piano Ferruccio Busoni. Ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera, se le han otorgado títulos honoris causa de las universidades de Oxford y Yale, y es Caballero Comendador del Imperio Británico. Como escritor ha publicado los ensayos Musical Thoughts and Afterthoughts (1976), Music Sounded Out (1990), la colección de ensayos Sobre la música (2001), varios libros de poemas y un libro de conversaciones con el escritor Martin Meyer, Ausgerechnet ich (2001).
• Traducción: Jorge Seca.
• Ilustraciones: Gottfried Wiegand

“Por qué Beethoven tiró el estofado” es un apasionante recorrido por la vida y la obra de seis compositores geniales, Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Robert Schumann, Johannes Brahms e Igor Stravinsky, por los cuales el gran violonchelista siente una especial admiración. Con un tono humorístico y en apariencia despreocupado, Isserlis nos introduce en el mundo mágico y fascinante de seis autores que, cada uno en su época, dieron un giro a la historia de la música clásica y la hicieron llegar a millones de personas.

Escuchar música es cada vez más habitual en nuestras vidas. La investigación psicológica actual pone de manifiesto que no sólo se trata de una actividad recreativa o de ocio, sino que además juega un papel muy importante en el desarrollo de los seres humanos: inspira emociones, ayuda a refinar las habilidades motoras, a reducir conflictos interpersonales y rebajar tensiones, favorece el altruismo y la solidaridad, permite comunicar a los demás lo que se siente, y ayuda a la regulación emocional.

Psicología y música presenta un actualizado recorrido por las aportaciones que la investigación psicológica y la procedente de otras disciplinas nos brindan. Así, se contemplan las relaciones entre la personalidad y los gustos musicales, la inteligencia y creatividad, las emociones y el empleo de la música en distintos ámbitos como el rendimiento laboral y deportivo, el consumo, los trastornos musicales, etc. Se incluye también el comentario de obras recomendadas y direcciones electrónicas de interés sobre los temas musicales más adecuados para la realización de distintas actividades.

La selección crítica definitiva de la mejor música de los últimos sesenta años. Una guía imprescindible para todo aficionado que quiera completar, o reconstruir, su discoteca ideal, del rock al pop, del punk al funk.

Los mejores discos de todos los tiempos, comentados de manera apasionante e incisiva por auténticos expertos dirigidos por Robert Dimery e ilustrados por 800 imágenes de cubiertas de discos míticos, grupos y artistas.

Desde el sugerente What's GoingOn?, que Marvin Gaye publicó en 1971 al regreso de Vietnam de su hermano, hasta el extraordinario álbum conceptual de David Bowie The Rise and Fall of Ziggy Stardust, aquí están todos los discos que en verdad cuentan: el revolucionario Revolver de los Beatles, que supuso un cambio radical en la música pop, y el torbellino de anarquía de los Sex Pistols y su Never Mindthe Bollocks, que rompió con todo.

Un verdadero recorrido por la historia de la música, desde esa cumbre del pop que es Pet Sounds, de los Beach Boys, hasta el grunge de Nirvana y su retorno a la sencillez y la vitalidad del rock'n'roll primigenio que significó Nevermind. Así, 1001 discos que hay que escuchar antes de morir se asoma a las interioridades de álbumes como el fundamental Velvet Underground & Nico, con artistas de la talla de Bowie y Joy Division, de REM y The Strokes; nos recuerda la famosa aparición de Bob Dylan, guitarra eléctrica en mano, en el Festival de Newport con su visionario Highway 61 Revisited grabado en 1965 en una Norteamérica en guerra con Vietnam y consigo misma, justo al tiempo en que Van Morrison producía su memorable Astral Weeks; y nos lleva después hasta el tono retro de la guitarra de los Stone Roses de «Madchester», en el álbum homónimo, o Blue Lines de Massive Attack, o Automatic for the People de REM, y tantos otros discos.

Todos los álbumes de estudio de Bowie, en su contexto social y musical, con 200 imágenes inolvidables. Un homenaje a toda la carrera musical de Bowie, desde que en 1967 sacara su primer álbum, pasando por sus grandes clásicos de la década de 1970, hasta sus auténticas joyas y, por supuesto, su esperado regreso en 2013. Un libro imprescindible para todo fan de Bowie que se precie. David Bowie es un genio tan polifacético como heterodoxo, cuyos 28 álbumes, publicados a lo largo de 46 años, ilustran una creativa y fecunda bigamia entre pop y arte, teatro y rock, moda y cine, sonido y estilo. Este libro, ilustrado con un gran número de imágenes, algunas poco conocidas y otras emblemáticas, tomadas todas ellas por los principales fotógrafos del mundo, analiza la letra y la grabación de cada lanzamiento, así como su impacto e influencia en el panorama musical.   Provisto de una completa discografía con todos los álbumes de estudio y en directo, además de las compilaciones y bandas sonoras más importantes, esta obra es, sin duda, el compañero imprescindible para los amantes y seguidores de este gran talento artístico.

El luthier de Delft es una obra que analiza la música (aunque también el arte y la ciencia) del siglo XVII, especialmente centrada en la cultura neerlandesa. El libro gira en torno a tres personajes centrales, el pintor Jan Vermeer, el filósofo Baruch Spinoza y el músico Jan Pietrszoon Sweelinck. A partir de ellos, el lector se encontrará con la construcción de instrumentos musicales, sus maderas y barnices, así como con el papel de la mujer en el arte y la música; la vida de los pintores y el mundo simbólico de sus obras y los estudios científicos destinados a la óptica y la difusión del telescopio. Un libro lleno de resonancias y armonías, sabiduría y sutileza.
“¿Cómo puede saber tanto y escribir tanto y con una calidad tan alta Ramón Andrés?”. (Antonio Muñoz Molina).
«Ramón Andrés es un sabio que ha publicado trabajos imprescindibles para cualquier aficionado a la música seria. Una sabiduría, por otra parte, determinada por el oído». (Félix de Azúa).
“Ramón Andrés nos vuelve, en efecto, a sorprender, no ya o no solo por su vastísima erudición, que le permite saltar, con natural prestancia, de las ciencias a las letras y a las artes, sino encandilarnos con su relato deambulatorio hasta arribar al meollo de la vida, cuya auténtica universalidad se entreteje con deslumbrantes detalles minúsculos. No sé. La verdad es que no salgo de mi pasmo, empezando por dudar sobre si el relato de Ramón Andrés es propiamente un ensayo, porque quizás no haga justicia a lo que tiene de narración artística sobre lo que fue y es el arte. Algo que te embarga sin fin, como cuando se logra efectivamente desmadejar el hilo de la vida, el sentido de la existencia”. (Francisco Calvo Serraller, El País).
“Ramón Andrés, en su enésima investigación de descomunal erudición y elegancia, toma el instrumento con la suavidad de su prosa excelsa y lo arropa con un grado de historicidad insuperable para cualquier otro especialista”. (Toni Montesinos, La Razón).
“Una jugosa explosión erudita de refinado humanismo. Es a la vez un ensayo, un estudio y un relato generoso en narraciones. Tiene tantas lecturas como el lector quiera darle. Está escrito con el rigor, detalle y poder de evocación que caracterizan a este autor de numerosos escritos musicales y literarios”. (Berta Ares, Revista de Letras).
“Leer El luthier de Delft es como asistir a la charla de un sabio que nos abre la cámara privada donde colecciona instrumentos venerables, libros vetustos y reflexiones metafísicas. Ensayo de erudición exuberante, pero también deliciosamente evocador, subraya el lugar central de la música en la sociedad del Barroco y ofrece un fascinante recorrido a través de la cultura musical de la Europa moderna. Una sutil elegía de una manera de entender la música casi desaparecida”. (Abel Grau, Time Out).
“Un paseo gozoso por la pintura holandesa, con especial detenimiento y predilección por la de Johannes Vermeer, de la que el auto entresaca –y comenta con gran altura- las muy abundantes obras, junto con otras de la misma escuela, cuyos lienzos contienen o bien instrumentos musicales o bien escenas en las que la música juega un papel clave”. (Meta Historia).
«Ramón Andrés es lo más parecido que tenemos nosotros a Richard Taruskin, un robinson enciclopédico que acumula saberes con la glotonería apasionada de quien no se cansa nunca de aprender y de contar animadamente lo que ha aprendido». (Antonio Muñoz Molina).
«Los libros de Ramón Andrés avanzan la universalidad de su mirada, la riqueza de sus intereses, bajo los cuales late un muy refinado humanismo y un afán de conocimiento iniciado». (Antonio Colinas).
-- Ramón Andrés (Pamplona, 1955) ha escrito numerosos artículos sobre música y literatura, y publicado libros como el Diccionario de instrumentos musicales. Desde la Antigüedad a J. S. Bach (1995-2001), W. A. Mozart (2003-2006), El oyente infinito. Reflexiones y sentencias sobre música (De Nietzsche a nuestros días) (2007), Johann Sebastian Bach. Los días, las ideas y los libros (2005), El mundo en el oído. El nacimiento de la música en la cultura (2008), No sufrir compañía. Escritos místicos sobre el silencio (2010), Diccionario de música, mitología, magia y religión (2012) y este El luthier de Delft. Música, pintura y ciencia en tiempos de Vermeer y Spinoza (2013), además de la edición de Oculta filosofía. Razones de la música en el hombre y la naturaleza (2004), de Juan Eusebio Nieremberg.