Creadores de sombras se centra en el modo en que el cine ha tratado la historia de ETA desde sus orígenes hasta la actualidad. A lo largo de las últimas décadas, más de cincuenta largometrajes cinematográficos han llevado a las pantallas la actividad de este grupo terrorista, tanto por medio de la ficción como del documental. Además, a estas películas estrenadas en pantalla grande hay que sumar más de veinte largometrajes para televisión y vídeo, así como un número aún mayor de cortometrajes. Ello supone un importante corpus audiovisual en torno a ETA, los GAL y otros aspectos de la violencia vasca. No es por tanto –en contra de lo que a veces suele afirmarse, acusando al cine español y al vasco de no atreverse a tratar la trágica realidad reciente de Euskadi–, no es un número pequeño de filmes.
En enfoque de este cine se ha modificado con el paso del tiempo, desde las visiones más o menos complacientes de la Transición –cuando todavía muchos veían a ETA como un mero grupo de luchadores contra la dictadura de Franco– hasta la denuncia y la apertura a las víctimas de tiempos recientes. El libro saca a la luz algunas películas casi desconocidas, junto a otras exitosas u objeto de interminables polémicas: Operación Ogro (1979), El proceso de Burgos (1979), La muerte de Mikel (1983), Días contados (1994), Yoyes (2000), La pelota vasca: La piel contra la piedra (2003), Trece entre mil (2005), Todos estamos invitados (2008), Lasa y Zabala (2014) o incluso las referencias a la cuestión vasca en Ocho apellidos vascos (2014).

Clarence Brown es uno de los grandes cineastas olvidados del Hollywood clásico. Meramente conocido como el " director favorito de Greta Garbo " , porque guió a la estrella sueca en más ocasiones que ningún otro —siete en total—, incluyendo los " clásicos " " Flesh and the Devil " (1926) y " Anna Karenina " (1935), también fue el realizador que más veces dirigió a Joan Crawford y Clark Gable. Ahora bien, su producción íntegra es mucho más rica y compleja que su vinculación con el " star system " de Metro-Goldwyn-Mayer. De hecho, comenzó su carrera en 1915, de la mano del reputado director pictorialista francés Maurice Tourneur, y en los años 30 y 40 se especializó en el género Americana. Estos temas y muchos otros son abordados en la presente monografía, la primera publicada sobre Clarence Brown a nivel mundial, en la que se procede a un análisis exhaustivo de su filmografía completa, profundizando en todas sus etapas y múltiples facetas creativas.

Un amenísimo recorrido por las mejores películas, directores, actores, rodajes, guionistas, etc. de la historia del Cine a través de los curiosos «gazapos» que han protagonizado: desde fallos como el reloj en la muñeca de un centurión romano a errores históricos o geográfi cos, títulos con desafortunadas traducciones, errores de doblaje o de las emisiones en televisión, actores que rechazaron papeles de Oscar o guionistas que firmaron grandes películas con pseudónimo (voluntariamente o por fuerza mayor). Víctor Arribas hace un completísimo homenaje al mundo del cine como un compendio de todas las artes que, por encima de los errores, alimenta nuestras emociones y nuestros sueños.

El equipo reseña analiza y comenta las películas de este semestre atendiendo a sus aspectos sociales, artísticos e industriales.

Estas páginas se ocupan de algunas de las huellas visibles, a un tiempo concretas y alegóricas, que una de las nociones centrales que han organizado nuestro imaginario colectivo a lo largo de los siglos, ha venido dejando en el cuerpo del cinematógrafo.
Pensada por la antigüedad clásica como una patología causada por la presencia en el cuerpo humano de la bilis negra, asociada por algunos autores modernos a una tristeza vaga y permanente capaz de suspender cualquier interés del sujeto hacia el mundo exterior, hoy vemos a la " melancolía " como una " auténtica enfermedad cultural " , como una " irremplazable metáfora heurística " (Yves Hersant) para comprender tanto el pasado como los agitados tiempos que vivimos. ¿Debe sorprendernos, por tanto, que la " melancolía " haya encontrado caldo de cultivo preferente en el que ha sido el arte del siglo XX?
En este volumen se recogen, desde Europa hasta América sin desdeñar los confines de Bengala o Japón, algunas muestras señeras que adopta el pensamiento fílmico cuando se apropia del citado concepto. Con el fin de mostrar que " cine y melancolía " forman una pareja indisoluble.

En una aproximación sorprendente a todas las facetas artísticas que cultivó el famoso cineasta (performance, fotografía, instalaciones, dibujo, pintura…), El otro Bigas Luna nos ofrece un conjunto que resulta imprescindible para entender la verdadera dimensión creativa de este reconocido director, fallecido en el 2013.

En la primavera de 1937, Daniel Fuchs, después de haber cosechado un gran éxito con sus tres novelas sobre la vida de la comunidad judía en Williamsburg, llega a Hollywood para trabajar en la adaptación de uno de sus relatos cortos. Su contrato de trece semanas se convierte en residencia permanente y marca el comienzo de su gran historia de amor con el cine.
Escribir para la gran pantalla era un buen trabajo, recordaría más tarde, pero incluso mejores eran las propias películas: pequeños milagros para una audiencia masiva.
En sus relatos y ensayos desfilan productores, directores inescrutables y carismáticas estrellas del celuloide cuyas virtudes, defectos, egos y decepciones se hacían visibles en todo su relieve «porque la luz que el sol vertía sobre todo espacio era de una limpieza brillante».
Fuchs lo vio y lo registró todo con gran maestría; pasaba sus jornadas laborales escribiendo guiones, pero nunca dejó la prosa, publicando sus relatos en The New Yorker y Collier's, así como en Commentary.
Historias de Hollywood reúne, por primera vez, lo mejor de su trabajo sobre el séptimo arte y registra los caprichos de la industria cinematográfica desde su Edad de Oro hasta el progresivo declive.
Daniel Fuchs nace en Nueva York en 1909. En los años treinta su trilogía de Williamsburg, un retrato de la comunidad judía en Brooklyn, conoce un repentino éxito. Se muda a Hollywood en 1937 y trabaja para la industria cinematográfica durante casi cincuenta años. En 1956 recibe el Óscar al mejor guión original por Quiéreme o déjame, película protagonizada por Doris Day.
Muere en Los Ángeles en 1993.

Leni Riefenstahl (1902-2003), realizadora entre otras películas de " La luz azul " , de los films sobre los Congresos del Partido Nacionalsocialista, " Victoria de la fe " y " El triunfo de la voluntad " , además de " Olympia " , considerado el mejor documen­tal sobre deporte de la historia del cine, rebasa en su trayectoria vital el mero marco de la autoría cinematográfica para desplegarse en otros muchos ámbitos de la actividad artística. Bailarina excepcional, actriz en películas de montaña ( " Bergsfilms " ), guionista, productora y fotógrafa, este estudio sobre su obra recoge no solo un análisis exhaustivo de sus ocho películas como actriz y de sus siete films como directora, sino también documentos inéditos en España de su rela­ción con Hollywood, así como del proyecto de construcción de un gran complejo cinematográfico destinado a la futura y exclusiva labor de la directora, no mencionado por ella en sus memorias y que, auspiciado por Adolf Hitler y otros jerarcas nazis en 1939, se frustró con el estallido y posterior desarrollo de la Segunda Guerra Mundial.

El libro definitivo sobre la mejor serie de televisión de la historia
Esta guía cuenta con cientos de fotografías en blanco y negro y color, y con una serie de ensayos y entrevistas de periodistas, directores, guionistas y novelistas, entre los que se cuentan George Pelecanos, Laura Lippman y Nick Hornby. Aparecen también entrevistas con los actores y con personajes como Little Melvin Williams, el legendario capo de la droga de Baltimore en el que se basó el personaje de Avon Barksdale. Por supuesto, se incluye una lista de capítulos con sus tramas y de personajes, pero además cada temporada se abre con un texto explicativo que hará las delicias de los seguidores de la serie. Por si fuera poco, el volumen se abre con una introducción de cuarenta páginas del propio David Simon que es un pequeño ensayo por derecho propio, seguida de la carta que envió a HBO cuando la cadena dudaba sobre si aceptar o no el proyecto. Desde el silbido de Omar hasta el sofá naranja de D’Angelo, pasando por los personajes reales que inspiraron a Stringer Bell o Prop Joe, nada queda fuera de The Wire: Toda la verdad.

<p style="text-align:center">Un estudio de cine peculiar en la España franquista.</P>

Emisora Films fue la gran alternativa a Cifesa en los años del primer franquismo. Con un sistema de producción inspirado en el studio system norteamericano, Ignacio F. Iquino y Francisco Ariza llegaron a controlar de forma inédita en España los tres sectores: producción, distribución y exhibición con lo que consiguieron una actividad estable y un tipo de cine más cercano al europeo que al que se hacía entonces en la España franquista.</P> Este libro habla de Emisora a través de los testimonios de quienes trabajaronen la empresa, incluso del propio Iquino.</P> El autor es doctor en Ciencias de la Comunicación, periodista e historiador, autorde más de treinta libros sobre cine, y cinco novelas, entre los que destacan Iquino, hombre de cine</I>, Josep Maria Forn l'aventura del cinema</I>, Jean Gabin</I>, Anthony Mann</I>, Clint Eastwood, tras las huellas de Harry</I>, De Hitchcock a Tarantino, encliclopedia del</I> neo noir norteamericano</I> o El destino de Moira</I>.</P>