Iconographic and literary sources reveal the widespread use of two different types of handheld frame drums on the medieval Iberian Peninsula: a round frame drum with parchment stretched only on one side of its shell, and a frame drum of square shape with parchment covering both sides of its body. The names tympanum in Latin, pandero and adufe in Castilian, and bandair and duff in Iberian Arabic were commonly used to refer to these instruments. A significant number and variety of sources demonstrate that these instruments were not only played to provide rhythmic accompaniment to recreational, civic, and paraliturgical music, but were also thought of as symbols that stood for something else not intrinsically connected to them. A comparison of medieval information with data about contemporary music traditions reveals that medieval Iberian frame drums have continued to exist without major variations in rural areas of Iberia and the culturally- and historically-related Maghreb and Latin America. This continuity allows us to corroborate and complement conclusions developed from the study of the primary sources with observations of live traditions.
In this book Dr. Mauricio Molina examines the medieval Iberian frame drum from four different perspectives. The first is organological, employed to study the construction of frame drums and to trace their historical materials in an attempt to resurrect their medieval timbres. The second is socio-anthropological, utilized to place frame drums in their historical social context. The third is symbolic, used to decipher how the instruments were transformed into symbolic objects that emphasized cultural concerns. The fourth is performative, employed to reconstruct playing technique and other aspects of frame drum performance practice. On the basis of his multidisciplinary research, Dr. Molina presents a comprehensive study of medieval Iberian frame drums and demonstrates that the unique combination of musical function and symbolic significance made the frame drum both well known and ubiquitous throughout medieval Iberia.
The American Musical Instrument Society awarded the book «Frame Drums in the Medieval Iberian Peninsula» with the 2012 Nicholas Bessaraboff Prize. This annual prize is given to the most distinguished book-length works in English which best further AMIS' goal to promote the study of the history, design, and use of musical instruments in all cultures and from all periods.

The American Musical Instrument Society ha galardonado el libro «Frame Drums in the Medieval Iberian Peninsula» con el Premio Nicholas Bessaraboff de 2012. Este premio anual se entrega a libros sobre organología que mejor representan los objetivos de AMIS de promover el estudio de la historia, el diseño y el uso de instrumentos musicales en todas las culturas y las épocas.

Título completo: "«Elegir al enemigo». «La mejor flor de Sicilia, santa Rosolea»".

El presente volumen de las Obras completas de Salazar y Torres incluye Elegir al enemigo (1664), la fiesta real que celebró el tercer cumpleaños de Carlos II, y La mejor flor de Edición de Thomas Austin O'Connor.
Sicilia, santa Rosolea (1673), la única comedia que Salazar no destinó para la corte sino para inaugurar el año dramático de 1673-1674. Las dos comedias comparten un interés temático que versa sobre dos herederas del trono cuyo destino personal no depende de su voluntad sino de la situación geopolítica y militar de sus naciones. La intriga dramática de Elegir al enemigo se resuelve ingeniosamente cuando Rosimunda se ve obligada a escoger marido y elige a Aristeo, casándose con sutileza y artimaña con el hombre de quien se enamoró. Tal desenlace “romántico” no se repite en la comedia de santos ideada por Salazar, ya que dramatizó la fuga de la corte siciliana de la ya desengañada heredera. Rosolea abandona a su padre, su destino como sucesora al trono y la vida conjugal a la que sus responsabilidades regias la obligarían a no aceptar con entusiasmo y amor la vida ermitaña que la Divina Providencia le ofrece.
El contraste sorprendente que se encuentra en el modo en que Salazar y Torres trata las dos herederas del trono revela la preocupación de los intelectuales por la sucesión al trono antes y después de la muerte de Felipe IV en 1665. Mientras que Elegir al enemigo comunica un optimismo con respecto al futuro donde se compaginan individualidad y responsabilidad, La mejor flor de Sicilia, santa Rosolea nos presenta el abandono del mundo y el rechazo de sus valores transitorios como el único camino seguro para el cristiano.
• Thomas Austin O’Connor, hispanista en Binghamton University, Nueva York, ha publicado Myth and Mythology in the Theater of Pedro Calderón de la Barca y Love in the ‘Corral’, un estudio histórico y crítico del debate sobre la licitud teatral desde el siglo XVI hasta el XVIII. Actualmente (201) está editando todas las comedias de Salazar y Torres.

«The Limits of Literary Translation is a breakthrough collection of essays which addresses translation in a truly interdisciplinary manner. As UNESCO’s General Director pointed out (23 April 2012 World Book and Copyright Day, 80th anniversary of Index Translationum): “Translation is the first step towards the rapprochement of peoples”…“a decentralizing experience, teaching diversity and dialogue.” Translation is the only true “world language” (La cultura traducida, Santoyo, 1983) and the role played by translators in building diverse cultures is aptly exemplified in the various chapters which deal with translations into and from all the languages of the Iberian Peninsula, including less explored target languages (Thai, Slovenian). This cutting-edge blend of research by senior and junior academics presents translation as a “testing ground” (Rutherford) in all literary genres. The final essays on songs, comics, graphic and audiovisual humour provide “pointers and eye-openers” (Zabalbeascoa) that help us address the issue of translated cultural identity (Muñoz-Calvo) and go “beyond the blinkers” of traditional academia.» (Raquel Merino-Álvarez, Professor of Translation Studies
UPV/EHU, Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea).

CONTENTS
Part I. The Limits of Literary Translation in Prose Narrative · Milton M. Azevedo: Pérez-Reverte’s Alatriste Stories in English and Portuguese — Branka Kalenic Ramšak: “Looking at Flemish Tapestries from the Other Side”: On Don Quixote and Translation — Daniela Omlor: Translation as a Trope in Javier Marías’s Tu rostro mañana — Sarah Roger: Translation and Identity in Borges’s “Tlön, Uqbar, Orbis Tertius”

Part II. The Limits of Literary Translation in Poetry · John Rutherford: The Impossibility of Literary Translation: The Medieval Galician Cantigas — Pasuree Luesakul: Neruda’s Veinte poemas de amor y una canción desesperada and Lojo’s Finisterre in Thai: Cultural Bridges between Thailand and Latin America — Ronald Puppo: Intertextual Others in Voicing Verdaguer — Clara Marías Martínez: Translation and Imitation in Renaissance Spanish Poetry: A Case Study of Petrarch’s Sonnet, “S’amor non è” — Marcello Giugliano: Robert Frost’s Voices of Common People in Spanish and Catalan

Part III. The Limits of Literary Translation in Theater and Dramatic Dialogue · Jorge Braga Riera: The Limits of Translating Spanish Classical Drama into English — Amaranta Saguar García: One Translator, Two Translations, Three Theories: Christof Wirsung and Celestina — Kathleen Jeffs: Prolonging the Pleasure: Gil Vicente and Jo Clifford’s Adaptations of Don Duardos for Ever-New Audiences — Maja Šabec: Lorca’s Drama in Slovenian: The Stylization of Popular Language

Part IV. Beyond the Limits: New Trends in Literary Translation · Xose A. Padilla and Elisa Gironzetti: Translating Graphic Jokes — Jacob Wilkenfeld: A Foreign Sound: Translating Caetano Veloso’s Song Lyrics — Patrick Zabalbeascoa: Translating Heterolingual Audiovisual Humor: Beyond the Blinkers of Traditional Thinking — Micaela Muñoz-Calvo: Asterix’s Voyage to Hispania: The Adventure of Translating Humor into the Languages of the Iberian Peninsula

Ed. Luis Galván.
Calderón escribió «La serpiente de metal» junto con «Los alimentos del hombre» para las fiestas del Corpus Christi del año 1676. En «La serpiente de metal» —una especie de “drama del alma” (Luis Galván)– se dramatizan sucesos relatados en el Pentateuco, el Éxodo, la veneración del becerro de oro y la plaga de las serpientes.

ÍNDICE
— Ignacio Arellano: El motivo del viaje en los autos sacramentales de Calderón, II. Viajes misionales
— Juan Manuel Escudero: Calderón y las etimologías fingidas en «El laberinto del mundo»
— Carlos Mata: El ornato retórico de «La siembra del Señor» (o «Los obreros del Señor») de Calderón
— Ramón Moncunill: El optimismo antropológico calderoniano en sus autos sacramentales
— A. K. G. Paterson: El triunfo de la agudeza en «El pintor de su deshonra» (auto) — Carmen Pinillos: Otros géneros en el auto sacramental calderoniano: «El santo rey don Fernando» (1ª y 2ª parte)
— Davinia Rodríguez Ortega: Las parábolas evangélicas en el auto «La semilla y la cizaña» — Mònica Roig: La muerte representada: un “ars moriendi” teatral
— Enrique Rull: Jasón divino y humano
— Enrique Rull: Raíz y renovación en el auto «El árbol del mejor fruto»
— Adrián J. Sáez: Una comedia religiosa frente al auto sacramental: «La devoción de la cruz», de Calderón.

El Arte poética española de Juan Díaz Rengifo fue el manual básico de preceptiva métrica durante los siglos XVII y XVIII. Esta edición recupera para la crítica actual la versión original publicada en Salamanca en 1592 (no la aumentada por José Vicens en 1703), contextualizada y profusamente anotada, siguiendo el propósito del autor de ofrecer a cualquier interesado, erudito o lego, una preceptiva accesible.
Las normas de composición poética que dicta Rengifo para todo tipo de versos, estrofas y formas poemáticas (desde las más tradicionales, como el soneto o la redondilla, a las más ingeniosas, como los laberintos poéticos) son uno de los mejores testimonios para el lector actual de cuáles eran las razones métricas de los poetas del Siglo de Oro.
El éxito comercial alcanzado ya en su tiempo por el Arte poética española fue ante todo consecuencia natural del público escolar al que iba dirigida la obra de Rengifo, pero también se debió al provecho que extrajeron de ella –tanto de los preceptos métricos que contiene como también del diccionario de rimas que ocupa las dos terceras partes del libro- los poetas y los dramaturgos. A estos últimos Rengifo les enseña el modo de adecuar las formas métricas a cada situación del drama o de la comedia, en el que es, sin duda, el repertorio más completo de preceptos versificatorios aplicados a la escritura teatral. Por eso, la actual crítica poética y teatral interesada en las obras del Siglo de Oro (y también posteriores) puede encontrar en el Arte poética española de Juan Díaz Rengifo numerosas claves compositivas.
Ángel Pérez Pascual es Doctor en Filología Hispánica y Máster en Edición por la Universidad de Alcalá de Henares. Imparte clases de Lengua Castellana y Literatura en un instituto de enseñanza secundaria de Guadalajara (España). Ha estudiado las poéticas y retóricas del Siglo de Oro, sobre las que ha escrito un estudio de conjunto y un repertorio bibliográfico pendientes de publicación.

Ed. Jorge Checa.
En Amar después de la muerte, Calderón se vale de la rebelión de los moriscos de Granada (1568-1571) para explorar las dimensiones trágicas del conflicto de una minoría cultural enfrentada a la hegemonía creciente del estado moderno. La edición de Jorge Checa analiza en profundidad textos históricos y literarios sobre la revuelta granadina, a la vez que sitúa las contribuciones de la obra calderoniana en el tratamiento de la figua del moro sentimental –dentro una trayectoria que va desde la anónima Novela del Abencerraje a las Guerras civiles de Granada de Ginés Pérez de Hita, uno de cuyos episodios le sirvió a Calderón como punto de partida–. En la elaboración artística de tales contextos subyacen cuestiones ideológicas de largo alcance, las cuales han sido frecuentemente desatendidas hasta hoy. Entre ellas destaca la progresiva marginalidad de los valores aristocráticos tradicionales, con la subsiguiente reubicación de la nobleza y de sus funciones bélicas, ahora decididamente puestas al servicio de la maquinaria estatal. La presente edición se basa en la versión de Vera Tassis (1691). Tanto las notas como el aparato de variantes permiten reconstruir por primera vez la accidentada historia editorial del texto y dejar constancia de las diferentes lecturas suscitadas por sus pasajes más oscuros y difíciles.
Jorge Checa es Profesor de Literatura Española en la Universidad de California, Santa Barbara. Sus investigaciones se centran fundamentalmente en la literatura y la cultura de los siglos de oro, y ha publicado sobre autores como Gracián, Cervantes, Quevedo, Delicado Ercilla y Sor Juana Inés de la Cruz, entre otros. Sus publicaciones incluyen Gracián y la imaginación arquitectónica (1986), Barroco esencial (1992), Experiencia y representación en el Siglo de Oro (1998) y la edición en prensa de El poder vencido y amor premiado de Lope de Vega.

Traducción, edición y notas de Lucía Díaz Marroquín y Mario Villoria Morillo.
La ópera es el género que mejor ha venido definiendo la identidad cultural europea por encima de diferencias lingüísticas o conflictos territoriales desde que comenzaron a representarse las primeras favole o drammi per musica en las academias italianas de los años 1600. Su exportación al resto de Europa requirió a menudo la intervención política directa, aunque las adaptaciones nacionales más variadas a partir de los distintos sustratos dramáticos nacionales no tardaron en surgir, desde el ballet de cour o la masque hasta el Singspiel o la zarzuela. Su doble desarrollo en los ámbitos paralelos de la alta cultura y la cultura popular son la demostración evidente de hasta qué punto ha llegado a impregnar los países en los que se representa. Aun así, el rito de la asistencia al espectáculo operístico y la distancia que impone la cuarta pared que separa el escenario del público vela en ocasiones la percepción de los cuatro aspectos que constituyen su esencia: la voz humana, la palabra en música, el gesto escénico y la puesta en escena de la pasión.
Cuando Manuel Patricio García (1805-1906), hijo del tenor Manuel del Pópolo García –primer Conde Almaviva en Il barbiere di Siviglia de Rossini– y hermano de la mezzo­soprano María Malibran y de la contralto Pauline Viardot, publicó su Tratado completo del arte del canto, pretendía, precisamente, proponer a los lectores una herramienta útil para comprender y practicar la más exigente y perfecta forma de poesis: el canto operístico surgido de los preceptos del bel canto.

From the moment when early musical dramas started being performed in the Italian accademie of the early Seicento, opera has been the genre which best describes the European cultural identity beyond linguistic, territorial and national differences. Direct political intervention facilitated at times its diffusion, while several subgenres sprang out of each national dramatic substrate, from the masque or the ballet de cour to the Singspiel or the zarzuela. Its development was therefore double, taking place both at the alta cultura and at the popular culture levels. Its reception is determined by the rite involving those who attend and those who sing or play in each performance, as well as by the distance imposed by the fourth wall, but is consistently defined by four aspects: the human voice, the word in music, the dramatic gesture and the performance of passion on stage.
When Manuel Patricio García (1805-1906), María Malibran and Pauline Viardot’s brother and the son of the first Count Almaviva in Rossini’s Il barbiere di Siviglia, first published his Traité complet de l’art du chant, he was trying to offer a tool useful to understand and to put into practice the most demanding and perfect form of poesis: the bel canto operatic singing.

«La fuerza de la ley», «El mejor amigo, el rey», «El desdén, con el desdén»
Ed. Miguel Zugasti / Esther Borrego Gutiérrez / Beata Baczynska / María Luisa Lobato

Mujer y cultura literaria en las letras ibéricas medievales y del renacimiento temprano es la bibliografía más completa y actualizada existente en el mercado y en el mundo académico internacional en torno a las múltiples facetas culturales de la mujer en las literaturas hispánicas del Medioevo hasta principios del siglo XVI, tanto en árabe, hebreo y latín, como en castellano, catalán, gallego y portugués. Se trata de un repertorio que puede resultar de interés tanto para quienes trabajen en cada una de esas áreas lingüísticas como para quienes desarrollen estudios de literatura comparada, tanto para estudiantes que inicien sus investigaciones como para quienes deseen actualizar sus conocimientos sobre las mujeres hispánicas durante aquellos siglos. En este sentido, la utilidad de esta bibliografía, con más de 1700 referencias, puede resultar de atractivo entre docentes de muy diversas disciplinas, pues recoge ediciones, monografías y artículos de investigadores en el campo de la historia, la filología, el arte, los estudios literarios y culturales o los estudios feministas, sobre el género y la sexualidad.
Este corpus bibliográfico no sólo ofrece datos sobre las autoras, anónimas o conocidas, de aquellos siglos, o sobre las representaciones literarias de nuestras antepasadas, sino, además, abre las puertas a un amplio caudal de informaciones sobre la el papel de las mujeres en la creación masculina.

Rafael M. Mérida Jiménez es doctor en Filología Hispánica y profesor de literatura española en la Universidad de Lérida (España). Entres sus estudios sobre la literatura caballeresca destacan las monografías Fuera de la orden de natura: magias, milagros y maravillas en el “Amadís de Gaula” (Reichenberger, 2001) y La aventura de “Tirant lo Blanch” y de “Tirante el Blanco” por tierras hispánicas (Centro de Estudios Cervantinos, 2006). Su interés por los estudios sobre la mujer se refleja, además de en numerosos artículos y ediciones, en El gran libro de las brujas (RBA, 2004) y en Damas, santas y pecadoras. Hijas medievales de Eva (Icaria, 2008).