Título completo: "«Elegir al enemigo». «La mejor flor de Sicilia, santa Rosolea»".

El presente volumen de las Obras completas de Salazar y Torres incluye Elegir al enemigo (1664), la fiesta real que celebró el tercer cumpleaños de Carlos II, y La mejor flor de Edición de Thomas Austin O'Connor.
Sicilia, santa Rosolea (1673), la única comedia que Salazar no destinó para la corte sino para inaugurar el año dramático de 1673-1674. Las dos comedias comparten un interés temático que versa sobre dos herederas del trono cuyo destino personal no depende de su voluntad sino de la situación geopolítica y militar de sus naciones. La intriga dramática de Elegir al enemigo se resuelve ingeniosamente cuando Rosimunda se ve obligada a escoger marido y elige a Aristeo, casándose con sutileza y artimaña con el hombre de quien se enamoró. Tal desenlace “romántico” no se repite en la comedia de santos ideada por Salazar, ya que dramatizó la fuga de la corte siciliana de la ya desengañada heredera. Rosolea abandona a su padre, su destino como sucesora al trono y la vida conjugal a la que sus responsabilidades regias la obligarían a no aceptar con entusiasmo y amor la vida ermitaña que la Divina Providencia le ofrece.
El contraste sorprendente que se encuentra en el modo en que Salazar y Torres trata las dos herederas del trono revela la preocupación de los intelectuales por la sucesión al trono antes y después de la muerte de Felipe IV en 1665. Mientras que Elegir al enemigo comunica un optimismo con respecto al futuro donde se compaginan individualidad y responsabilidad, La mejor flor de Sicilia, santa Rosolea nos presenta el abandono del mundo y el rechazo de sus valores transitorios como el único camino seguro para el cristiano.
• Thomas Austin O’Connor, hispanista en Binghamton University, Nueva York, ha publicado Myth and Mythology in the Theater of Pedro Calderón de la Barca y Love in the ‘Corral’, un estudio histórico y crítico del debate sobre la licitud teatral desde el siglo XVI hasta el XVIII. Actualmente (201) está editando todas las comedias de Salazar y Torres.

Iconographic and literary sources reveal the widespread use of two different types of handheld frame drums on the medieval Iberian Peninsula: a round frame drum with parchment stretched only on one side of its shell, and a frame drum of square shape with parchment covering both sides of its body. The names tympanum in Latin, pandero and adufe in Castilian, and bandair and duff in Iberian Arabic were commonly used to refer to these instruments. A significant number and variety of sources demonstrate that these instruments were not only played to provide rhythmic accompaniment to recreational, civic, and paraliturgical music, but were also thought of as symbols that stood for something else not intrinsically connected to them. A comparison of medieval information with data about contemporary music traditions reveals that medieval Iberian frame drums have continued to exist without major variations in rural areas of Iberia and the culturally- and historically-related Maghreb and Latin America. This continuity allows us to corroborate and complement conclusions developed from the study of the primary sources with observations of live traditions.
In this book Dr. Mauricio Molina examines the medieval Iberian frame drum from four different perspectives. The first is organological, employed to study the construction of frame drums and to trace their historical materials in an attempt to resurrect their medieval timbres. The second is socio-anthropological, utilized to place frame drums in their historical social context. The third is symbolic, used to decipher how the instruments were transformed into symbolic objects that emphasized cultural concerns. The fourth is performative, employed to reconstruct playing technique and other aspects of frame drum performance practice. On the basis of his multidisciplinary research, Dr. Molina presents a comprehensive study of medieval Iberian frame drums and demonstrates that the unique combination of musical function and symbolic significance made the frame drum both well known and ubiquitous throughout medieval Iberia.
The American Musical Instrument Society awarded the book «Frame Drums in the Medieval Iberian Peninsula» with the 2012 Nicholas Bessaraboff Prize. This annual prize is given to the most distinguished book-length works in English which best further AMIS' goal to promote the study of the history, design, and use of musical instruments in all cultures and from all periods.

The American Musical Instrument Society ha galardonado el libro «Frame Drums in the Medieval Iberian Peninsula» con el Premio Nicholas Bessaraboff de 2012. Este premio anual se entrega a libros sobre organología que mejor representan los objetivos de AMIS de promover el estudio de la historia, el diseño y el uso de instrumentos musicales en todas las culturas y las épocas.

«The Limits of Literary Translation is a breakthrough collection of essays which addresses translation in a truly interdisciplinary manner. As UNESCO’s General Director pointed out (23 April 2012 World Book and Copyright Day, 80th anniversary of Index Translationum): “Translation is the first step towards the rapprochement of peoples”…“a decentralizing experience, teaching diversity and dialogue.” Translation is the only true “world language” (La cultura traducida, Santoyo, 1983) and the role played by translators in building diverse cultures is aptly exemplified in the various chapters which deal with translations into and from all the languages of the Iberian Peninsula, including less explored target languages (Thai, Slovenian). This cutting-edge blend of research by senior and junior academics presents translation as a “testing ground” (Rutherford) in all literary genres. The final essays on songs, comics, graphic and audiovisual humour provide “pointers and eye-openers” (Zabalbeascoa) that help us address the issue of translated cultural identity (Muñoz-Calvo) and go “beyond the blinkers” of traditional academia.» (Raquel Merino-Álvarez, Professor of Translation Studies
UPV/EHU, Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea).

CONTENTS
Part I. The Limits of Literary Translation in Prose Narrative · Milton M. Azevedo: Pérez-Reverte’s Alatriste Stories in English and Portuguese — Branka Kalenic Ramšak: “Looking at Flemish Tapestries from the Other Side”: On Don Quixote and Translation — Daniela Omlor: Translation as a Trope in Javier Marías’s Tu rostro mañana — Sarah Roger: Translation and Identity in Borges’s “Tlön, Uqbar, Orbis Tertius”

Part II. The Limits of Literary Translation in Poetry · John Rutherford: The Impossibility of Literary Translation: The Medieval Galician Cantigas — Pasuree Luesakul: Neruda’s Veinte poemas de amor y una canción desesperada and Lojo’s Finisterre in Thai: Cultural Bridges between Thailand and Latin America — Ronald Puppo: Intertextual Others in Voicing Verdaguer — Clara Marías Martínez: Translation and Imitation in Renaissance Spanish Poetry: A Case Study of Petrarch’s Sonnet, “S’amor non è” — Marcello Giugliano: Robert Frost’s Voices of Common People in Spanish and Catalan

Part III. The Limits of Literary Translation in Theater and Dramatic Dialogue · Jorge Braga Riera: The Limits of Translating Spanish Classical Drama into English — Amaranta Saguar García: One Translator, Two Translations, Three Theories: Christof Wirsung and Celestina — Kathleen Jeffs: Prolonging the Pleasure: Gil Vicente and Jo Clifford’s Adaptations of Don Duardos for Ever-New Audiences — Maja Šabec: Lorca’s Drama in Slovenian: The Stylization of Popular Language

Part IV. Beyond the Limits: New Trends in Literary Translation · Xose A. Padilla and Elisa Gironzetti: Translating Graphic Jokes — Jacob Wilkenfeld: A Foreign Sound: Translating Caetano Veloso’s Song Lyrics — Patrick Zabalbeascoa: Translating Heterolingual Audiovisual Humor: Beyond the Blinkers of Traditional Thinking — Micaela Muñoz-Calvo: Asterix’s Voyage to Hispania: The Adventure of Translating Humor into the Languages of the Iberian Peninsula

Ed. Jorge Checa.
En Amar después de la muerte, Calderón se vale de la rebelión de los moriscos de Granada (1568-1571) para explorar las dimensiones trágicas del conflicto de una minoría cultural enfrentada a la hegemonía creciente del estado moderno. La edición de Jorge Checa analiza en profundidad textos históricos y literarios sobre la revuelta granadina, a la vez que sitúa las contribuciones de la obra calderoniana en el tratamiento de la figua del moro sentimental –dentro una trayectoria que va desde la anónima Novela del Abencerraje a las Guerras civiles de Granada de Ginés Pérez de Hita, uno de cuyos episodios le sirvió a Calderón como punto de partida–. En la elaboración artística de tales contextos subyacen cuestiones ideológicas de largo alcance, las cuales han sido frecuentemente desatendidas hasta hoy. Entre ellas destaca la progresiva marginalidad de los valores aristocráticos tradicionales, con la subsiguiente reubicación de la nobleza y de sus funciones bélicas, ahora decididamente puestas al servicio de la maquinaria estatal. La presente edición se basa en la versión de Vera Tassis (1691). Tanto las notas como el aparato de variantes permiten reconstruir por primera vez la accidentada historia editorial del texto y dejar constancia de las diferentes lecturas suscitadas por sus pasajes más oscuros y difíciles.
Jorge Checa es Profesor de Literatura Española en la Universidad de California, Santa Barbara. Sus investigaciones se centran fundamentalmente en la literatura y la cultura de los siglos de oro, y ha publicado sobre autores como Gracián, Cervantes, Quevedo, Delicado Ercilla y Sor Juana Inés de la Cruz, entre otros. Sus publicaciones incluyen Gracián y la imaginación arquitectónica (1986), Barroco esencial (1992), Experiencia y representación en el Siglo de Oro (1998) y la edición en prensa de El poder vencido y amor premiado de Lope de Vega.

El Arte poética española de Juan Díaz Rengifo fue el manual básico de preceptiva métrica durante los siglos XVII y XVIII. Esta edición recupera para la crítica actual la versión original publicada en Salamanca en 1592 (no la aumentada por José Vicens en 1703), contextualizada y profusamente anotada, siguiendo el propósito del autor de ofrecer a cualquier interesado, erudito o lego, una preceptiva accesible.
Las normas de composición poética que dicta Rengifo para todo tipo de versos, estrofas y formas poemáticas (desde las más tradicionales, como el soneto o la redondilla, a las más ingeniosas, como los laberintos poéticos) son uno de los mejores testimonios para el lector actual de cuáles eran las razones métricas de los poetas del Siglo de Oro.
El éxito comercial alcanzado ya en su tiempo por el Arte poética española fue ante todo consecuencia natural del público escolar al que iba dirigida la obra de Rengifo, pero también se debió al provecho que extrajeron de ella –tanto de los preceptos métricos que contiene como también del diccionario de rimas que ocupa las dos terceras partes del libro- los poetas y los dramaturgos. A estos últimos Rengifo les enseña el modo de adecuar las formas métricas a cada situación del drama o de la comedia, en el que es, sin duda, el repertorio más completo de preceptos versificatorios aplicados a la escritura teatral. Por eso, la actual crítica poética y teatral interesada en las obras del Siglo de Oro (y también posteriores) puede encontrar en el Arte poética española de Juan Díaz Rengifo numerosas claves compositivas.
Ángel Pérez Pascual es Doctor en Filología Hispánica y Máster en Edición por la Universidad de Alcalá de Henares. Imparte clases de Lengua Castellana y Literatura en un instituto de enseñanza secundaria de Guadalajara (España). Ha estudiado las poéticas y retóricas del Siglo de Oro, sobre las que ha escrito un estudio de conjunto y un repertorio bibliográfico pendientes de publicación.

Ed. Luis Galván.
Calderón escribió «La serpiente de metal» junto con «Los alimentos del hombre» para las fiestas del Corpus Christi del año 1676. En «La serpiente de metal» —una especie de “drama del alma” (Luis Galván)– se dramatizan sucesos relatados en el Pentateuco, el Éxodo, la veneración del becerro de oro y la plaga de las serpientes.

ÍNDICE
— Ignacio Arellano: El motivo del viaje en los autos sacramentales de Calderón, II. Viajes misionales
— Juan Manuel Escudero: Calderón y las etimologías fingidas en «El laberinto del mundo»
— Carlos Mata: El ornato retórico de «La siembra del Señor» (o «Los obreros del Señor») de Calderón
— Ramón Moncunill: El optimismo antropológico calderoniano en sus autos sacramentales
— A. K. G. Paterson: El triunfo de la agudeza en «El pintor de su deshonra» (auto) — Carmen Pinillos: Otros géneros en el auto sacramental calderoniano: «El santo rey don Fernando» (1ª y 2ª parte)
— Davinia Rodríguez Ortega: Las parábolas evangélicas en el auto «La semilla y la cizaña» — Mònica Roig: La muerte representada: un “ars moriendi” teatral
— Enrique Rull: Jasón divino y humano
— Enrique Rull: Raíz y renovación en el auto «El árbol del mejor fruto»
— Adrián J. Sáez: Una comedia religiosa frente al auto sacramental: «La devoción de la cruz», de Calderón.

Traducción, edición y notas de Lucía Díaz Marroquín y Mario Villoria Morillo.
La ópera es el género que mejor ha venido definiendo la identidad cultural europea por encima de diferencias lingüísticas o conflictos territoriales desde que comenzaron a representarse las primeras favole o drammi per musica en las academias italianas de los años 1600. Su exportación al resto de Europa requirió a menudo la intervención política directa, aunque las adaptaciones nacionales más variadas a partir de los distintos sustratos dramáticos nacionales no tardaron en surgir, desde el ballet de cour o la masque hasta el Singspiel o la zarzuela. Su doble desarrollo en los ámbitos paralelos de la alta cultura y la cultura popular son la demostración evidente de hasta qué punto ha llegado a impregnar los países en los que se representa. Aun así, el rito de la asistencia al espectáculo operístico y la distancia que impone la cuarta pared que separa el escenario del público vela en ocasiones la percepción de los cuatro aspectos que constituyen su esencia: la voz humana, la palabra en música, el gesto escénico y la puesta en escena de la pasión.
Cuando Manuel Patricio García (1805-1906), hijo del tenor Manuel del Pópolo García –primer Conde Almaviva en Il barbiere di Siviglia de Rossini– y hermano de la mezzo­soprano María Malibran y de la contralto Pauline Viardot, publicó su Tratado completo del arte del canto, pretendía, precisamente, proponer a los lectores una herramienta útil para comprender y practicar la más exigente y perfecta forma de poesis: el canto operístico surgido de los preceptos del bel canto.

From the moment when early musical dramas started being performed in the Italian accademie of the early Seicento, opera has been the genre which best describes the European cultural identity beyond linguistic, territorial and national differences. Direct political intervention facilitated at times its diffusion, while several subgenres sprang out of each national dramatic substrate, from the masque or the ballet de cour to the Singspiel or the zarzuela. Its development was therefore double, taking place both at the alta cultura and at the popular culture levels. Its reception is determined by the rite involving those who attend and those who sing or play in each performance, as well as by the distance imposed by the fourth wall, but is consistently defined by four aspects: the human voice, the word in music, the dramatic gesture and the performance of passion on stage.
When Manuel Patricio García (1805-1906), María Malibran and Pauline Viardot’s brother and the son of the first Count Almaviva in Rossini’s Il barbiere di Siviglia, first published his Traité complet de l’art du chant, he was trying to offer a tool useful to understand and to put into practice the most demanding and perfect form of poesis: the bel canto operatic singing.

Este libro representa la aproximación más completa hasta la fecha a la controversia suscitada por la publicación de la Spongia, que sacudió el Madrid de los Austrias de principios del siglo XVII. Nuevos datos, pruebas y noticias conseguidos a la luz de la traducción completa de la Expostulatio Spongiae, que hasta ahora nunca antes se había hecho y cuyo texto se incluye en este volumen.
Uno de los episodios más apasionantes en la vida de Lope de Vega es la mal llamada «polémica aristotélica», que estalló allá por 1617 con la aparición clandestina de la Spongia y que alcanzó su punto álgido con su imagen en el espejo, la Expostulatio Spongiae (1618), posiblemente el libro más citado y menos leído por los especialistas en la obra de Lope. Mal llamada porque, por desgracia, el conocimiento de esta guerra literaria ha ido de la mano de los distintos errores de análisis que se han venido repitiendo desde que en los años treinta Joaquín de Entrambasaguas sacara a la luz su tesis doctoral. Equívocos hasta cierto punto justificables, puesto que hasta hoy carecíamos de una traducción completa de la Expostulatio que pertrechara a los críticos de una visión panorámica de la polémica.
La consecución de semejante trabajo no sólo ha desvelado la auténtica naturaleza de la polémica, echando por tierra el prisma de los últimos ochenta años, sino que ha liberado un valiosísimo caudal de información que aún se tardará algún tiempo en poder calibrar y del que este libro no es más que la primera piedra.

This book is the most comprehensive approach to the literary controversy that began with the publication of the Spongia. A disclosure that shook violently the Madrid of the Habsburgs in the beginning of the XVIIth century. New data, evidences and information obtained thanks to the complete translation of the Expostulatio Spongiae, never done before, whose full text is included in this book.

Julián González-Barrera es Doctor Europeo en Literatura española por la Universidad de Sevilla. Especialista en el Siglo de Oro, su labor investigadora gira en torno a Lope de Vega, principalmente, y al examen del difícil equilibrio entre fama, teatro y poder en la sociedad barroca española.

Título completo: Santas y meretrices. Herederas de la Magdalena en la literatura de los Siglos de Oro y la escena inglesa.
Este libro resalta textos que han sido soslayados por la crítica y presenta nuevas interpretaciones de obras canónicas del Siglo de Oro mediante el análisis de la representación de María Magdalena en Francisco Delicado, Miguel de Cervantes, Fernández de Avellaneda y Lope de Vega, entre otros. El estudio va más allá de fronteras nacionales y géneros literarios y presta atención a la relación entre lo visual y lo escrito, entrelazando écfrasis y hagiografía. Asimismo, la autora se interesa por el análisis comparativo, examinando el rol de la Magdalena en el teatro de Shakespeare, y contrastándolo con la representación del motivo en el drama aurisecular. En definitiva, a pesar de lo vasto de la bibliografía sobre la santa, faltaba aún un estudio amplio e incisivo que arrojara luz sobre esta crucial figura en la literatura de la alta edad moderna.

This book focuses on texts previously neglected by critics and presents original interpretations of Golden Age canonical works through the analysis of the representation of Mary Magdalene in Francisco Delicado, Miguel de Cervantes, Fernández de Avellaneda and Lope de Vega, among others. The study goes beyond national borders and literary genres and emphasizes the relationship between visual arts and written texts, interweaving ekphrasis and hagiography. Likewise, the author uses a comparative approach in analyzing the role of the Magdalene in Shakespere’s theater and Spanish Golden Age drama. Despite the vast bibliography on the saint, there existed the need for a broad and insightful study to highlight the importance of this figure throughout the Early Modern Age literature.

Gemma Delicado (Badajoz, 1976) es Licenciada en Filología Inglesa por la Universidad de Extremadura. Cursó estudios en Kalamazoo College (Michigan, EE.UU) y más tarde realizó un Master of Arts en Western Michigan University (Michigan, EE.UU). Es doctora en Literatura por la University of Chicago (Chicago, EE.UU). Fue investigadora visitante en la Universitat Pompeu Fabra (Barcelona) y desde 2006 es profesora en el Departamento de Filología Inglesa de la Universidad de Extremadura (Cáceres), lo cual compagina con clases de español y literatura para extranjeros en la misma institución. Sus investigaciones se centran en el papel de la mujer en la literatura de la Alta Edad Moderna. Además se dedica a la investigación sobre la enseñanza/aprendizaje de lenguas y literaturas a través de E-learning.

Gemma Delicado (Badajoz, 1976) holds a B.A in English from the Universidad de Extremadura. In the U.S.A, she attended Kalamazoo College and obtained a Master of Arts from Western Michigan University. She also holds a PhD in Literature from the University of Chicago. She was a visiting researcher at the Universitat Pompeu Fabra and in 2006 became a lecturer in the English Department of the Universidad de Extremadura, where she also teaches Spanish as a foreign language. Delicado’s research interests include the role of women in Early Modern Literature as well as the teaching and learning of literature and languages via E-learning.