En 1952 la Universidad de Harvard invitó al poeta E.E.Cummings a dar el ciclo de conferencias conocido como las Charles Eliot Norton Lectures, una serie de seis sesiones en las que el artista expresa su visión sobre la creación artística. E.E. Cummings comparte este honor con algunas de las personalidades artísticas más relevantes del siglo como T.S. Eliot, Igor Stravinsky, Erwin Panofsky o Jorge Luis Borges.
El presente volumen recoge las conferencias que Cummings impartió en la Universidad de Harvard, que para el poeta representaba la vuelta a sus orígenes: a Cambridge, la ciudad en la que pasó su infancia y juventud, a la universidad cuya herencia intelectual impregna toda su obra y a la memoria de su padre, pastor protestante, a quien el propio Cummings señala como la mayor influencia en su vida y su visión del mundo.
Cummings avisa, ya en las primeras líneas, de su incapacidad como conferenciante al uso y de su intención de hablar sobre la única cosa de la que se siente autorizado a hablar: de él mismo. Y es a través de él mismo, de esa defensa provocadora y hasta beligerante de la individualidad, que el lector entra en el mundo absolutamente original del poeta, mezcla de tradicionalismo y modernidad, de nostalgia por una época dorada—el mundo de elitismo intelectual y espiritual al que pertenece el propio Cummings por herencia y formación—y a su contundente definición de qué es la poesía y, ante todo, ser poeta.
• Edward Estlin Cummings (Cambridge, Massachusetts, EE. UU., 1894 – North Conway, New Hampshire, EE. UU., 1962) escribió sus primeros poemas a la temprana edad de ocho años. Empezó a estudiar griego y latín en la escuela secundaria y posteriormente se graduó en la Universidad de Harvard. Durante la Primera Guerra Mundial se alistó como voluntario para hacer de conductor de ambulancias en Francia donde pasó tres meses en un campo de prisioneros francés. Su primer libro, la novela The Enormous Room, es una crítica feroz a la Gran Guerra y está basada en esta experiencia. Después de la guerra regresó a Estados Unidos y publicó su primer libro de poesía Tulips and Chimneys, que se caracterizaba por un estilo innovador y por el tono alegre y desenfadado con el que escribía sobre el amor, la naturaleza y la guerra.Toda su poesía de es un experimento radical con la ortografía, la sintaxis y la puntuación, que se aleja de las técnicas y estructuras tradicionales para crear una forma de expresión poética completamente nueva y original. Además de poeta, E.E. Cummings es autor de dos novelas, cuatro obras de teatro, varios ensayos sobre poesía y un número considerable de dibujos y pinturas. Desde 1933 Cummings vivió con su tercera mujer Marion Morehouse entre Greenwich Village y Joy Farm, su granja en New Hampshire, donde murió en septiembre de 1962.
[Traducción: Olivia de Miguel].

Se cumplen cien años de la invención del collage, de su difusión en el espacio artístico internacional en calidad de una hábil y sorprendente estrategia figurativa enfrentada a la vieja tradición ilusionista: el canon constructivo de la representación visual europea. Celebrar los cien años últimos del arte bajo el signo del collage es algo más que una elaboración historicista; nos obliga a una reflexión acerca de las consecuencias del mestizaje formal y figurativo en la definición de lo que todavía llamamos prácticas artísticas. La conclusión es apabullante y los resultados, como cabía esperar, complejos. Con el paso del tiempo se multiplican e intensifican las calidades técnicas y los matices formales a la par que los proyectos plásticos se tornan más envolventes e imprecisos, puesto que implican nuestra directa sensibilidad en el difícil enunciado del arte actual ya globalizado y mercantil.
• José Francisco Yvars es crítico de arte, especialista en arte contemporáneo. Ha sido director del IVAM, es autor de más de una docena de libros y colaborador habitual de La Vanguardia. En Editorial Elba ha publicado Imágenes Cifradas. La Biblioteca magnética de Aby Warburg.

Geográficamente los elementos que integran el archipiélago Caribe se distinguen fácilmente, sin embargo no es posible hacer lo mismo con la población de estas islas.
“Cada isla es una entidad distinta e idiosincrásica, una civilización, o su reverso, de orígenes fortuitos y evolución empírica. No hay ley general que tenga aplicación tras las costas de cada una de ellas, a menos que consideremos como un principio unificador la constante presencia de lo singular, la invariable necesidad de establecer excepciones a cualquier regla conocida.” Así resume Patrick Leigh Fermor, el viajero ideal—culto, inquisitivo, con un fino sentido del humor y un interés genuino por todo lo nuevo—la experiencia de su odisea personal por el Caribe en la década de los años cuarenta. Fermor recorre la larga cadena de islas antillanas en barco de vapor, de vela, en avión y ela pie, tomando nota de los detalles más pintorescos de la vida cotidiana, del paisaje y de las costumbres de sus habitantes, desde los fantasmagóricos siboneys hasta los blancos pobres de la islas de los Santos.
Su predisposición a vivir entre los criollos, junto con las cartas de presentación que trae de Inglaterra y que le abren las puertas de las mansiones de la mejor sociedad de las islas, hacen de su relato un texto único, rico en matices y lleno de vida. El de Fermor es probablemente el retrato más original y evocador de este archipiélago de culturas que se ha escrito hasta la fecha.

• Patrick Leigh Fermor (Londres, 1915 - Worcestershire, 2011) era de ascendencia británica e irlandesa. Tenía sólo dieciocho años cuando emprendió su viaje desde Holanda hasta Constantinopla, periplo que describió tiempo más tarde en sus dos volúmenes El tiempo de los regalos y Entre los bosques y el agua.
Al inicio de la Segunda Guerra Mundial se alistó en la Guardia Irlandesa y luchó en territorio griego, donde vivió más de dos años haciéndose pasar por pastor, encargado de organizar la resistencia. En 1943 se le concedió la distinción de Officer of the Order of the British Empire y un año más tarde la Distinguished Service Order. En 2004 recibió el título de sir por los servicios prestados a la literatura y a las relaciones entre Gran Bretaña y Grecia.
En España, también en la editirial Elba, se ha publicado su viaje por tres abadías europeas y los monasterios abandonados de Capadocia, Un tiempo para callar.
[Traducción: Francisco Payarols].

«Una primera mirada al interior de techos altos, humeante y abarrotado de mesas de la Rotonde produce el mismo efecto que la entrada en la pajarera de un zoológico. Se escucha un tremendo escándalo de graznidos de distintos tonos, interrumpido por los muchos camareros que vuelan a través del humo como una bandada de urracas blancas y negras.
Las mesas están todas ocupadas –siempre lo están–, alguien es empujado en una dirección, algo se cae, entra más gente por la puerta giratoria, y después de gritarle lo que quieres tomar a una espalda que se va, miras a tu alrededor y te fijas en las personas, de una en una.»
[Traducción: Clara Pastor].

«Los pintores cambian el mundo a nuestros ojos; un hombre ya no ve las mismas nubes después de Turner, ni las mismas mujeres después de Watteau, ni los mismos limones después de Braque.» (Jean Paulhan).
Braque, el patrón no es un texto fácil de definir. Es al mismo tiempo una semblanza del pintor, una interpretación de su pintura, un manifiesto artístico propio y una suerte de poema fragmentado en prosa.
De hecho, podría decirse que Paulhan escribe como pinta Braque: en fragmentos superpuestos que dejan entrever otros fragmentos. Así, el recorrido que hace de la vida y la obra de Braque no es ni cronológico, ni lineal, ni siquiera lógico, sino que encaja y se sostiene por el hilo virtual que entreteje las impresiones frente a un escaparate de París, los recuerdos de una infancia en El Havre y una conversación en el estudio del pintor muchos años más después. Sólo al terminar tendrá el lector la impresión de haber entrado en ese universo Braque y de empezar a comprender la disparatada brillantez de quien nos abre sus puertas, Paulhan.
[Traducción: Elisenda Julibert].

Daniel Lelong conoció a Alexander Calder en 1961, cuando trabajaba con Aimé Maeght en la creación del museo que se convertiría en la Fundación Marguerite y Aimé Maeght en Aix-en-Provence. Fue el primer artista con el que tuvo contacto y su relación con Calder duraría hasta la muerte del escultor en 1977. Durante estos años, Lelong tuvo la oportunidad de conocer a Alenxader Calder en su faceta más íntima y desenfadada—Calder era poco ceremonioso por naturaleza, sociable y extrovertido—así como de ver cómo trabajaba en sus distintas facetas creativas, la de pintor, escultor e inventor de objetos que poblaban los espacios de sus casas en Francia y Estados Unidos.
El texto de Lelong abre una ventana al lector por la que tendrá ocasión de observar a Calder en un día de trabajo, celebrando su cumpleaños con amigos o respondiendo con una negativa irónica a una invitación del presidente de los Estados Unidos

La figura de Balthus muestra siempre un aura de misterio. Por el mundo de su infancia transitan personajes tan ilustres como Rainer Maria Rilke, quien ya intuye su genio. Los grandes maestros clásicos—Piero della Francesca, Velázquez y, por encima de todo, Gustave Courbert, guían el aprendizaje del joven Balthus, siempre autodidacta, cuya pintura muestra la inclinación del artista a reflejar su mundo interior. Balthus aspira a una pintura alejada de las modas y las vanguardias de su tiempo, como también a una forma de vida que no se corresponde ni con el siglo que le ha tocado vivir ni con sus orígenes, de ahí que se construya una identidad que evoca la grandeza y la pureza de espíritu de un pasado que venera.
James Lord entra en el universo particular de Balthus de la mano de su amiga Dora Maar, primero en París y después en el château de Chassy, donde Balthus fija su residencia en los años cincuenta. A través de pequeñas anécdotas y de una minuciosa observación del personaje, Lord construye un retrato cautivador de uno de los artistas más fascinantes del siglo XX. Detrás de su escritura, aparentemente ligera, ocurrente y a menudo irónica, se esconde una reflexión profunda sobre la vida de los artistas, sobre su esfuerzo por crear una identidad y una obra cuya trascendencia es incierta.

Este libro no es sólo una guía del Museo del Prado, sino una lección magistral sobre cómo mirar y cómo hablar de pintura. En este particular y ecléctico recorrido de Arroyo por las salas del museo los criterios que le guían son los únicos requisitos que cuentan cuando se habla de pintura: la calidad y el genio.