Versión para teatro escolar: Jesús Ricardo Martín
Introducción: Concepción García Fuentes.

Hécuba, la reina de Troya, esposa de Príamo, madre de Héctor, se convierte en esta obra del trágico Eurípides en la imagen misma de la desolación, en la personificación de las peores desgracias que pueden acaecer a una mujer, cuando ve ante sus ojos hundirse el reino de su esposo y perecer a Príamo y a casi todos sus hijos.
La muerte de su hija Políxena es asumida al fin por Hécuba como impuesta por la cruel ley de la guerra; sin embargo, el anuncio del fallecimiento de su hijo Polidoro, al ser traicionadas las leyes de la hospitalidad, le empuja a consumar la venganza.
Es Hécuba un retrato del dolor y del abatimiento que causa la guerra, también entre quienes se consideraban más seguros y ahora, por ello, más débiles.
El coro de las cautivas troyanas y el asesinato de Polidoro son un meridiano reflejo del declive moral y del egoísmo de la Atenas de su tiempo, embarcada en la Guerra del Peloponeso. De aquí deriva el antibelicismo de Hécuba, una tragedia de compromiso político cargada de advertencias a sus conciudadanos.

Versión para teatro escolar: Jesús Ricardo Martín.
Guía didáctica: María Asunción Hevia González.

Antígona presenta un conflicto entre el poder establecido —derecho de Estado—, representado por Creonte, y la conciencia moral —derecho de familia—, encarnada por la hija de Edipo, la cual viola un decreto del rey al cubrir con tierra el cadáver de su hermano Polinices, muerto como enemigo de Tebas.
Es sabido que Sófocles desarrolla el estudio de los caracteres, dibujando con hondura psicológica el éthos de los personajes. Frente al teatro de Esquilo, su predecesor, Sófocles relega la influencia divina a un segundo plano y sitúa en primer término la voluntad humana. Antígona, Creonte, Hemón, son protagonistas de una voluntad firme, que rige el curso de los acontencimientos, escasos por lo demás. Lo que ocurre no es obra de los dioses, sino de los propios actos de los seres humanos.
Lo trágico se ve subrayado porque los personajes, Creonte en esta tragedia, se pierden cuando creen haber escapado a las amenazas del destino, lo que provoca en los espectadores una mayor piedad.
¿Cuál fue el sentido que Sófocles quiso dar a su pieza? No es aventurado ver en Antígona un anticipo de un ideal de ciudadanía que años más tarde representaría Sócrates. Sófocles había querido presentar a sus conciudadanos un nuevo modelo de heroísmo cívico —subrayado al encarnarse en una mujer— contrapuesto al viejo ideal heroico, cargado de egocentrismo insolidario.

Pamela Howard, que ha trabajado en más de 200 montajes en el Reino Unido y en todo el mundo, explica en este libro las claves de la creación de un espacio escénico: el juego con el espacio, las pistas visuales que sugiere el texto, la investigación y documentación, el color y la composición, el vestuario, la colaboración con el director, el intérprete y el espectador. Experta en la creación de espacios escénicos en arquitecturas no teatrales aboga tanto por el recurso a las últimas tecnologías como por la necesidad de un teatro sostenible. ¿Qué es la escenografía? no solo documenta con ilustraciones la variadísima experiencia de la autora sino que rinde tributo a sus maestros e inspiradores: Léon Bakst, Caspar Neher, Robert Planchon…

El teatro de Carmen Resino es un teatro de la palabra, un teatro de autor. En su trayectoria tiene una destacada presencia la Historia, no ajena a su condición de especialista en esta materia. En " La última jugada de José Fouché " se representa la figura de este controvertido personaje, cuyo poder e influencia se extienden desde la Revolución francesa hasta la restauración de la monarquía, dotándole de una admirable potencialidad escénica. " La visita " recrea la supuesta visita del Führer a París el 23 de junio de 1940, acompañado por tres artistas e intelectuales, grandes amigos suyos: los arquitectos Albert Speer y Hermann Giesler y el escultor Arno Breker. Dos acontecimientos del pasado que han contribuido a configurar nuestro presente.

-- Edición de Claudia Demattè, David Arbesú y Philip Allen.

.Juan Pérez de Montalbán fue discípulo privilegiado de Lope de Vega e hijo de uno de los libreros más importantes de Madrid de principios del siglo XVII. Con este volumen se da inicio a la publicación de las comedias «varias» que no fueron incluidas en los dos tomos oficiales de comedias, es decir, el Primero tomo de 1635 y el Segundo tomo de 1638. Se editan aquí obras tan señaladas como Morir y disimular, la primera comedia compuesta por Montalbán; Gravedad en Villaverde, una temprana adaptación teatral de una novela ejemplar; y La más constante mujer, una de las obras con más éxito de este autor.

Situado Valle-Inclán en la encrucijada nacional e internacional tras la Primera Guerra Mundial, observa que por todas partes prevalece lo grotesco. " La tragedia nuestra no es tragedia " , le dice Max Estrella a Don Latino en " Luces de bohemia " , lo que da como resultado —añade Max Estrella— " el esperpento " , una invención artístico-literaria que es atribuida a Goya. Esa tragedia que no es tragedia es la tragedia del español que vive sin grandeza, sin heroicidades, sin altura de miras, en un momento en el que España se hallaba fuera de las corrientes sociales, políticas, económicas e ideológicas de su entorno europeo: " España es una deformación grotesca de la civilización europea " . Solo con la forma estética del esperpento, basada en la deformación sistemática, puede representarse la tragedia no tragedia de España. Pero en " Luces de bohemia " , el esperpento que en un principio iba a girar en torno a un bohemio, un marginado, se topa con la realidad y su protagonista toma conciencia de ella, dando sentido y proyección estética y social al esperpento.

Toda la obra dramática del premio Nobel de literatura portugués reunida en un solo volumen por primera vez en español: una perfecta combinación de ideas plenamente vigentes y maestría literaria.

«La memoria es el dramaturgo que todos tenemos dentro. Pone en escena e inventa un disfraz para cada ser vinculado con nosotros. La distancia entre lo que fue una persona y lo que se recuerda de ella es literatura.»
José Saramago

José Saramago se llamaba a sí mismo «el dramaturgo involuntario» porque siempre sintió que su contribución a ese género venía marcada por circunstancias azarosas. Pero incluso así, su genio creativo dio luz a las cinco obras teatrales que se reúnen ahora en este volumen: La noche (1979), ¿Qué haré con este libro? (1980), La segunda vida de Francisco de Asís (1987), In Nomine Dei (1993) y Don Giovanni o El disoluto absuelto (2005). Salvo La noche e In Nomine Dei, se publican por primera vez en castellano.

Con la hondura propia de toda su obra -aunque revestida de una aparente simplicidad-, brilla en estas piezas magistrales la ironía del autor y la agudeza de sus reflexiones. Los grandes héroes dejan paso a los hombres y mujeres sencillos que, desde la honestidad y la firmeza de sus convicciones, luchan por la libertad, la justicia y un futuro mejor.

Ambientadas en lugares y épocas distintos que van desde el Portugal del triunfo de la revolución de los Claveles o el renacentista del poeta Camões, a la Alemania de la reforma luterana, la Italia de don Giovanni o la intemporalidad deslocalizada de una empresa en crecimiento, en ellas las grandes cuestiones que caracterizan el pensamiento del autor están expuestas sin enjuiciamientos ni sentencias. Todas ellas son parte de un diálogo que Saramago mantiene para siempre, desde cada una de las páginas que escribió, con sus lectores.

Adaptación teatral de Chus Sorela y Celia Álvarez Fresno.

Chus Soreia. Licenciada en Arte Dramático en la modalidad Interpretación Textual en la Escuela Superior de Arte Dramático y Profesional de Danza de Asturias (ESAD y PD): (2009-2013).
Licenciada en Filosofía y Ciencias de la Educación, especialidad Psicología, por la Universidad de Oviedo (1985-1990).
Creadora de TCC: Teatro con conciencia
Celia Álvarez Fresno. Obra literaria:
Entre el alma y la razón (1995; 3.ª edición: 2012),
Desde el viento (2003),
Pinceladas de soles y lunas (2007),
En el umbral de la vida (2011),
Desde una rama (2012),
Tienes el Sol y ¿buscas un candil? (2013),
Una historia en el aire (2014) y
Deva, un océano en el Cantábrico (2015).

" El burlador de Sevilla " , el personaje más universal del teatro español, ha dado origen a un mito asentado sobre dos personajes: la pareja inseparable Burlador/Criado (se llame éste como se llame) y una figura, la del Comendador, inseparable también del mito de Don Juan. La presente edición plantea una cuestión, la de la autoría, que la crítica no se había planteado hasta el siglo pasado; sin embargo, el " Burlador " no había sido incluida por Tirso en ninguno de sus cinco volúmenes de Comedias. Por otro lado, la publicación de las ediciones facsímiles de las dos variantes de la obra, " El burlador de Sevilla " y " Tan largo me lo fiáis " , junto con la existencia de algunas otras variantes de distintas representaciones teatrales, ha permitido un cotejo para el establecimiento de un texto completo y fiable.

El Pabellón de las Peonías (Mudan ting) o Historia del alma que regresó (Huanhun ji) es la obra cumbre de la dramaturgia china, traducida aquí por primera vez al español. Escrita por Tang Xianzu (1550-1616) en 1598, relata la apasionada historia de amor entre la hermosa Du Liniang y el joven Liu Mengmei. En medio de un ambiente bélico, por la amenaza de unos bárbaros a la dinastía Song, la joven luchará por alcanzar el objeto de sus sueños enfrentándose a todos aquellos que intentan impedir su amor, incluso hasta la muerte. Los sueños, el autorretrato y la muerte se convierten en manos de Tang en un juego de espejos, mundos posibles en los que dar rienda suelta a las pasiones de la joven en una época en la que dichas pasiones eran consideradas como una amenaza al orden establecido. La obra entreteje momentos de un profundo lirismo con situaciones hilarantes, ofreciendo una profunda reflexión sobre el amor y las fronteras entre realidad e ilusión.