El personaje de Yerma describe con intensidad y precisión el conflicto de la mujer estéril que no puede soportar su incapacidad para ser madre. La obra conecta poderosamente con cuestiones humanas intemporales: la omnipotencia del deseo, la frustración amorosa, la incapacidad para poder aceptar los propios límites, la desesperación y los anhelos. Por ello la tragedia de Yerma nos conecta con un universo poético en el que el sufrimiento humano aparece de forma descarnada, violenta, y, al mismo tiempo, bella.

Con la " Trilogía de la juventud " , sus tres jóvenes autores no solamente lograron el éxito personal, avalado por numerosos premios, sino que consolidaron el propio movimiento de las salas alternativas como una realidad insoslayable a la hora de comprender el teatro español del nuevo milenio. " Las manos " , primera parte de la trilogía, se estrenó en 1999; en los años siguientes se sucedieron los estrenos de " Imagina " y " 24-7, Veinticuatro horas al día, siete días a la semana " . " Trilogía de la juventud " es una obra extraordinariamente ambiciosa. Bajo la apariencia del modesto retrato de unos jóvenes sin historia, aborda un cambio cuya trascendencia todavía no podemos calibrar en toda su extensión, pero del que ya podemos saber que ha transformado la sociedad y nuestra forma de ver el mundo, de relacionarnos con él y con el resto de los seres humanos.

HAMLET, la obra más conocida de Shakespeare, es en realidad una pieza llena de lagunas e indefiniciones. Una obra enigmática y misteriosa, en la que cada personaje es un artista de la simulación. El propio Hamlet es un ser en continua transformación. En él caben la ceremoniosidad, la cortesía y la reflexión, junto a la pasión, la burla, el enigma o la posibilidad de la locura. En el castillo de Elsenor, en un ambiente que emana corrupción y desconfianza, claustrofóbico y hostil, se alternan escenas solemnes y reveses irónicos, al tiempo que se agita una corte de personajes cuyo sentido último será llevar a Hamlet a vencer su tensión interna y cumplir la venganza por la muerte de su padre. El magnífico estudio de Ángel-Luis Pujante que precede su traducción analiza el carácter incoherente e incierto de la tragedia y sitúa el atractivo de una obra tan compleja y rica en ese halo de misterio que suscita la duda, requiere la meditación y que la ha convertido en uno de los grandes mitos de Occidente.

-- Versión de Jesús Ricardo Martín. Guía de lectura: José Ignacio Merino Martínez.

Con el juicio de Paris se inicia la guerra de Troya y con otro juicio, la contienda de Ulises y Áyax por las armas de Aquiles, se abre su acto final. En la disputa está en juego el honor. Áyax no soporta el veredicto y quiere vengarse de sus jueces. Atenea lo enloquece. Al recobrar la cordura, se suicida. La posteridad interpretó este enfrentamiento como el de la astucia o la inteligencia de Ulises frente a las gestas o la fuerza bruta de Áyax.
Aun admitiendo cierta falta de solidez, nos arriesgamos a aventurar que Áyax puede ser interpretada como una tragedia profundamente comprometida con las acciones políticas de la Atenas contemporánea; que no hace sino denunciar el fracaso de la autarquía (Áyax) y de los abusos absolutistas (Atridas) y, de rebote, el previsible fracaso de la Liga de Delos; en definitiva, es un elogio a la moderación, al respeto por la justicia, la igualdad y las leyes divinas y humanas (Ulises); por la democracia, en defi nitiva. Jesús Ricardo Martín
Es Áyax una tragedia de antítesis, de contraposición de normas éticas, de exaltación de la soledad del héroe, de continuo recuerdo de que todo es incierto y frágil en el hombre, juguete de la ironía del destino, engañado por los propios dioses. J. de Romilly, La tragedia griega.
Y siento pena por él aunque seamos enemigos. Me doy cuenta de que todos nosotros, cuando vivimos, estamos presos por un destino fatal y no somos sino fantasmas vivientes. Ulises, en el «Prólogo» de Áyax.

-- Fue Sófocles (496-406 a. C.) contemporáneo de Esquilo y de Eurípides, también de Aristófanes, pero el floruit de su vida le hace coetáneo de Pericles. Este poeta, que como ningún otro sabía de la trágica miseria de la existencia y de todas las profundidades del sufrimiento humano, siguió el camino de su vida exterior alumbrado por una luz serena y era considerado por sus conciudadanos atenienses como un hombre feliz, paradigma del triunfador, afable en el trato, nada envidioso, respetuoso con sus rivales y respetado por ellos.

-- Guía de lectura: María Consolación Blanco, María Concepción Rodríguez y María Victoria Sánchez.

El persa es una obra típicamente plautina, una obra «de esclavos» donde, como siempre en Plauto, los personajes serviles gozan de los privilegios de los ciudadanos libres durante el tiempo de la representación. Fiesta y, sobre todo, fantasía divierten al espectador sumergiéndolo en un mundo imaginario. Pero El persa es diferente del resto de obras plautinas. El persa es «la comedia de la burla por excelencia». Nos cuenta una historia de amor entre esclavos, en la que se trata de conseguir que un lenón libere a una cortesana y que, al mismo tiempo, corra con los gastos. Las singularidades de El persa hacen de ella una obra casi única. La más importante radica en su estructura, donde las leyes de la palliata están bastante trastocadas: asistimos a una verdadera exhibición de metateatro. Ricardo Martín, en la introducción a esta edición.
El universal comediógrafo romano, Tito Macio Plauto, escribió esta obra al final de su vida, en torno al año 186 a. C.

-- Con Plauto y Terencio la comedia es el primer género de la literatura latina que alcanza un nivel que le asegura un influjo permanente sobre Europa. Los dos grandes comediógrafos romanos no quieren ser meros traductores de las producciones teatrales helenísticas, tampoco escriben para la eternidad, sino para una representación concreta, en una búsqueda constante de comicidad con la creación de un «mundo al revés», que no oculta también rasgos del mundo propio. La carcajada cómica se convierte así en autocrítica. (Michael von Albrecht, Historia de la literatura romana, I, Herder, 1997: 118 passim).

Juana Escabias es una mujer de teatro en el sentido máspleno: escritora, profesora, actriz, editora, directora de compañía y gestora de numerosas actividades teatrales y culturales. «Pertenezco a esa generación que ha vivido y exigido la igualdad como derecho innegable, pero en mi obra siempre están presentes las mujeres obligadas a vivir una existencia de segunda categoría por el hecho de pertenecer «al segundo sexo»». De esta forma, Juana Escabias se ha comprometido con los asuntos más importantes que afectan a nuestra sociedad y ha colocado la lucha contra la violencia que sufre la mujer en una de las preocupaciones esenciales de su vida. Las tres obras que se incluyen en este libro son buenas muestras de ello.

«Los personajes de Los guantes blancos son seres atormentados, solitarios, reprimidos e incomprendidos. Pero, en este drama de Carlos Barros, también se resuelven las dudas de una sociedad cruel, los perfiles oscuros de sus protagonistas o su complejidad psicológica.» (Justo Braga, en la Introducción).

Carlos Barros San José (Mieres, Asturias, 10 de Junio de 1960) es uno de los miembros fundadores de Radio Parpayuela en 1985, teniendo desde entonces diversas responsabilidades en la misma, coordinador de informativos, responsable de gestión y administración y a partir de 2003 y hasta su cierre en 2014, director de la misma.
En el año 2002 escribe y dirige la campaña de sensibilización social Mírame a los güeyos, galardonada en la cuarta edición de los premios a la No Violencia contra las Mujeres en la modalidad de radio, otorgado por el Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales.
En el año 2004 escribe y dirige la campaña audiovisual de sensibilización social Educa en igualdad, galardonada en la sexta edición de los premios a la No Violencia contra las Mujeres en la modalidad de de publicidad, otorgado por el Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales.
En el año 2007 escribe y dirige la campaña audiovisual de sensibilización social Lo mejor de ti, galardonada con uno de los Premios a las mejores campañas de promoción 2007 otorgado por la Federación Nacional de Donantes de Sangre.
Durante varios años colabora en el diario La Voz de Asturias con una serie de artículos que llevaban como título La hoguera y en el periódico Montaña Central con escritos que tenían como referencia Marea alta.
En 2009 pone en marcha Parpayuela Espacio Cultural que nace con una idea firme y decidida por la dinamización cultural de las comarcas mineras y conseguir así que la Montaña Central de Asturias fuese un referente socio-cultural para el resto de la región, mediante la organización de charlas, conferencias, exposiciones y conciertos.
En 2016 escribe la obra de teatro Mamá Eloína.

Un actor se prepara es la primera obra de pedagogía teatral de Konstantín Stanislavski. Aunque obra de carácter autobiográfico, adopta la forma narrativa de diario de un estudiante, llamado Kostya, durante su primer año de aprendizaje del «sistema Stanislavski», que no se presenta como un «método» particular sino como todo un análisis sistemático del orden «natural» de la verdad teatral. En él se abordan numerosos aspectos relacionados con las habilidades que tiene que desarrollar un actor en escena, desde la relajación de los músculos o la memoria emotiva a la concentración y motivación interna.
Konstantín Stanislavski (seudónimo de Konstantín Serguéievich Alekséyev, Moscú, 1863-1938) actor, director y teórico teatral, fue uno de los grandes renovadores del mundo de la escena y del arte teatral del primer tercio del siglo XX, junto con Serguéi Diáguilev (el creador de los Ballets Rusos) y Erwin Piscator (director teatral y autor de Teatro político). Cofundador del Teatro de Arte de Moscú y creador de un método interpretativo que pretende proyectar la emoción de los personajes al espectador de forma verídica y alejada de toda artificialidad.

• Edición de J. Enrique Duarte (ed.).
• Colección Ediciones críticas, 216.

El presente volumen ofrece la edición crítica de dos nuevos autos sacramentales de Lope de Vega: Las hazañas del segundo David y El Misacantano, dentro del proyecto Autos sacramentales completos de Lope de Vega.
El primero de los autos sacramentales, Las hazañas del segundo David, se basa en el manuscrito autógrafo de Lope que Juan Bautista Avalle-Arce y Gregorio Cervantes Martín descubrieron y estudiaron (1979 y 1985). Este auto está fechado en 1619 y fue representado por la compañía de Tomás Fernández de Cabredo. En esta publicación se realiza un exhaustivo análisis textual de todos los testimonios encontrados hasta la fecha, donde muchos de ellos atribuyen esta pieza sacramental a Calderón, lo que es indicio de la calidad literaria alcanzada por Lope en esta obra. El auto sacramental basa su plano historial en la derrota de Goliat a manos de David para construir una potente alegoría que todavía emociona en su lectura.
El segundo de los autos sacramentales, El Misacantano, es una obra temprana, fechada por la crítica en torno a 1588-1595 y publicada en Fiestas del santísimo sacramento (Zaragoza, 1644). No ha sido esta obra muy apreciada por la crítica (Menéndez Pelayo y Aicardo), quizá debido al estado en el que se nos ha transmitido, por lo que ha sido necesario realizar una depuración textual corrigiendo, en la medida de lo posible, lecturas erróneas. La alegoría se basa en los ritos de la misa, donde el plano historial corresponde a la pasión, muerte y resurrección de Cristo, estructura que tendrá influencia en autos posteriores de Calderón comoLos misterios de la misa.

Este volumen acoge la primera edición crítica de El Pelayo de G. M. de Jovellanos (1744-1811), una tragedia escrita en 1769, corregida en 1771-1772 y lista para imprenta en 1773, que no vio la luz hasta 1832, debido a que Jovellanos desistió de publicarla tras un encontronazo con la censura. No obstante, él mismo dirigió un montaje en Gijón en 1782, diez años antes de que Luciano Comella plagiara y alterara la obra, representándola y publicándola como Munuza en Madrid en 1792. El Pelayo es el primer proyecto literario de envergadura de Jovellanos, y supone su decidida participación en una pionera política cultural, que pretendía dotar a la escena española de un repertorio acorde con los referentes literarios europeos contemporáneos, con los modernos presupuestos estéticos neoclásicos y con los parámetros ideológicos de la Ilustración.
Al calor del celebrare domestica facta horaciano, Jovellanos aborda la materia pelagiana a partir de la rebelión de Pelayo y los gijoneses contra Munuza y, en constante tensión con la Historia y la preceptiva literaria, construye un discurso de implicaciones políticas y éticas que fija aquel momento para el imaginario colectivo como el de los «principios de la restauración de la patria», cuyos derechos inalienables había conculcado el tirano. De todo ello se da cuenta en la extensa introducción a cargo, como la edición, de Elena de Lorenzo, directora del Instituto Feijoo de Estudios del Siglo XVIII de la Universidad de Oviedo. El nuevo texto de El Pelayo, acompañado de los varios prólogos y notas que Jovellanos escribió para la obra y de su contestación al anónimo censor, se fija a partir del cotejo de la primera edición de 1832 con los manuscritos de la Biblioteca Nacional de España y el Museo Casa Natal de Jovellanos de Gijón, y con el Munuza de 1792 (una edición deturpada, pero cuya base es la versión primitiva del propio Jovellanos).