-- Edición de Claudia Demattè, Marcella Trambaioli, Roberta Alviti y Teresa Ferrer Valls.
Las tres comedias que figuran como las últimas del Primer tomo de comedias (1635) confirman lo que ya se señaló en la introducción al primer volumen: Montalbán recogió piezas que procedían de distintos géneros teatrales subrayando una vez más la heterogeneidad de su obra. Olimpa y Vireno declara abiertamente, a partir del título, su deuda con la tradición ariostesca italiana. La historia de los dos protagonistas, sacada del Orlando Furioso, se convierte en un motivo literario independiente mientras que Olimpa adquiere el estatus de mujer guerrera, según el modelo la Bradamante de Ariosto. El señor don Juan de Austria se sitúa en el marco del «drama histórico», según Profeti, al combinar hechos verídicos con una intriga amorosa. Montalbán manejó por lo menos dos de las biografías del hijo natural de Carlos V, situando la acción dramática entre Madrid y Flandes. Los amantes de Teruel, última comedia del Primer tomo, y quizás la pieza de Montalbán más conocida en la actualidad, parte de un fondo histórico, la época de Carlos V y la conocida jornada de Túñez en 1535, para dar vida, en las tablas, a una tradición que relata los amores trágicos de los amantes cuyas fuentes históricas, folklóricas y literarias explica en detalle Teresa Ferrer Valls.
La Decimasexta parte es uno de los impresos teatrales más misteriosos y fascinantes de Lope de Vega.
Misterioso por la historia de su composición y publicación: con los trámites legales cumplimentados desde 1620, algo
alteró los planes y el volumen salió a finales de diciembre de 1621, cuando ya la siguiente parte estaba a la venta.
Tal vez un atasco en las atareadas prensas madrileñas, ciertas dificultades de orden personal del dramaturgo y, sobre
todo, la muerte de Felipe III en marzo de 1621 afectaron al proceso de edición. Y es fascinante por su contenido: Lope
ofrece al lector obras mitológicas que se habían representado en la corte con gran despliegue escenográfico, piezas
históricas, comedias genealógicas y palatinas, alguna reliquia de juventud y la espléndida Lo fingido verdadero,
híbrido de drama histórico y comedia de santos y el mejor ejemplo de «teatro en el teatro» de todo el Siglo de Oro. En
suma, la corte y el corral, los dioses y los hombres, y un teatro que se hace vida en el momento mismo en que la vida
se vuelve teatro.
Este libro está formado por cuatro piezas teatrales breves y alegres originales de Juan Ramón Barat. Están escritas con mucho humor y en ellas se defienden valores universales y buenos sentimientos. Han sido escritas pensando en niños de 6 a 12 años. Por ello, son constantes las situaciones divertidas, los chistes, las canciones, las adivinanzas, las coreografías, los juegos de todo tipo... Los personajes que pueblan sus páginas son entrañables y harán las delicias de los lectores más exigentes. Teatro fresco, ágil, que podrá ser leído en solitario o en grupo, en el aula o en familia, por jóvenes y por adultos, representado en un escenario tradicional o en formato de guiñol. Muy recomendable para todos los públicos. El libro se completa con un TALLER DE ACTIVIDADES dividido en tres apartados: actividades previas a la lectura, posteriores a la lectura y ficha de valoración. Cada taller está enriquecido con juegos de comprensión, de creación y de entretenimiento.
En " Luces de bohemia " nos propone Valle-Inclán un recorrido por el Madrid sombrío de principios del siglo XX, de la mano del poeta ciego Max Estrella y su " perro " , el buscavidas Don Latino. El prisma desde el que el autor concibe la obra es el esperpento, que consiste en la deformación sistemática de la realidad, y la degradación de una situación, hasta que llega a ser ridícula. Valle-Inclán hace una crítica feroz de todos los eslabones de una sociedad enferma, uniendo a los personajes en un grotesco baile de máscaras, donde se tratan los más altos temas filosóficos, artísticos y metafísicos, que resultan tan profundos como risibles, mientras la muerte flota en el ambiente, impregnando con su aroma los rincones de ese Madrid hambriento, corrompido y cansado.
Este es un manual clásico de dirección e interpretación teatral estructurado en breves notas sobre cada aspecto del proceso de la representación escénica, desde el primer análisis del texto hasta la noche del estreno. Con estas 130 notas se han formado actores y actrices como Alec Guinness, Richard Burton, Ian McKellen, Kevin Spacey y Judi Dench, todos ellos en algún momento bajo las órdenes de Frank Hauser, director de la prestigiosa compañía Oxford Playhouse durante quince años. Un día su ayudante Russell Reich le propuso recopilar y ampliar sus indicaciones y de ahí surgió este volumen de certeras, estimulantes y reveladoras Notas de dirección.
Molière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, es también un maestro en el arte de mezclar lo cómico y lo dramático, y en obras tan complejas como Don Juan y Tartufo sugiere unas inquietantes perspectivas que van mucho más allá de lo que suele ofrecer una comedia.
El tema que vincula las dos obras es el de la hipocresía como principio y motor de la sociedad. Si Molière hablase por boca de don Juan, podría decir: «Nadie se avergüenza ya de comportarse así: la hipocresía es una moda. Y un vicio que está de moda viene a ser como una virtud. El mejor papel que se puede desempeñar en estos tiempos es el de hombre de bien. Y el profesar la hipocresía ofrece ventajas admirables. Es un arte cuya impostura se respeta siempre. Y, aunque se descubra, nadie se atreve a criticarla».
Alceste, el protagonista de esta obra, ocupa todo el escenario: odia su tiempo, odia los versos de Oronte, tiene un pleito por unos rumores que hacen correr sobre él. Y como enamorado, paradójicamente, no cesa de reprochar los defectos a su amada (de lo cual ella hace broma) ni soporta a los demás pretendientes que la asedian; sus celos montan guardia permanente y sufre la presencia de cualquier galante hasta el extremo de olvidarse de su misantropía cuando el amor se apodera de su corazón.
Partiendo de un mito antiguo, Molière logra componer esta ambiciosa obra de gran comicidad, que trata temas universales que resultan tan vigentes hoy como lo fueron entonces, y que sigue siendo lectura imprescindible para cualquier buen lector.
Pocos dramaturgos contemporáneos pueden mostrar una obra tan versátil y rica en matices como la que, en su breve existencia, fue capaz de componer Federico García Lorca (1898-1936). Siguiendo el ejemplo de sus admirados maestros del Barroco -Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca-, Lorca entendió el teatro como un vasto campo de experimentación, y dejó fluir su inspiración por cauces diversos: la comedia simbolista, el drama histórico, la farsa carnavalesca, el guiñol, la tragicomedia o la tragedia. En todas estas obras supo mantener el difícil equilibrio entre su innato afán renovador y su deseo de no distanciarse demasiado de sus receptores. Ello no le impidió abrir otra línea de vuelo más exigente y atrevido, con la que quería anticiparse al teatro de un tiempo futuro.
A esa intención de socavar el tablado escénico para que afloren las pasiones más escondidas responde el drama que el lector tiene en sus manos: El público, un texto anticonvencional, heterodoxo, maldito, el canto a una nueva comprensión no sólo de la escena sino también de la sociedad. El público habla del amor en su dimensión más abstracta y universal, aunque no cabe duda de que la singularidad de su texto depende, en buena parte, de la importancia que la temática homosexual cobra en este drama.
