Todo empezó con un viejo baúl de marinero y el mapa de un misterioso tesoro? Jim, el joven protagonista, decide lanzarse a la aventura embarcándose en la goleta la Hispaniola, en busca de una isla misteriosa? Con divertidas ilustraciones a color y juegos tipográficos ¡al más puro estilo Stilton!

Fuente Ovejuna es una de las obras dramáticas más conocidas y representadas de Lope de Vega. La comedia plantea como un pueblo sometido puede alzarse contra la tiranía de los que no ejercen correctamente su poder; y, de este modo, conseguir restablecer la armonía social defendiendo, en consonancia con el pensamiento político del siglo XVII, la autoridad incuestionable del Rey. En la obra, se resalta la figura del villano honrado y digno capaz de elevados sentimientos frente al noble lascivo y ambicioso. El célebre autor recreó magistralmente el ambiente rústico para representar un estilo de vida virtuoso y ejemplar que no tenía nada que envidiar a los hábitos cortesanos.
La presente edición ofrece al estudiante un acercamiento accesible, sugestivo y, a la vez, riguroso a una de las obras más reconocidas del gran dramaturgo barroco Lope de Vega. El estudio introductorio, los textos complementarios, el glosario y, sobre todo, las diversas y variadas actividades desean guiar la lectura de una obra fundamental para el conocimiento y la comprensión del gran teatro áureo.

Charles Baudelaire fue el poeta de mayor impacto en el Simbolismo francés, y es reconocido ampliamente como el padre de la poesía moderna. Su obra principal, Las flores del mal, considerada en su época una ofensa a la moral pública y a las buenas costumbres, le llevó a ser procesado, multado y censurado. Vilipendiado por unos, elevado a las más altas cotas de la poesía por otros, vivió intensamente y acabó sus días fracasado y enfermo.
La edición que se presenta al lector permite comparar las dos versiones de la obra: el texto original íntegro de 1931 y su posterior edición, que circuló durante años, modificada para eludir la censura franquista.

No tenemos la certeza de que a mediados del siglo xiv viviera ningún «Juan Ruiz, arcipreste de Hita», ni menos de que, si hubo un individuo histórico con ese nombre y ese cargo, escribiera ningún Libro de buen amor. El personaje que dice «yo» a lo largo de la obra se llama unas veces Juan Ruiz y otras don Melón; unas veces va disfrazado de elegante poeta de amor y otras de coplero zafio; ahora de riguroso cristiano y en seguida de pecador sin remedio, y después de hombre de mundo, de mendigo, de rufián? Ese baile de máscaras, esa mojiganga de carnaval, discurre tanto por las calles de la ciudad, atestadas de tipos y sucesos, como por la fría soledad de la sierra, danza entre figuras alegóricas igual que con monjas y juglarescas, ricashembras y moras. Las voces que construyen la narración, con una eficacia y una frescura irrepetibles, se ajustan en unos casos a los tonos de la lírica, en otros son eco del más vivo lenguaje popular, del sermón empingorotado, de la pedantería de las escuelas? Si en verdad el Libro de buen amor fue compuesto por un «Juan Ruiz, arcipreste de Hita», habremos de pensar que tuvo más vidas que pellejos.

Planteada como una crónica sentimental de la guerra civil desde la memoria republicana, tiene mucho de ajuste de cuentas con la Historia, pero también con nuestra propia época, con el teatro español y con la trayectoria personal de su autor.
Esta edición incluye un estudio preliminar, material didáctico y comentario de texto, a cargo de Blanca Ripoll, profesora de Lengua y Literatura española.

Luces de bohemia es un esperpento trágico de la vida literaria de la época. Al degradarse la realidad aparece la farsa y, en un segundo nivel, el esperpento; «Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento». Max Estrella,  soñador perdido en un Madrid absurdo y hambriento. Mª Luisa Sotelo, profesora de Filología Hispánica de la Universidad de Barcelona, presenta las claves principales de esta obra en esta edición educativa.

Publicada por primera vez en 1947, y atribuida entonces, como si correspondiera a una persona real, a la ficticia escritora irlandesa Sally Mara, Siempre somos demasiado buenos con las mujeres fue reeditada en 1971 como «novela de Sally Mara» firmada ya por Raymond Queneau, pero «traducida» por Michel Presle. Este juego de falsas cajas chinas da por sí solo una idea de la peculiarísima textura del libro.
Siempre somos demasiado buenos con las mujeres se sitúa en la insurrección irlandesa de 1916 para erigir una creación divertida y grotesca a un tiempo que constituye, en última instancia, un apólogo moral contra la violencia, envuelto en una chirriante, apocalíptica y sorprendente maquinaria verbal. Siete irlandeses armados asaltan una estafeta de correos y, mientras resisten el sitio del ejército inglés, van cayendo uno a uno en las trampas seductoras de una joven que se escondió en el servicio durante el asalto. Los muñecos de esa insurrección son de serrín y tinta, y las explosiones son sólo chasquidos de palabra y escritura: pero, entre líneas, nos habla la voz de un moralista, al tiempo que la de un juglar de la narración. Irreverente, corrosivo, capaz de acoger en su lúcida y severa mirada lo tierno e irrisorio de la vida, Raymond Queneau ha pasado a la historia por ser uno de los narradores más originales y singulares de la literatura universal.

Un insólito individuo llamado Cidrolin vive en un barco amarrado en el Sena y pasa las tardes durmiendo la siesta. Sueña con las aventuras del duque d?Auge, un caballero medieval que viaja en el tiempo a lomos de un caballo charlatán. ¿O es el duque d?Auge quien sueña con Cidrolin y los avatares de un hombre de nuestro tiempo? Incapaces de descubrir quién sueña a quién, nos adentraremos en un mundo cómico y épico a la vez, capaz de provocar carcajadas o de mover a la reflexión.
Flores azules es una narración asombrosamente divertida y de una riqueza estilística y referencial desbordante. Una novela que invita a ser leída una y otra vez y a descubrir los secretos que esconde en cada una de sus páginas.
Raymond Queneau, uno de los autores más imaginativos y lúdicos de la literatura del siglo xx, integra varias lecturas en una: una novela de amor, un juego entre el sueño y la realidad o una parodia de la novela histórica. Los juegos del lenguaje, los anacronismos o las citas permiten a su autor crear un singular escenario sobre el que cuestiona el sentido de la historia, de las ideologías y de la propia escritura.

Aunque incomprendido en su tiempo, el teatro de Valle-Inclán es una creación genial; su obra teatral lo convierte en uno de los mejores dramaturgos en lengua castellana del siglo xx. Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte agrupa cinco piezas que configuran un «retablo» mítico en el que se mueven todos los pecados capitales. La gran lección que Valle-Inclán enseña es que la realidad no consiste sólo en lo que vemos en apariencia, sino en lo que podemos presentir a través del simbolismo del lenguaje: el misterio de la vida y la muerte.
Ricardo Doménech, catedrático de la Real Escuela Superior de Arte Dramático, que ha preparado esta edición, ofrece en su estudio introductorio una doble lectura que guía, a través de la superficie de los textos, hacia su significación simbólica.

La Ópera de París se convierte en teatro de horrores en la más célebre obra del periodista y escritor de novelas detectivescas Gaston Leroux. En un ambiente de novela gótica, su escenario esconde tras sus tramoyas la morada del Fantasma: pasadizos secretos que serpentean alrededor de un lago subterráneo.
Esta fascinante historia recrea el mito de la Bella y la Bestia: una joven y delicada artista es el objeto de amor un tenebroso ser que oculta su identidad tras una máscara. Para conseguir a su amada Christine, una bailarina convertida en diva, este ser atormentado por su deformidad y fealdad revive su pasado de inventor de trampas y mazmorras. 
Publicada por primera vez por entregas en 1909, El fantasma de la Ópera es uno de los argumentos preferidos del teatro y el cine por el misterio de la trama, la progresión del horror, el extremado y melodramático amor del protagonista y las imaginativas posibilidades del espacio creado por Leroux. Su fama se revalida en el éxito mundial del musical de Andrew Lloyd Weber que sigue en las tablas desde 1986.