Cuando las primeras pantallas mostraron la mirada cinematográfica de los pioneros del séptimo arte, la ópera llevaba ya tres siglos de andadura. Es posible que el arte de masas en que se convirtió el cine desplazara el centro de interés de un público que, antes de 1896, tenía en la ópera uno de sus divertimentos más exponenciales. Pero aun así, el cine contó con argumentos, cantantes o clichés operísticos, modelo que llega hasta nuestros días. El
" biopic " , la ambientación musical de época o, claro está, la ópera filmada, marcan algunos de los puntos de convergencia de esas dos «obras de arte total» (por decirlo en términos wagnerianos) fusionadas en una sola. Pero este libro se propone reflexionar acerca de las relaciones entre la ópera y las pantallas no cinematográficas: la televisión, el vídeo, el DVD, el BluRay; las transmisiones en directo en salas de cine, en los ordenadores domésticos o en las redes sociales que se consumen a diario. Estos son algunos de los soportes o medios que sustentan la vigencia y el consumo de la ópera, más de cuatrocientos años después de su surgimiento a finales de la era renacentista.

En "Matarse para vivir", Chuck Klosterman combina el periodismo musical y la crónica viajera para narrar la historia de su odisea automovilística de veintiún días y 10.552 kilómetros (los que separan la habitación del hotel Chelsea en la que Sid asesinó a Nancy, en Nueva York, de la casa en la que se suicidó Kurt Cobain, en Seattle) en busca de toda una serie de lugares relacionados con la muerte de rockeros célebres. El motor de su periplo, sin embargo, no es el puro morbo, sino un genuino interés por indagar en el sentido del amor, la vida, la muerte y la fama, con la esperanza de llegar a responderse las siguientes preguntas: ¿Es morir lo único que le garantiza un legado a una estrella del rock? ¿Acaso son los accidentes de avión, las sobredosis, los incendios y los suicidios con armas de fuego la verdadera puerta de la inmortalidad para un artista? Y en tal caso, ¿por qué?

A medio camino entre las memorias, el ensayo y el estudio antropológico, Fargo Rock City es un libro hilarante que narra el auge y la caída del heavy metal y de algunos de los grupos más populares de los años 80 y 90 (Guns N? Roses, Poison, Bon Jovi, Def Leppard, Metallica y muchos otros) a la vez que recrea las experiencias juveniles del autor: un fan irredento del metal, nacido en Wyndmere, Dakota del Norte, un lugar en el que habitan más vacas que personas y en el que los temas de conversación habituales son la recogida de la cosecha, el correcto cuidado del ganado agropecuario y los secretos del arte de reparar un tractor. Pero aunque quizás tal entorno no parezca el más propicio para entregarse en cuerpo y alma al rock and roll, hubo un momento en la historia de la música en el que el poder del metal era simplemente imparable e incluso los páramos helados de Dakota del Norte vibraban al compás de KISS y Mötley Crüe. Klosterman, calificado como «uno de los principales críticos culturales de Norteamérica» por la revista Entertainment Weekly y como «el nuevo Hunter S. Thompson» por la revista People, disecciona con humor e impecable precisión la historia y los rasgos básicos del género,

Género proteico y de larga etapa vital, el villancico evoluciona desde la condición sencilla y popular de sus inicios medievales hasta el barroquismo de que se revistió en nuestro Siglo de Oro y que se mantiene hasta su extinción a pesar de las innovaciones foráneas ilustradas. Este libro, preparado por un equipo internacional de filólogos y musicólogos, ofrece un balance crítico del género entre los siglos XV y XIX desde una doble encrucijada: geográfica, pues fue a la vez peninsular y americano, y disciplinar, pues su estudio ha de contemplar necesariamente las múltiples y complejas interacciones de los textos literario y musical. Se pretende así primar un enfoque unitario sobre el villancico que no olvide su condición de poesía musicada ni tampoco su dimensión trasatlántica, imprescindible para la completa comprensión de este género poético-musical transcultural.
SUMARIO
Esther Borrego Gutiérrez y Javier Marín López: De la palabra a la imprenta. Avances de la crítica musicológica y literaria en torno a un género proteico: el villancico
Introducción. Historiografía
1. Andrea Bombi: ¿Hacia una historia del villancico? Problemas historiográficos de un género musical
I. Conformación y evolución
2. Alain Bègue: El villancico peninsular entre Barroco y Neoclasicismo (1665-1746) — 3. Esther Borrego Gutiérrez: Personajes del villancico religioso barroco: hacia una taxonomía — 4. Eva Llergo Ojalvo: Siglo XIX: ¿el fin del villancico (paralitúrgico)? — 5. Álvaro Torrente: Cuando un “estribillo” no es un estribillo: sobre la forma del villancico en el siglo XVII
II. Dimensión social y material
6. Carmelo Caballero Fernández-Rufete: ¡Ande la rueda! ¡Va de cancioni! Apuntes históricos, literarios y musicales sobre el villancico Mundinovi — 7. Drew Edward Davies: Villancicos, performance y comunidades — 8. Anastasia Krutitskaya: Pliegos de villancicos conservados en bibliotecas mexicanas — 9. Susana E. Rodríguez de Tembleque García: La distribución de pliegos de villancicos en la catedral de Málaga en los siglos XVII y XVIII
III. Contexto catedralicio
10. Ireri E. Chávez Bárcenas: Villancicos de Navidad y espiritualidad postridentina en Puebla de los Ángeles a inicios del siglo XVII — 11. Javier Marín López: El villancico religioso en la Puebla de entre siglos (XVII-XVIII): algunas consideraciones litúrgico-formales — 12. R. Javier Moreno Abad: Evolución, pervivencia y desaparición del villancico en la catedral de Toledo (1775-1846) — 13. Antonio Tomás del Pino Romero: Aggiornamento del villancico en España durante el primer tercio del siglo XVIII. El caso de la catedral de Málaga
IV. Otros contextos
14. Soterraña Aguirre Rincón: Cronología y mecenazgo de Nunca fue pena mayor y sus “reelaboraciones” en latín — 15. Alfonso Colella: A musical interpretation of a sixteenth-century chronicle novel: the love songs of Cuestión de Amor (Valencia, 1513) — 16. Víctor Infantes: La cartografía poética (y narrativa) de un villancico tardomedieval: Abras me tú el hermitaño, sonar lírico en Navidad (con un prosímetro) — 17. Giorgio Monari: Huellas de oralidad en un villancico portugués del siglo XVI con versos de Luís de Camões: Menina dos olhos verdes — 18. Cristina Roldán Fidalgo: Música y baile al servicio de la fiesta: el villancico y la pastorela en el teatro de Navidad del siglo XVIII
V. Aproximaciones analíticas
19. José Duce Chenoll: Mortales que amáis: aspectos del lenguaje de Juan Bautista Cabanilles en el marco de su producción vocal — 20. Claudia Fallarero: Villancicos tardíos en la catedral de Santiago de Cuba. Estética clásica, tópicos musicales y figuras retóricas en Oíd cielos piadosos (1809) de Juan Paris — 21. Bernardo Illari: Agudeza de villancico: los Plumajes de Torrejón — 22. Carolina Sacristán Ramírez: En respuesta al sermón, villancico: las lágrimas en Navidad
Fuentes y Bibliografía — Resúmenes — Índice onomástico y de títulos de obras — Índice toponímico

«Musica reservata» fue un programa de referencia en Radio Clásica de RNE dirigido por José Luis Téllez, y así se denomina la sección que mensualmente firma desde hace años para la revista Scherzo. El presente volumen reúne una amplia selección de sus artículos publicados en los últimos veinte años, junto a otros ensayos y textos de reflexión musical menos conocidos del autor, que conforman un verdadero jardín de las delicias y deparan a todo lector melómano –no sólo al especializado– hallazgos portentosos.

" Ars canendi " es una expresión acuñada en el siglo XVII por Giacomo Carissimi que resume todo un mundo de teorías, técnicas y sensaciones. Este libro, que quiere ser ante todo guía, prontuario y compendio de nociones relacionadas con la voz, su producción, técnica y empleo, propone un ameno y completo recorrido por ella como fenómeno físico y fuente de creación de sonidos, atendiendo a los problemas que determina su emisión e higiene, a los aspectos que surgen a su alrededor y a todo lo relativo a su inmediata conexión con el canto y con los diversos estilos que han ido desarrollándose en su torno. Arturo Reverter analiza los distintos tipos vocales de acuerdo con los modernos criterios de clasificación y realiza un estricto y clarificador repaso a la terminología específica. Se estudian las diversas fases, pasos y mecanismos del proceso que convierte un fenómeno físico en artístico y se explican conceptos cuyo significado se desconoce o se conoce deficientemente con la inestimable ayuda de numerosos ejemplos musicales en el texto y grabaciones en el CD adjunto, breves muestras ilustrativas de los más grandes cantantes de la era del fonógrafo. Conceptos como " messa di voce " , " sfumatura " , " portamento " , " fiato " , ataque o coloratura quedan de esta manera meridianamente claros. Un texto que permitirá introducirse en los misterios de las distintas escuelas de canto y en los fundamentos vocales de los más grandes operistas.

Desde la aparición de su primer poemario en 1956, Leonard Cohen se convirtió en uno de los héroes culturales más reverenciados en los círculos literarios de Canadá y Estados Unidos. En los años sesenta, Leonard Cohen cambió la pluma por la guitarra y fue aclamado como «el poeta del rock por excelencia», influyendo en numerosas generaciones de músicos que le han rendido homenaje. Leonard Cohen dejó perpleja a su legión de seguidores cuando se retiró a un monasterio budista durante toda la década de los noventa, para reaparecer en 2008, en una gira triunfal que le llevó a las grandes salas de conciertos de todo el mundo.

2ª edición.
Disponible a partir del 29 de abril de 2019
• Incluye un póster tamaño A3 con una fotografía y una letra manuscrita por el autor.

Canciones, algún desliz y dos o tres fotografías es el gran legado del poeta gallego del rock and roll. Una vida recogida en dos volúmenes, con un acabado y calidades de auténtico lujo, que incluye por un lado toda su obra literaria para Los Suaves y un segundo tomo con semblanzas de compañeros muy cercanos de profesión, recuerdos gráficos del archivo personal de autor y algún que otro recorte y curiosidades imprescindibles para sus seguidores. En definitiva, Yosi Domínguez en su esencia; el gato negro que desde su Ourense natal quiso subirse a la luna a lomos de su guitarra y de sus versos. Rock y poesía, rabia y corazón, zarpazos y lamentos.
«Así que, al resto de los mortales, no nos queda más que sentirnos agradecidos por sus palabras regadas de luna, por sus raíces inamovibles, por su Galicia que, ya por siempre, hablará con la voz del que nunca dijo adiós. Con la voz de Yosi.» Kutxi Romero (Marea)

-- Yosi inició su carrera musical a fines de los años 70 y ya a principios de los 80 cobró notoriedad con las canciones escritas como líder del grupo Los Suaves. Desde su ciudad natal Ourense, donde tiene una plaza dedicada, llevó su poesía a ritmo de rock and roll primero por toda la geografía gallega y después por España, hasta llegar a presentarse en vivo en otros países de Europa como Gran Bretaña y Alemania, y también en Argentina, gracias a una incondicional legión de seguidores que al día de hoy lo sigue reclamando.
Compartió escenario con artistas internacionales como The Ramones, The Rolling Stones, Bruce Dickinson (Iron Miaden), Alvin Lee (Ten Years After), Europe, Peter Green (Fleetwood Mac), Marillion, Michael Schenker (UFO, Scorpions), La Renga y Almafuerte, y nacionales como Barón Rojo, Rosendo, Obús, Barricada, Boikot, Porretas, Luz Casal, Medina Azahara, La Fuga, Marea, Sober, El Rulo, Sherpa y El Drogas, entre muchos otros.
El atributo de “poeta del rock” otorgado por sus colegas y por la prensa especializada, excedió el ámbito de la música y concedió a Yosi un gran reconocimiento como escritor y su pertenencia de pleno derecho al ámbito de la literatura.
Que es un medium de canciones, un hacedor de poesía melancólica, que escribe tanto con el corazón como con las tripas o que sus letras son epopeyas de la mala suerte son solamente algunos de los comentarios vertidos por la prensa sobre su obra a lo largo de tres décadas y media que describen su personalísimo estilo, por el que recibió en 2018 el Premio Musa SGAE a la excelencia creativa, y obtuvo cinco discos de oro.
Persona muy querida, como queda de manifiesto en el tomo dos de su libro Canciones, algún desliz y dos o tres fotografías, fue nombrado Socio de Honor de El Ateneo de Ourense, Amigo Predilecto del Barrio de San Francisco de la ciudad y Padrino de su Plaza de Abastos. Realizó el saque de honor en el III Memorial Club Deportivo Ourense y es Miembro Honorífico de Moteros Solidarios de Galicia.
En reconocimiento por llevar el nombre de Ourense y de Galicia por España y por el mundo, cuenta con la Medalla de Oro de la Ciudad, la Medalla de Oro de la Provincia y la Medalla de Oro de Galicia.

Era 1995 y yo vivía en Cricklewood, un siniestro barrio londinense donde, una década atrás, Dennis Nilsen había matado a quince personas y arrojado sus restos por el retrete. No era muy feliz. Cultivaba una anorexia a media jornada, trabajaba en McDonald?s, vivía con un expresidiario y varios ratones, había roto con una novia (horrible) y con la subcultura mod. Tenía veinticuatro años y creía que mis sueños se habían ido por el váter, como cachos de víctimas de Nilsen. Incluso había dejado de leer, tras decidir, con Philip Larkin, que los libros eran «un montón de mierda» y que valía más «darle al frasco». Y escuchar rock?n?roll. Entonces recibí un paquete de mi madre. Contenía un ejemplar de Alta fidelidad, de Nick Hornby, y una carta: «Este libro eres tú.» Y lo era. De acuerdo, yo no llevaba «jerséis horribles», como Rob, el propietario de la tienda de discos que protagoniza la novela, pero el libro la clavaba en lo restante: melancolía (tic), obsesión por hacer listas (tic), casetes recopilatorios con fines amatorios (tic), halo loser (tic), nerdez irreparable (tic), odio a Sting (requetetic). Alta fidelidad me recordó que algunas novelas sí hablaban de mi (nuestra) circunstancia. Me devolvió la ilusión y recalentó mi entusiasmo. Me hizo volver a amar los libros (aunque nunca dejé de darle al frasco). Y me recordó (supertic) que la música pop era la octava maravilla del planeta. Miradme: 1996, cuarto enmoquetado, engullendo Barons de lata y escribiendo paridas mientras suena el Ten Spot de Shudder to Think y el Demmamussabebonk de Snuff. Tras varios años de rencor homicida, asoma en mi cara una cauta sonrisa. Cheers, Nick. Kiko Amat Ilustración de cubierta: Clara León

Jarvis Cocker como artista, pero también como personaje, desborda cualquier idea previa. Pulp es un fascinante caso de adaptación al medio, de resistencia al fracaso y de náusea ante el éxito. Richard Hawley es un músico excepcional emboscado en su imagen de gente corriente. Son vidas tan cercanas que no podía ser que no confluyeran. Cocker persiguiendo infatigable el estrellato hasta que una vez alcanzado le resulta insoportable. Hawley escapando obstinadamente de los focos hasta que el mundo le descubre entre las sombras. Indagando en sus canciones y en sus vidas, que se entrecruzan constantemente, se llega a Sheffield, la ciudad en la que nacieron y en la que viven, la que alumbra sus canciones y construye esa obra tan personal. Como dice Fernando Navarro en el prólogo: es una suerte que se escriban libros como este.