No son frecuentes las obras que, por distintos motivos, consiguen atraer la atención de sucesivas generaciones de lectores y estudiosos; obras que por extrañas razones o sinrazones ejercen una clara seducción, no se sabe muy bien si debido a su contenido o a una leyenda que el tiempo no hace sino acrecentar. Bitácora o prontuario, "Los raros" de Rubén Darío es un ejemplo de estos libros poco habituales. En él se cartografían las vidas de los escritores más admirados por su autor, quien, partiendo de un itinerario autobiográfico en lo literario y en lo intelectual, acaba por brindarnos además un mapa estético y moral de sí mismo. Publicado por primera vez en 1896, el mismo año que "Prosas profanas", y ampliado en 1905, "Los raros" no es solo un episodio más en la escritura de Darío, sino un hito decisivo en la literatura del XIX, que concentra a escala los sentidos, tendencias y posibilidades del fin de siglo al tiempo que hace las veces tanto de responso de un pasado inmediato como de celebración de una nueva literatura auroral.

Poco antes de morir, Clarice Lispector escribió un texto en el que recogía gran parte de sus reflexiones sobre la literatura y sobre la vida. Podríamos decir que Un soplo de vida es la última indagación literaria de la escritora brasileña, y posiblemente su meditación más exhaustiva sobre el acto de escribir y sus ramificaciones. Escrita en forma de diálogo casi místico entre un autor (trasunto de la propia Lispector) y su creación, una mujer llamada Ángela Pralini, la obra refleja la fascinación que supone crear personajes y mundos. Cuando Clarice Lispector falleció, su secretaria y gran amiga Olga Borelli dotó de estructura a los fragmentos que conforman este texto metaliterario, una obra póstuma que arroja luz sobre la trayectoria de Lispector.

Ramón y Pombo. Libros y tertulia (1915-1957) es un minucioso recorrido por la creación más singular del escritor madrileño Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1888?-?Buenos Aires, 1963), su célebre tertulia del Café de Pombo creada en 1915 a la que dedicó, además, varios libros, Pombo (1918) y La sagrada cripta de Pombo (1924). Eduardo Alaminos López ha estudiado en estas páginas una gran variedad de aspectos tanto de ambos libros como del devenir de la tertulia, en la que se reunieron alrededor de Ramón los principales escritores y artistas españoles, hispanoamericanos y europeos del primer tercio del siglo XX, entre ellos, por citar tan solo a dos, Picasso y Ortega y Gasset. El libro recoge un extenso muestrario de opiniones y recuerdos sobre la tertulia de esos escritores como del propio Gómez de la Serna. Todo ello constituye un mosaico que nos permite ver casi microscópicamente la intrahistoria de la tertulia, sin duda la más famosa de las muchas que se crearon en aquel Madrid del primer tercio del siglo XX. A la vista de lo que este libro nos desvela, la tertulia de Ramón fue el mejor altavoz de su pensamiento, de su modo de vida y espejo del liderazgo vanguardista que ejerció este genial escritor.
Eduardo Alaminos López (Madrid, 1950). Licenciado en Filosofía y Letras, en la especialidad de Historia del Arte, y Máster en Museología por la Universidad Complutense de Madrid fue Funcionario del Cuerpo Facultativo de Conservadores del Ayuntamiento de Madrid y primer Director del Museo de Arte Contemporáneo en Conde Duque entre 2001 y 2014. Ha sido responsable del montaje e instalación del Despacho de Ramón en varias ocasiones, en 1995 (en el Museo Municipal) y en 2014 (en el Museo de Arte Contemporáneo en Conde Duque). Con este motivo, publicó el libro Los Despachos de Ramón Gómez de la Serna. Un museo portátil «monstruoso» (2014). Entre las exposiciones que ha comisariado dedicadas a la figura de Gómez de la Serna caben destacar Ramón: «Con la pluma del escritor están hechos estos dibujos?» (2015) y La Suite Senefelder & Co. de Eduardo Arroyo visita el despacho de Ramón Gómez de la Serna (2016). En 2017 publicó los textos para el Catálogo Colección ABC. Ramón Gómez de la Serna. Greguerías ilustradas (2017) y en 2018 el estudio Un manuscrito autógrafo de Ramón Gómez de la Serna sobre Jacinto Benavente en la Biblioteca Histórica Municipal (2017/2018).

Cleopatra, una de las mujeres por sí misma más fascinantes de la historia, se convirtió también, gracias a Shakespeare, en uno de los personajes literarios más interesantes. La fusión de la historia y la literatura dieron lugar al mito. Cleopatra se nos presenta como un personaje altamente complejo, trágico y en ocasiones profundamente irritante.
En Cleopatra, soy fuego y aire, Harold Bloom analiza su relación con el personaje y, así como nuestra comprensión del Quijote o la Regenta varían según la etapa vital en la que nos encontremos, Bloom explica cómo su percepción de Cleopatra ha llegado a su cenit en la madurez.

Esta "Historia" aspira a fijar una nueva visión de la poesía medieval castellana, centrada básicamente en el desarrollo de sus materias principales, tal y como son requeridas por los contextos de recepción a los que las obras se dirigen, asentada en un continuo examen de los textos y atenida a la evolución de los tres sistemas métricos medievales (isomélico, isosilábico e isorrítmico). Cada materia requiere un proceso de versificación adecuado y la evolución de las leyes prosódicas refleja los cambios que sufren los grupos receptores.

Chesterton (Londres, 1874-1936), el gran escritor inglés, es conocido sobre todo por los relatos policiales del Padre Brown y por sus novelas, en especial El hombre que fue Jueves. Pero Chesterton fue también un magnífico biógrafo en un tiempo de biógrafos magníficos: Stefan Zweig, Lytton Strachey, André Maurois, Emil Ludwig o Harold Lamb, por recordar apenas unos cuantos nombres representativos. Chesterton, como biógrafo estuvo siempre a la altura de los mejores y fue quizás el primero en el tiempo, pues empezó a escribir biografías a finales del siglo XIX, en los inicios de su carrera literaria, antes de que se pusiera de moda el género, y su primer libro importante y de cierto éxito es la biografía dedicada al poeta Robert Browning (1903). Lo que le llevó a Chesterton al género biográfico fue, muy probablemente, su generosidad humana, su gran capacidad para el entusiasmo y su gusto por la polémica. Las biografías de Chesterton no son excesivamente objetivas como tampoco son convencionales ni académicas, ni destacan por su tamaño, su erudición o por su aparato crítico o documental, pero resultan siempre apasionantes y esclarecedoras; están escritas con apasionamiento y un enorme vigor e inteligencia y tocan mil asuntos aparte del personaje principal, para iluminar así, de forma un tanto oblicua, la humanidad del personaje pero también a su época, igualmente protagonista.
Gilbert Keith Chesterton (Londres, 1874-Beaconsfield, 1936). Periodista, novelista, poeta, dramaturgo y crítico literario, es uno de los autores modernos más frecuentemente citados con obras maestras como Ortodoxia, Charles Dickens, El Napoleón de Notting Hill, Santo Tomás de Aquino o San Francisco de Asís. En el catálogo de Ediciones Espuela de Plata y Renacimiento pueden encontrarse una buena parte, además de una muy buena representación, de la obra de Chesterton.

280-05-0 - 72,- €

Este volumen trata de ser una aportación al estudio de la sociedad de los Siglos de Oro, colectividad que tenía un gran eje vertebrador en las artes y la literatura. Las manifestaciones culturales en estos siglos fueron de tal importancia que implicaron a la sociedad del momento en una forma de convivir con ellas. Estudiar estas expresiones artísticas es necesariamente analizar la sociedad de estos siglos que —hasta hoy día— sigue deslumbrando y que precisó de un mecenazgo continuo. En este sentido, la corte de Felipe IV constituyó un clímax en el mencionado desarrollo cultural. Este contexto acogió numerosos poetas, dramaturgos, pintores y artistas de toda índole que convivieron estableciendo diversos ámbitos de sociabilidad y un entramado común de mutua colaboración entre las artes difícilmente inigualable. Estos espacios, sus productos y agentes son los que se tratan en las diferentes aportaciones que integran este libro.


ÍNDICE

Introducción

Dimensiones sociales del teatro
1. Julio Vélez Sainz: “Amores en bravas montañas”: Rivalidad poética en el sistema literario del primer teatro clásico
2. María Rosa Álvarez Sellers: Dramaturgos portugueses en la corte hispánica: Jacinto Cordeiro y Juan de Matos Fragoso
3. Adriana Beltrán del Río Sousa: Un mecenazgo transatlántico: Agustín de Salazar en la corte del duque de Alburquerque (1653-1670)
4. Christophe Couderc: Sociabilidad y solidaridad profesional en el paratexto teatral

Esferas musicales y pictóricas
5. Álvaro Torrente: Una vida de héroe: la carrera musical en España en la Edad Moderna
6. Carmelo Caballero Fernández-Rufete: En el bufete de Miguel Gómez Camargo. Circulación de repertorios poético-musicales en España en la segunda mitad del siglo XVII
7. Sebastián León y Fernando J. Pancorbo: Chaconas y zarabandas condenadas
8. Patricia Manzano Rodríguez: Rubens y Velázquez: arte, diplomacia y espionaje en el reinado de Felipe IV

Entornos literarios
9. Mª Ángeles González Luque: Estilos de vida cortesana en las Epístolas familiares de fray Antonio de Guevara
10. Alejandro García-Reidy: Dinámicas y retóricas de la sociabilidad literaria en los volúmenes-homenaje al escritor fallecido
11. Manuel Piqueras Flores y Elena Trapanese: Un lugar para la sociabilidad literaria: Sor Juana, Salas Barbadillo y otras casas de placer

Imagen literaria y promoción social
12. Eduardo Torres Corominas: Hijos ilustres de Montemor-o-Velho: la leyenda del abad don Juan en la semblanza literaria de Jorge de Montemayor
13. Sara Bellido Sánchez: Las dedicatorias en la obra de Baltasar de Collazos y su búsqueda de promoción y mecenazgo
14. David González Ramírez: La novela corta en su campo literario. La legitimación de un género de consumo
15. Guillermo Gómez Sánchez-Ferrer: La segunda vida de la comedia barroca: las partes de un único autor, de la imagen del dramaturgo al programa editorial
16. Jacobo Sanz Hermida: Una súplica en defensa de la Imprenta Real: Catalina Blondiel escribe a la reina

«A dos luces, a dos visos». Calderón y el género sacramental en el Siglo de Oro reúne catorce trabajos que recorren —por supuesto, no de forma exhaustiva— el largo camino del género sacramental, desde las obras más antiguas del siglo XVI hasta llegar —pasando por Lope de Vega, Tirso de Molina y Claramonte— a las piezas del maestro Calderón, culmen de calidad dramático-literaria y de profundidad teológica, verdadera cima del teatro religioso —del teatro, en general— del gran Barroco español.
ÍNDICE GENERAL
Presentación
— Dominique de Courcelles: Teología y metafísica del auto sacramental: algunas interpretaciones francesas del teatro del mundo en contrapunto del maestro Calderón
— Juan Manuel Escudero Baztán: El magisterio de la escritura calderoniana en sus autos sacramentales autógrafos
— Santiago Fernández Mosquera: Unas enmiendas para la posteridad: El laberinto del mundo y la reescritura de un género — Delia Gavela García: El dote del rosario de Claramonte, ¿un auto sacramental al uso?
— Aurelio González: El texto espectacular en El gran teatro del mundo
— Alejandro González Puche: La percepción popular de El gran teatro del mundo
— Luis Iglesias Feijoo: Calderón y el metateatro
— Naïma Lamari: El laberinto de Creta: de Lope de Vega a Tirso de Molina
— Carlos Mata Induráin: Algo más sobre la construcción alegórica del auto sacramental de La Araucana, atribuido tradicionalmente a Lope de Vega (y más recientemente a Claramonte)
— María Nogués Bruno: Clasificación de los autos sacramentales de Lope de Vega
— Blanca Oteiza: El Caballero de Gracia, en dos autos sacramentales y una comedia
— Robin Ann Rice: La morfología protocristológica de El divino Orfeo de Calderón (1663)
— Teresa Rodríguez: El Auto de la destrucción de Jerusalén del Códice de autos viejos (1550-1575): una historia legendaria hecha teatro para el Corpus
— Rafael Zafra: La música y los músicos en un auto sacramental: El primer refugio y probática piscina de Calderón de la Barca

En una de sus últimas comedias, Lope se presenta bajo la máscara del personaje Belardo. Ya encanecido y viejo, Otón le pregunta, sorprendido: «¿Aún viven Be­lardos?». Este le contesta: "¿No habéis visto un árbol viejo, / cuyo tronco, aun­que arrugado, / coronan verdes renuevos? / Pues eso habéis de pensar, / y que pa­sando los tiempos, / yo me sucedo a mí mismo". La voz lírica bajo las máscaras de Be­lardo y Vireno (pastores), de Gazul y Zaide (moros), se contrasta, pasados los años, con "ya sacerdote y rey" y "González es mi nombre". Y ya dentro del ciclo de "senectute", con el Reverendo Padre Ga­briel Padecopeo, con el Fabio desconso­lado que añora a su amada, y con el presbítero Tomé de Burguillos. Las múltiples voces tam­bién se personi­fican en los preliminares que preceden a sus obras, en sus referencias y en los paratextos; como autor, como
personaje y como lector.
Don Diego de Mojica González ante el féretro del Fénix, exclama: "Yace aquí el cuerpo del varón famoso, / que en tantos cuerpos vive repetido". La pre­sente monografía tira de este hilo a lo lar­go de sus páginas.

EL ENSAYO LITERARIO QUE REVOLUCIONÓ LA MANERA DE ACERCARSE A MOBY DICK.
«En su indispensable Llamadme Ismael, Olson demostró que el descubrimiento de Shakespeare y la lectura de El rey Lear fue una fuente tan esencial para Melville como sus propias experiencias embarcado en balleneros: estas prestaron el fondo y aquel el ímpetu y la ambición de totalidad».
JUAN BONILLA
En 1947, con la publicación de su primer libro, Charles Olson no solo revolucionó la aproximación canónica a la obra maestra de Herman Melville, sino que también multiplicó para el siglo XX las posibilidades del ensayo como género literario. Según Olson, Moby Dick solo habría cobrado su forma definitiva cuando su autor, tras una iluminada relectura de las tragedias de William Shakespeare —especialmente Macbeth y El rey Lear—, reorganizó la narración según una estructura cercana a la de los actos del drama isabelino, insufló vida al fáustico capitán Ahab y dotó a la ballena blanca de su inconmensurable densidad simbólica.
Al igual que en el panorama de la novela decimonónica Moby Dick resultaba un proyecto radicalmente moderno en el que, junto a la narración propiamente dicha, convivían con naturalidad el tratado de estética, el diálogo teatral o el texto enciclopédico, Llamadme Ismael es igualmente en su composición un erudito y personal discurso ensayístico, un libérrimo homenaje a la heterodoxia melvilliana.