La caza de brujas ha sido uno de los episodios más polémicos de la historia del cine americano. En su sesenta aniversario, esta obra colectiva pretende esclarecer muchas cuestiones que han permanecido sin estudiar y eliminar algunos tópicos que existen en torno al tema.
Desde las primeras películas con guiones de Thea von Harbou, su mujer, Lang demostró un dominio de los elementos formales y narrativos que haría de él uno de los autores más grandes de la cinematografía mundial: por una parte, una atmósfera casi onírica, símbolo evidente de una cierta fuga de la realidad y, por otra, un pesimismo latente que considera al hombre prisionero del entorno y de un destino en apariencia invencible. Títulos como «Metrópolis», «M», «La mujer en la Luna», «Cuando la ciudad duerme» o «Encubridora» son algunos de los hitos de una filmografía que este libro ayuda a descubrir en toda su dimensión.
Dueño de un estilo y una capacidad absolutamente inimitables, John Ford, cuya filmografía abunda en títulos emblemáticos, practicó magistralmente a lo largo de casi 150 películas un rigor estilístico y una sabiduría técnica —un aspecto particularmente mal conocido de su obra son las innumerables innovaciones de las que fue pionero— sin parangón en la Historia del Cine. A pesar de lo múltiple y lo singular de sus recursos, Ford supo siempre sin embargo ponerlos al servicio de su lúcido concepto de la expresión cinematográfica. Es esta cualidad precisamente la que ha granjeado el respeto y la admiración expresa de colegas como Eisenstein, Welles, Kurosawa, Capra, Fellini, Hitchcock, Truffaut o tantos otros para quienes ha sido el mejor, el más completo, el director de directores.
"No es éste, por descontado, el primer libro sobre Berlanga y, desde luego, no será el último: los clásicos son inagotables. Pero con él hemos procurado añadir algo a lo que —a menudo de manera tan brillante— han escrito críticos, historiadores y estudiosos del cine. En este caso, hemos querido reunir las miradas sobre Berlanga de 14 cineastas españoles de diversas generaciones y de dos profundos conocedores de su personalidad, el gran escritor mediterráneo Manuel Vicent (autor del prólogo) y Jorge Berlanga (hijo de Berlanga y coguionista de algunas de sus películas), que escribe el epílogo. El volumen incluye una nutrida colección de fotos (comentadas por Jorge Berlanga) y un apéndice en el que se relata su excepcional peripecia. Además, se han recuperado algunas declaraciones de Berlanga reveladoras de su manera de ver el cine y la vida; y otras observaciones de gente cautivada por Berlanga y su mundo."
El propósito de este libro es reunir la máxima información sobre los trabajos dirigidos por los casi un centenar de directores que aparecen en este volumen. Pero la particularidad de este texto es que leeremos las voces de sus protagonistas hablando no sólo del largometraje de ficción, sino, también, de los distintos formatos del cortometraje, de las prácticas de la Escuela Oficial de Cinematografía, de sus trabajos para televisión, de sus incursiones en el terreno del cine documental y publicitario e, incluso, si es el caso, en otro tipo de actividades como la creación literaria, montajes teatrales y, también, de sus vivencias desde sus primeros años como espectadores en las salas de cine. Se habla, pues, de cientos de películas realizadas, de cortometrajes y documentales, de TV movies y de series de televisión, de publicidad, teatro, guiones, novelas, argumentos..., de todo el material del que se nutren las películas. De actores y de actrices, de técnicos de cine y de televisión, de escritores y guionistas, del público y de la crítica, del éxito y del fracaso... En resumen, de gran parte de nuestro cine y de gran parte de nuestra televisión. De nuestro cine español vilipendiado o indiferente para unos, y ensalzado y aplaudido por otros.
Crítico cinematográfico para diversos programas de RNE, Antonio Gregori ha trabajado desde los años 70 como guionista, secretario de rodaje y ayudante de dirección en numerosas películas para TVE, con directores como Alfonso Ungría, Antonio Giménez-Rico, Emilio Martínez-Lázaro, Jaime Chávarri y Antonio Mercero, entre otros. En 1977 fue coguionista y productor del largometraje «Soldados» dirigido por Alfonso Ungría, que representó al cine español en diversos festivales y certámenes internacionales.
En los convulsos años treinta del siglo pasado, castigados por la Depresión y conmovidos por el enfrentamiento entre fascismo y democracia, no pocos artistas e intelectuales europeos se afiliaron al movimiento comunista, que prometía establecer el paraíso social de un Estado obrero. Algunos militantes surrealistas, entre ellos Luis Buñuel, se afiliaron entonces al Partido Comunista, liderado por la Comintern, que en 1935 trocó sus ideales revolucionarios por la defensa de la Unión Soviética de la amenaza de Alemania y Japón mediante los Frentes Populares interclasistas y antifascistas. Buñuel sirvió a esta causa política hasta su exilio norteamericano en 1938, a causa de la trágica agonía de la República Española. Comprensiblemente, Buñuel siempre eludió reconocer con posterioridad aquel compromiso político, tanto para evitarse problemas como residente en Estados Unidos (pese a ello, los tuvo), como para evitárselos a su familia residente en España bajo la dictadura de Franco y para poder visitar su propio país. Este libro aporta una cuantiosa e inédita información documental sobre las actividades de Buñuel en aquella década trágica, en el cine y fuera de él, y traza un revelador panorama de su paisaje político-cultural.
Música y cine
¿Qué tienen en común realizadores, actores y guionistas tan dispares como Jean Epstein, Boris Karloff, Bela Lugosi, Robert Florey, Vincent Price, Roger Corman, Luis Buñuel, Richard Matheson, Mario Bava o Stuart Gordon? Pues que todos ellos, en algún momento de su trayectoria profesional, fueron cautivados por el sombrío universo creativo del escritor norteamericano Edgar Allan Poe, o exteriorizaron su poderosa influencia. Y de tan tortuosa y fructífera relación da fe Las sombras del horror. Edgar Allan Poe en el cine, un recorrido a través de las numerosas adaptaciones cinematográficas de la obra de uno de los grandes maestros de la literatura fantástica de todos los tiempos.
El bicentenario del nacimiento de Edgar Allan Poe (1809-1849) brindaba la ocasión idónea para acometer este ensayo colectivo, el primero de su especialidad en lengua castellana. Las sombras del horror. Edgar Allan Poe en el cine profundiza, asimismo, en la gran paradoja que el cine sobre Poe plantea a los prestigiosos ensayistas y narradores reunidos en este volumen –Vicente Muñoz Puelles, José María Latorre, Pilar Pedraza, Roberto Cueto, Jesús Palacios, Montse Hormigos, Ángel Sala–, afines a lo fantástico, a lo bizarre. Aun cuando pueda parecer que se ha vulgarizado la obra del célebre literato estadounidense, las numerosas películas basadas en sus relatos han construido, desde la ficción, desde el espectáculo, una peculiar reflexión en torno a sus aspectos más recónditos, más evidentes, más misteriosos.
La comedia es el género más característico del cine español. Emparentada desde sus inicios con el sainete, la zarzuela y la astracanada, va perfilándose a lo largo de la primera mitad del siglo XX, y alcanza la consolidación definitiva en los años 60. Apoyada, sostenida, alentada por un público incondicional, nuestra comedia cinematográfica ha ido evolucionando al mismo tiempo que el país, fijándose en las ilusiones, fatigas, gozos y peripecias de sus ciudadanos, hombres y mujeres lanzados al empeño común de entenderse, relacionarse e, incluso, amarse. De la exactitud o falsedad del reflejo que ofrece la pantalla podrán dar cuenta otros estudios con las herramientas proporcionadas por la sociología, la psicología o la antropología. Álvaro del Amo ha realizado un análisis estrictamente formal. A través de la descripción de los personajes, sometidos a situaciones peculiares, descubrimos los resortes y soluciones de un estilo, sólidamente articulado, capaz de conducir la historia y sus variantes firme y contundentemente hacia el limbo turbio de un final feliz. Si de 1967 a 1975 el género celebró su madurez en una lista abundante de títulos, durante las tres largas décadas siguientes ha combinado hábilmente desarrollo y fidelidad a sí mismo, ampliando la nómina de sus personajes y adaptándose a la tensión siempre cambiante entre lo masculino y lo femenino. De todo ello se da cuenta aquí, a través de un relato que restituye los perfiles de un tipo de cine irremediablemente propio, cuyo descubrimiento despertará sin duda tanto la sorprendida sonrisa como la preocupación fundada del lector, que sabe, como el autor, que para conocernos mejor no sirven insultos ni anatemas, sensatamente sustituidos por una cruda y estimulante objetividad.
