* ¿Qué le parecería poder sentarse junto a su artista favorito y preguntarle lo que quisiera sobre la vida, el trabajo o la inspiración? Esto es lo que este libro, basado en diversas entrevistas inéditas y material de archivo de un enorme elenco de artistas, hace precisamente. ¿Es el arte una 'carrera', una vocación o algo completamente distinto? Este libro, al abarcar todas las fases de la vida de los artistas -desde las primeras obras hasta las exposiciones de debut y las etapas intermedias y tardías de sus carreras-, les permite responder, o reflexionar, sobre todas estas importantes preguntas. ¿Hace falta tener un estudio o contar con un marchante? Y, de ser así, ¿cómo conseguirlos? ¿Los artistas son demasiado competitivos? ¿Cómo se les ocurren las ideas y qué sentido tienen los pases privados? ¿El éxito económico -o su ausencia- cambia a los artistas? ¿Tienelguna ventaja envejecer? ¿Deben leerse las reseñas? ¿Se pueden retirar los artistas?
• James Cahill Escritor y crítico, residente en Londres. Ha colaborado en publicaciones tales como Apollo, The Burlington Magazine, Elephant, The Erotic Review, frieze, London Review of Books, Times Literary Supplement y The White Review. En 2017 finalizó un doctorado consagrado al estudio de las relaciones entre el arte contemporáneo y la tradición clásica; además, ha comisariado exposiciones en el Museum of Classical Archaeology, Cambridge, y el londinense King's College.

El hombre que camina es posiblemente la escultura más célebre del siglo xx, un emblema universal del ser humano en el que Giacometti trabajó incesantemente durante sus últimos años. Franck Maubert rastrea las circunstancias en las que la escultura fue concebida y nos descubre que, más allá del significado que cobró tras la devastación de la Segunda Guerra Mundial, la obra ha trascendido su época y dialoga tanto con las manifestaciones más primigenias de la civilización humana como con los hombres y las mujeres de hoy y de mañana.

El grueso de los textos aquí reunidos se centra en la pintura que va del romanticismo y el realismo a los movimientos posimpresionistas, con artistas como Géricault, Delacroix, Courbet, Manet, Fantin-Latour, Cézanne, Degas, Odilon Redon, Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton y Braque. Y en la parte final del libro se suman otros ensayos, sobre las paradojas visuales de Magritte, las esculturas blandas de Oldenburg, el crudo realismo de Lucien Freud y los colores de Howard Hodgkin. Un amplio y muy estimulante paseo por el arte moderno y contemporáneo de la mano de uno de los grandes escritores británicos actuales. Barnes aporta una mirada perspicaz, inteligencia y sensibilidad a raudales, sugestivas conexiones entre literatura y pintura, una grata ausencia de agobiantes corsés académicos y un contagioso

Esta antología no pretende reivindicar una enjundiosa tradición patria original o injustamente olvidada a propósito de la psicología del arte. Ni siquiera aspira a tratar de agotar o sistematizar lo más importante o significativo que en aquella época se pudiera saber en España sobre tal dominio.
Lo que en ella importa más bien es llamar la atención sobre cómo argumentos psicoestéticos bien conocidos en el contexto internacional de finales del siglo XIX y principios del XX —los que autores como Spencer, Guyau, Nietzsche o Lombroso habían puesto en circulación— se ajustan a lo que la realidad cultural española exige en un momento histórico-social crítico: el de los años inmediatos a la llamada crisis del 98.
Psicología y arte confluyen en la propuesta de un nuevo modelo de sujeto —nacional, ciudadano, social— cuya definición y supuesta naturaleza está en disputa entre diversos proyectos reformistas. Para intelectuales como Santiago Ramón Cajal, Rafael Salillas, Gonzalo Rodríguez Lafora, Juan Vicente Viqueira o Eloy Luis André, imbuidos inevitablemente del espíritu regeneracionista, el arte solo puede ser un síntoma privilegiado del funcionamiento del mundo interior y emocional de individuos y colectivos, y un medio para su diagnóstico, tratamiento y reeducación ciudadana.

El libro se compone de una selección de escritos de autores cuya obra puede servir para cartografiar las funciones culturales de la psicología del arte en la España de finales del siglo XIX y principios del XX. Bajo la coordinación de Jorge Castro, reconocidos historiadores de la psicología se han encargado de redactar introducciones a la vida y obra de los personajes seleccionados y de confeccionar enjundiosos aparatos críticos para sus textos originales.
José Carlos Loredo se ha ocupado de Santiago Ramón y Cajal (1852-1934), Iván Sánchez de Rafael Salillas Panzano (1854-1923), Amelia Gutiérrez de Francisco Santamaría Esquerdo (1866-1925), Belén Jiménez de Francisco Barbens (1875-1920), Marco Bernal de Juan Vicente Viqueira Cortón (1886-1924), Enrique Lafuente de Gonzalo Rodríguez Lafora (1886-1971), y el propio Jorge Castro de Eloy Luis André (1876-1935).
Los apuntes ofrecidos por estos especialistas enriquecen la lectura de los escritos, ampliando el panorama de su comprensión e interpretación crítica incluso más all

Son estos estudios el mayor acopio hasta la fecha de las exégesis a que ha dado lugar la obra del pintor Ramón Gaya, en cuyos escritos, y con el telón de fondo de algunos capítulos cruciales de la historia española contemporánea, reflexiona sobre su experiencia como pintor. El análisis pormenorizado de su obra a la luz de las teorías estéticas más influyentes del siglo XX ha permitido a la autora situar con justicia la figura del creador murciano en su contexto cultural, así como reconocer las diferentes filiaciones de su universo estético, desde el krausismo a Bergson. «Se puede afirmar de los escritos de Gaya lo que se ha afirmado de los aforismos de Nietzsche; a saber, que aunque son asistemáticos y fragmentarios, contienen más rigor que muchos tratados de estética», ha dicho Giorgio Agamben. El diálogo entre pintura y escritura y los modelos estéticos que defiende Gaya, desde el arte oriental a Cézanne pasando por Velázquez o Rosales, sacan a la luz una poética que tiene a la vida como fuente de todo valor. A ello se ha de añadir su noción de pintura que, con una dimensión humanizadora del entorno, alude a una temporalidad no sometida a la precipitación contemporánea ni a las modas artísticas.
Miriam Moreno Aguirre (Madrid, 1954). Desde su ingreso en Televisión Española en 1975, su trayectoria profesional se desarrolló principalmente en el campo de la producción de programas culturales especializados en arte, música, literatura y cine (La Edad de Oro, Fila 7, Encuentros con las Artes y las Letras, A fondo), y ya en la década de los noventa en puestos de dirección en las áreas de coproducciones y producción ajena.
Es doctora en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid con una tesis dedicada a la obra de Ramón Gaya. Ha publicado el libro El arte como destino. Pintura y escritura en Ramón Gaya (2010) y diversos artículos en revistas de filosofía, reseñas
y textos de carácter ensayístico, entre los que destaca el aparecido en Vidario (2009), libro colectivo sobre el Salón de pasos perdidos de Andrés Trapiello.

Como motivos de este trabajo, figuran los siguientes: primero, plantear
una serie de interrogantes que afectan a la dama del Louvre y a su
inesperada hermana, la cenicienta del Prado. ¿Por qué la calidad de sus
materiales, como el soporte o los pigmentos, es tan diferente? ¿Y tan
similar los pentimenti a mano alzada de su dibujo subyacente? ¿Responden
a un mismo encargo que nunca se entregó al cliente? ¿Cuál es su estado
de conservación y su verdadera imagen primitiva? ¿Qué es lo que vio
Giorgio Vasari? ¿La autoría es autógrafa, coral o de mero taller? Por
citar sólo algunas reflexiones. En segundo término, constituye un buen pretexto para, dentro de una
dimensión pedagógica, definir algunos conceptos: el taller de pintura,
con sus maestros y aprendices, clientes y encargos, condiciones y
precios o los procedimientos de trabajo; términos artísticos, como el de
valorismo y colorismo, perspectiva lineal y aérea, isocefalia y simetría
bilateral, sfumato y escorzo, por citar algunos ejemplos; y también,
cuestiones relativas al peso del neoplatonismo en el naturalismo
idealizado, la importancia de la ciencia o el antropocentrismo
renacentista. Finalmente, emprender un recorrido apasionante por un tema que tiene
algo de novela policiaca. La vida y la obra de Leonardo da Vinci siempre
estuvo envuelta en un halo de misterio, transcendiendo el plano
meramente artístico, para entrar en el ámbito de la leyenda literaria y
acabar convirtiéndose en un mito. Emocionante es también el momento
artístico, con su fecundidad sin límites y proliferación de genios. Los
pintores, debido al amplio abanico de conocimientos que precisan para
llevar a cabo su trabajo, alcanzan un prestigio individual hasta
entonces desconocido.

Todo el mundo reconoce un cuadro de la Crucifixión pero pocos saben quiénes son los personajes representados a los pies de Cristo. ¿Cómo se puede reconocer a Judas en una pintura de La última cena? ¿Por qué aparece un carnero al lado de Isaac cuando su padre Abraham se preara para sacrificarlo? Las obras maestras de la pintura no tendrán secretos gracias a esta obra, que ilustra sobre el Arca de Noé, el Apocalipsis, las plagas de Egipto, la conversión de san Pablo o la lucha entre David y Goliat. Numerosos episodios bíblicos, representados por hasta 3 obras diferentes, en una obra para deleitarse con muchos detalles que pueden pasar desapercibidos a primera vista.

La perspectiva para Panofsky no es un simple elemento «externo» o «técnico» de la obra de arte, no es un supuesto insignificante del estilo, sino que, por el contrario, expresa, en sus diversas configuraciones, su propia esencia. Para Panofsky, la Antigüedad clásica realizó una representación del espacio que puede llamarse «prospectiva», pero que sigue las leyes estilísticas, y quizá matemáticas, esencialmente distintas de las del Renacimiento. Esta diferencia en el concepto «prospéctico» corresponde a la diferencia del concepto general del espacio, cuyos fundamentos se expresan en las obras de los científicos y filósofos antiguos.

Publicado en 1927 en las «Conferencias» del Instituto Warburg, que promovía en aquella época las investigaciones más avanzadas sobre el Renacimiento, este estudio suscitó cuestiones todavía candentes en la historia del arte.

Páginas interminables se han escrito sobre la belleza, pero poca cosa hay por ahí sobre lo feo. Es decir, lo que a nosotros nos parece feo.
Tenemos un gusto y es muy nuestro, incluso estamos orgullosos de él, pero ¿de dónde viene? He aquí una posible respuesta, un mapa de la fealdad a través de las épocas, las culturas y los continentes, y de cómo ha ido cambiando en la imaginación pública. De las bestias de la Antigüedad clásica a las gárgolas medievales, del monstruo de Mary Shelley a las exposiciones nazis del arte degenerado. El arte, la música e incluso los objetos de consumo masivo, como las muñecas feas de la década de 1980, esto y más está recogido en este libro bellamente ilustrado con ejemplos notorios de fealdad.