La pintura china clásica, más allá de sus múltiples corrientes, muestra una continuidad que se debe a que, a los ojos de los propios chinos es ésta la más alta expresión de su espiritualidad. A lo largo de los siglos, los teóricos y los propios pintores consignaron por escrito sus reflexiones y sus experiencias. El conjunto de esos textos constituye un corpus orgánico, en la medida en que todos se refieren a una misma concepción cosmológica de base, en la que prima la noción de shen-ch'i ("Aliento-Espíritu"), así como a una misma práctica del arte del pincel. Lo que aquí se intenta es una presentación organizada según rúbricas claras -arte pictórico en general, árboles y rocas, flores y pájaros, paisajes y hombres- de lo mejor de dicho corpus, traducida y anotada. Con toda humildad querría ofrecer este libro a los pintores vivos y a los venideros, y también a quienes se interesan por el pensamiento chino, a aquellos que aman el arte en general y se preguntan sobre su significado último, y finalmente a todos los que van en busca de una posibilidad de vivir hoy. François Cheng François Cheng ha sido profesor de las universidades del INALCO y miembro de la Academia francesa. Es autor de Vide et Plein, le langage pictural chinois ("Points Essais", 1991) y de L'Ecriture poétique chinoise ("Points Essais", 1996).

Con motivo del centenario de la visita más larga que Picasso realizó a Barcelona, después de instalarse definitivamente en París en 1904, el Museu Picasso ha organizado una exposición (entre el 26/ de octubre de 2017 y el 28 de enero de 20187) que, más allá de su carácter conmemorativo, aporta nuevos datos a la cronología vital i creativa del artista.
El catálogo relata este reencuentro de Picasso con la ciudad -entre junio y noviembre de 1917-, y lo hace contextualizando un conjunto muy significativo de las obras de la colección permanente del museo, que fueron ejecutadas precisamente durante aquellos meses, a través de documentos hasta hoy inéditos (la mayoría conservados en los Archivos Picasso de París) y de la pluralidad estilística y temática de los numerosos dibujos que llenan las páginas de tres de sus cuadernos.
El Picasso que muestra el catálogo es un Picasso que empezaba su relación con Olga Khokhlova, que paseaba con ella por algunos de los lugares más conocidos de la ciudad, que visitaba a sus amigos barceloneses, y que iba al teatro o a los toros. El resultado es una monografía rica y sugerente que nos acerca a un artista que se debatía entre una depuración del clasicismo y la pervivencia del lenguaje cubista. En definitiva, un Picasso cercano, activo y en permanente transformación.

Sorpréndete con las historias que esconden algunas de las más importantes obras de arte.
Miguel Ángel: imagina el cielo en el techo de la Capilla Sixtina
Bruegel: se atreve a pintar a campesinos
Picasso: revoluciona el mundo del arte
Van Gogh: enloquece por sus cuadros
Kandinski: transforma la música en pintura
Frida Kahlo: pinta apasionantes autorretratos
Warhol: crea arte para todos en una «fábrica».  
Y también: ¿qué hacen hoy los artistas?

El arte no es sino un medio para ver, para ver lo invisible en lo visible. Y Apollinaire, Picasso, Duchamp, De Chirico o Picabia encontraron en los rayos-x y la huella de su paso a través de los cuerpos un recurso analógico con que dar a ver sus visiones. Esta incursión en el arte de comienzos del siglo XX se ocupa de las resonancias del descubrimiento de los rayos-x en el pensamiento y la práctica artística de la época, planteando que, más allá de categorizaciones «ísmicas» simplificadoras y de matices propios de toda subjetividad, todos estos artistas reclamaban un realismo más profundo y dinámico que el realismo mimético canónico. Todos querían ser más realistas, superrealistas. Y encontraron en los rayos x una analogía idónea, tanto formal como procesual, de ese modo de ver y presentar la realidad en profundidad, desplegando inagotablemente nuevos horizontes de visión y de conocimiento, en la que todos ellos se empeñaron.

Representar la luz sobre un papel consiste, en realidad, en oscurecer una superficie para crear una ilusión visual de luminosidad. En otras palabras, iluminar a través del oscurecimiento: ese es el reto de la representación visual de la luz y en este libro Peter Boerboom y Tim Proetel recogen cerca de 150 ejemplos comentados que nos desvelan las numerosas técnicas y recursos gráficos —desde las sombras y los degradados hasta los contrastes y la perspectiva— que nos permiten solucionar esta maravillosa paradoja. Un compendio dirigido a principiantes y profesionales que sin duda se convertirá en un libro de obligada consulta a la hora de experimentar con las infinitas posibilidades de representación del dibujo.

?Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte.? Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo ha sabido diseccionar la obra plástica de tantos artistas, sino que ha aportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visual y su papel en la cultura contemporánea. Este es el primero de dos volúmenes donde por primera vez se recogen de forma exhaustiva todos los textos que John Berger dedicó a los artistas que le enseñaron y le inspiraron a través de sus vidas y sus obras. Compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger donó aun en vida a la British Library, los textos de este primer volumen abarcan desde las pinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta el advenimiento de la modernidad con Paul Cezánne, mientras que los del segundo volumen incluyen ensayos que abarcan desde Claude Monet hasta Randa Mdah, una artista palestina nacida en 1983. De todos ellos se desprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Berger que durante décadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores a distintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindible para conocer el legado de Berger.

Dibujar el movimiento es en realidad crear una ilusión visual de tiempo y desplazamiento. Los métodos para conseguirlo son sencillos y muy numerosos, pero hay que conocerlos. Desde difuminar o desdibujar un fragmento de lo que estamos representando hasta jugar con la densidad del trazo o incluso con nuestra propia concepción de la fuerza de la gravedad... Peter Boerboom y Tim Proetel recogen en este compendio casi 200 ejemplos comentados de recursos gráficos para crear la ilusión visual de movimiento. Una guía para principiantes y profesionales que sin duda alguna se convertirá en un libro de necesaria consulta para experimentar con las infinitas posibilidades de representación del dibujo.

La vida, signifique lo que signifique, no es algo que pueda explicarse desde la eternidad. La memoria de Mariano Fortuny y Marsal ha estado demasiado condicionada por la épica de un destino artístico situado más allá de los avatares terrenales. Sin embargo, como todos los seres humanos, hubo de conciliar sus aspiraciones personales con la complejidad de un sistema que cambiaba rápidamente, condicionado por las apariencias y el dinero. A mediados del siglo XIX, el arte empezó a funcionar como un elemento de prestigio para una nueva élite deseosa de exhibir su poder, no siempre experta en sutilezas estéticas.
La posesión y el reconocimiento de las obras de Fortuny se convirtió en un signo de distinción de clase que aparece profundamente determinado por pasiones humanas. Esta circunstancia singular sirve de arranque para adentrarse en un universo de intereses mundanos que va más allá de la pura trayectoria vital del pintor, observada desde una multiplicidad de puntos de vista, tales como la amistad, el amor, la frivolidad, la presunción, el sexo o la nostalgia. A través de un relato fresco y ágil, que escapa al futuro perfecto de los grandes discursos, se desnudan con ironía los protagonistas, en cuyas actitudes, a veces prosaicas y banales, se reconoce el sentido más vital del arte.