Isaac Julien (Londres, 1961) es un cineasta y artista visual que ha desarrollado su obra en torno a temáticas sociales como la raza, el género y la migración. En los últimos años su obra se ha enfocado en la video instalación a partir de una reflexión sobre el montaje, la narración, la tecnología en la producción audiovisual y la espacialidad de la imagen.
En las instalaciones Playtime (2014) y Kapital (2013) Isaac Julien propone una coreografía del capitalismo contemporáneo Se trata de un ambicioso proyecto para explorar el impacto humano, cultural y emocional de la crisis financiera posterior al 2008.
La primera instalación asume la tarea de representar este sistema a partir de una directriz, reproducir el efecto vertiginoso del capital por medio de una pregunta formal y cinemática: el ritmo. La instalación Kapital busca entender teóricamente el capitalismo, sus modos de circulación, sus especificidades.

Durante la Guerra Civil (1936-1939) la integridad del patrimonio histórico-artístico español se vio seriamente amenazada como resultado de la conjunción de una serie de factores de carácter político, social, cultural y económico. El libro que aquí se presenta analiza tanto su destrucción y disgregación como las medidas desarrolladas para protegerlo y conservarlo a partir del estudio de las políticas culturales puestas en marcha por las autoridades republicanas y las fuerzas rebeldes. Sus diferentes concepciones sobre la cultura y su función social ayudan a explicar las diferencias existentes entre las políticas perfiladas en cada retaguardia y su grado de eficacia. Un aspecto en el que también resulta esencial el perfil y el grado de implicación de los hombres y mujeres que trabajaron en las labores de salvaguardia. Personas que, en muchos casos, pusieron en riesgo sus vidas y sus carreras con el único objetivo de preservar la herencia cultural española.
• Publicado en la colección Historia de la editorial Universidad de Cantabria, en Santander, el 08/03/2016.

Las Celdas de Louise Bourgeois constituyen uno de los conjuntos escultóricos más innovadores y revolucionarios de su extensa obra. Creadas durante las dos últimas décadas de vida de la artista, las Celdas son complejas configuraciones de objetos encontrados, artículos personales y formas escultóricas en las que reina una atmósfera llena de resonancias emocionales.

Tracey Emin ha convertido su día a día en una obra de arte gracias a piezas como Everyone I Have Ever Slept With (1963-1995) o My Bed, en las que ha mostrado de la manera más directa y provocadora los rincones más íntimos de su vida privada. A veces sucede que, de nuestros amigos y familiares, apenas conocemos nada, pero en el caso de Emin, quien haya querido enterarse de las circunstancias de su existencia, de sus relaciones sexuales y de sus encontronazos con colegas, ha podido hacerlo prolijamente tanto en las galerías de arte como en las columnas de cotilleos más variopintas de la prensa británica.
¿Qué aporta Strangeland, pues, a su historia? Palabras, muchas más palabras de las que caben en una instalación, una performance o una pieza de museo. Strangeland es el relato íntimo de su vida, desde su más tierna infancia hasta la etapa de la madurez, en la que Emin ha dejado de ser una enfant terrible del arte entendido como fuerza de choque para acabar figurando en el elenco de personalidades distinguidas de la Royal Academy of Arts británica. Sin pelos en la lengua, este libro funciona también como el diario íntimo de una personalidad exhibicionista: estas son unas memorias bañadas en alcohol, recubiertas de dinero, sexo y escándalos, y a la vez explicadas con un lenguaje cercano y enternecedor que resalta la humanidad que reside en este genio de la provocación y la polémica. Como ella resume en una línea cortante como un cuchillo: «Aquí estoy: una bella mujer loca, jodida, anoréxica, alcohólica y sin hijos. Jamás soñé que las cosas sucederían así».

Con una carrera artística que se desarrolló a lo largo de siete décadas, Joan Miró (Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, 1983) fue un titán polímata del arte moderno que creó obras maestras en disciplinas creativas tan diferentes como la pintura, la escultura, los libros de arte, los tapices y la cerámica, y asimiló influencias artísticas tan variadas como fauvismo, surrealismo, dadaísmo, realismo mágico, cubismo y el arte abstracto.

A lo largo de su prodigiosa actividad creativa, Miró no dejó nunca de evolucionar, intentando burlar la categorización de su arte y la aprobación de los críticos de arte burgueses con el mismo ímpetu con el que buscaba sus propios mundos oníricos. Miró, quien saltó a la esfera pública a principios de la década de 1920, experimentó primero con el fauvismo y el cubismo antes de desarrollar su característico estilo de símbolos y pictogramas plasmado en misteriosas narrativas visuales en las que eran frecuentes las referencias a la vida catalana. A medida que su carrera progresó, Miró se inclinó hacia el surrealismo y, aunque nunca llegó a identificarse plenamente con este movimiento, se convirtió en uno de sus representantes más reconocidos con técnicas como el dibujo automático, la abstracción lírica y la pintura de campos cromáticos. En los últimos años diversificó sus materiales y trabajó con cerámica tejidos y fundición.

A través de sus colores vivos, sus fantasías oníricas y sus símbolos enigmáticos, este libro abarca las numerosas facetas de la obra caleidoscópica de Miró para presentar su fascinante carrera, su interacción con los principales movimientos modernos y la gestación de una leyenda de la modernidad.

Sobre la serie

Cada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:

un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural;

una concisa biografía;

aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.

Con una carrera artística que se desarrolló a lo largo de siete décadas, Joan Miró (Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, 1983) fue un titán polímata del arte moderno que creó obras maestras en disciplinas creativas tan diferentes como la pintura, la escultura, los libros de arte, los tapices y la cerámica, y asimiló influencias artísticas tan variadas como fauvismo, surrealismo, dadaísmo, realismo mágico, cubismo y el arte abstracto.

A lo largo de su prodigiosa actividad creativa, Miró no dejó nunca de evolucionar, intentando burlar la categorización de su arte y la aprobación de los críticos de arte burgueses con el mismo ímpetu con el que buscaba sus propios mundos oníricos. Miró, quien saltó a la esfera pública a principios de la década de 1920, experimentó primero con el fauvismo y el cubismo antes de desarrollar su característico estilo de símbolos y pictogramas plasmado en misteriosas narrativas visuales en las que eran frecuentes las referencias a la vida catalana. A medida que su carrera progresó, Miró se inclinó hacia el surrealismo y, aunque nunca llegó a identificarse plenamente con este movimiento, se convirtió en uno de sus representantes más reconocidos con técnicas como el dibujo automático, la abstracción lírica y la pintura de campos cromáticos. En los últimos años diversificó sus materiales y trabajó con cerámica tejidos y fundición.

A través de sus colores vivos, sus fantasías oníricas y sus símbolos enigmáticos, este libro abarca las numerosas facetas de la obra caleidoscópica de Miró para presentar su fascinante carrera, su interacción con los principales movimientos modernos y la gestación de una leyenda de la modernidad.

Con una carrera artística que se desarrolló a lo largo de siete décadas, Joan Miró (Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, 1983) fue un titán polímata del arte moderno que creó obras maestras en disciplinas creativas tan diferentes como la pintura, la escultura, los libros de arte, los tapices y la cerámica, y asimiló influencias artísticas tan variadas como fauvismo, surrealismo, dadaísmo, realismo mágico, cubismo y el arte abstracto.

A lo largo de su prodigiosa actividad creativa, Miró no dejó nunca de evolucionar, intentando burlar la categorización de su arte y la aprobación de los críticos de arte burgueses con el mismo ímpetu con el que buscaba sus propios mundos oníricos. Miró, quien saltó a la esfera pública a principios de la década de 1920, experimentó primero con el fauvismo y el cubismo antes de desarrollar su característico estilo de símbolos y pictogramas plasmado en misteriosas narrativas visuales en las que eran frecuentes las referencias a la vida catalana. A medida que su carrera progresó, Miró se inclinó hacia el surrealismo y, aunque nunca llegó a identificarse plenamente con este movimiento, se convirtió en uno de sus representantes más reconocidos con técnicas como el dibujo automático, la abstracción lírica y la pintura de campos cromáticos. En los últimos años diversificó sus materiales y trabajó con cerámica tejidos y fundición.

A través de sus colores vivos, sus fantasías oníricas y sus símbolos enigmáticos, este libro abarca las numerosas facetas de la obra caleidoscópica de Miró para presentar su fascinante carrera, su interacción con los principales movimientos modernos y la gestación de una leyenda de la modernidad.

En Escombro, el artista multidisciplinar Arturo Hernández Alcázar construye esculturas y ensamblajes precarios temporales a base de objetos domésticos desechados, distintos materiales de archivo y la basura que se encuentra en la calle. Esta publicación documenta sus diversas creaciones.
Hernández Alcázar concibe su obra Escombro como una escultura hecha de fragmentos, destrucciones, erosiones, residuos, recortes, detritus, ruidos y pedazos. Levantamientos semejantes a compendios de restos de procesos, donde a partir de citas, narraciones, imágenes, proyectos, ruidos y mutaciones, delinea un inventario diletante y subjetivo del lento colapso de lo sólido y lo permanente, desvelando potencias nuevas.

Institución fundamental de la cultura artística española, las exposiciones nacionales de Bellas Artes se crearon en 1853 bajo la protección de los poderes públicos con el objetivo de proteger y promover el desarrollo del arte español.
En un anterior libro de la misma autora, Historia y crítica de las exposiciones nacionales de Bellas Artes (1901-1915), se analizaban las celebradas entre 1901 y 1915. A pesar del cuestionamiento a que fueron sometidos, el Estado continuó estimulándolos y convocándolos de manera ininterrumpida, mostrando que la institución, lejos de su agotamiento, seguía dando signos de vitalidad como uno de los canales fundamentales de fomento de las Bellas Artes en nuestro país. El presente volumen se centra en los certámenes organizados entre 1917 y 1936. A través de un copioso e inédito material documental y hemerográfico, se aborda en su conjunto el régimen de funcionamiento y los reglamentos por los que se rigieron y se realiza un análisis monográfico de estos acontecimientos histórico-artísticos así como del interés que despertaron entre la crítica especializada, convirtiéndose en un documento excepcional de las transformaciones que se produjeron en el ámbito artístico español en el primer tercio del siglo XX.

Antón Lamazares (Maceira, Galicia, 1954) expone en el Círculo de Bellas Artes, Alfabeto Delfín, resultado de la evolución constante de un alma nómada y autodidacta. Una vida errante que le ha llevado a vivir en París, Berlín, Madrid, Barcelona o Nueva York y por la que ha podido conocer a personajes clave de la cultura contemporánea, entre los que encontramos a Antoni Tàpies, Joan Miró, Carlos Oroza, Juana Mordó, Laxeiro, Alfonso Fraile, Álvaro Cunqueiro y un largo etcétera con los que se ha nutrido espiritual y artísticamente.
Alfabeto Delfín trasluce la magia céltica y la musicalidad lírica implícita en la naturaleza gallega gracias a veintisiete letras, signos inventados, que dibujan poesía sobre fondos monocromáticos en cartones de gran formato.
Este catálogo reúne, además de setenta y cinco obras de este nuevo y mágico alfabeto, tres textos a cargo de Francisco Calvo Serraller, Gustavo Martín Garzo y Juan Carlos Mestre, que nos ofrecen unas pinceladas para entender mejor el alma y la originalidad de Antón Lamazares.