Georgia O’Keeffe (1887-1986) fue una gran figura del arte moderno estadounidense durante siete décadas. Su fama no estuvo asociada al cambio de tendencias y estilos artísticos, sino a su visión única, basada en la búsqueda de formas abstractas y esenciales en la naturaleza.

Los temas primordiales de O'Keeffe fueron los paisajes, las flores y los huesos, que desarrolló en distintas series a lo largo de varios años. Algunos trabajos se prolongaron durante décadas y dieron como resultado una docena o incluso más variaciones de una misma imagen. Un ejemplo de ello son sus famosas ampliaciones de lirios de agua y azucenas. Aumentando los más diminutos pétalos hasta llenar enormes lienzos, O'Keeffe creó un lenguaje proto-abstracto de formas y líneas que le valió el apodo de “madre del arte moderno americano”. En 1946, O'Keeffe se convirtió en la primera mujer a la que el MoMA de Nueva York dedicaba una exposición individual.

Esta introducción de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN descubre la larga y luminosa carrera de O'Keeffe por medio de pinturas clave, fotografías de su época y retratos que hizo de ella Alfred Stieglitz, su marido. Seguimos a la artista a través de sus grandes creaciones y éxitos, y la acompañamos en sus viajes internacionales, llenos de inspiración, del sudeste asiático a India, Oriente Medio y, en particular, Nuevo México, cargada de magníficos paisajes, vivos colores y vegetación exótica.

Eternamente cautivadoras, las pinturas de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) son la encarnación de la felicidad, el amor y la belleza. Basada en el libro de gran formato, la retrospectiva más completa de su obra publicada hasta la fecha, esta edición compacta examina en detalle la historia personal del pintor y las motivaciones detrás de la leyenda. Aunque comenzó su carrera pintando paisajes en estilo impresionista, Renoir encontró su verdadera vocación en los retratos, tras lo cual abandonó por completo dicho estilo. Pese a haber sido malinterpretado con frecuencia, Renoir sigue siendo uno de los pintores más queridos de la historia, sin duda por la calidez, la ternura y la alegría de vivir que emanan sus cuadros.

En este texto magistral que detalla toda la trayectoria del artista y traza su evolución estilística, Gilles Néret muestra cómo Renoir reinventó las formas de la mujer en la pintura a través de sus diosas cotidianas de pronunciadas curvas, caderas y pechos. La última fase en la obra de Renoir, en la que regresó al simple placer de pintar el desnudo femenino a través de su serie de bañistas, fue la más innovadora y de mayor influencia estilística, e inspiraría luego a maestros como Matisse y Picasso.

Con una cronología completa, una bibliografía, un índice de obras y espléndidas reproducciones a color, así como fotos y bocetos que ilustran la vida y la obra de Renoir, este es el libro de referencia esencial sobre este maestro de la pintura.

Eternamente cautivadoras, las pinturas de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) son la encarnación de la felicidad, el amor y la belleza. Basada en el libro de gran formato, la retrospectiva más completa de su obra publicada hasta la fecha, esta edición compacta examina en detalle la historia personal del pintor y las motivaciones detrás de la leyenda. Aunque comenzó su carrera pintando paisajes en estilo impresionista, Renoir encontró su verdadera vocación en los retratos, tras lo cual abandonó por completo dicho estilo. Pese a haber sido malinterpretado con frecuencia, Renoir sigue siendo uno de los pintores más queridos de la historia, sin duda por la calidez, la ternura y la alegría de vivir que emanan sus cuadros.

En este texto magistral que detalla toda la trayectoria del artista y traza su evolución estilística, Gilles Néret muestra cómo Renoir reinventó las formas de la mujer en la pintura a través de sus diosas cotidianas de pronunciadas curvas, caderas y pechos. La última fase en la obra de Renoir, en la que regresó al simple placer de pintar el desnudo femenino a través de su serie de bañistas, fue la más innovadora y de mayor influencia estilística, e inspiraría luego a maestros como Matisse y Picasso.

Con una cronología completa, una bibliografía, un índice de obras y espléndidas reproducciones a color, así como fotos y bocetos que ilustran la vida y la obra de Renoir, este es el libro de referencia esencial sobre este maestro de la pintura.

El Museo Pictórico o Escala Óptica es una obra literaria de Antonio Palomino creada a tenor de diversas preocupaciones y tesis que tenía respecto al origen de la pintura y su composición, tratando, además, la parte histórica, teológica, filosófica y matemática de este arte. Sus objetivos no eran otros que reivindicar la libertad de la pintura para defender su carácter liberal (muchos la consideraban oficio y no arte), sostener su carácter científico y garantizar la fama que merecen sus maestros. Gracias a su formación pudo profundizar en las diferentes técnicas del dibujo y la pintura, entender sus principios y escribir sobre su correcta ejecución, plasmando en esta obra sus conocimientos para que otros pudieran hacerlo correctamente. El primer volumen del libro está dedicado a la teórica de la pintura, su origen y significado. En el segundo volumen trata de su práctica, dando consejos e instrucciones de cómo pintar de manera adecuada.

El Museo Pictórico o Escala Óptica es una obra literaria de Antonio Palomino creada a tenor de diversas preocupaciones y tesis que tenía respecto al origen de la pintura y su composición, tratando, además, la parte histórica, teológica, filosófica y matemática de este arte. Sus objetivos no eran otros que reivindicar la libertad de la pintura para defender su carácter liberal (muchos la consideraban oficio y no arte), sostener su carácter científico y garantizar la fama que merecen sus maestros. Gracias a su formación pudo profundizar en las diferentes técnicas del dibujo y la pintura, entender sus principios y escribir sobre su correcta ejecución, plasmando en esta obra sus conocimientos para que otros pudieran hacerlo correctamente. El primer volumen del libro está dedicado a la teórica de la pintura, su origen y significado. En el segundo volumen trata de su práctica, dando consejos e instrucciones de cómo pintar de manera adecuada.

"A unas profundas reflexiones se presta la vista de los grandiosos monumentos que la piedad, la ciencia, la caridad y otras virtudes sembraron por el suelo de Salamanca. (...) Páginas de un gran libro, esparcidas por la mano del destino, esos monumentos y esas ruinas llevan escrita en sus muros, más que la historia de una ciudad, la historia de nuestra civilización nacional". Este texto, extraído del prólogo de la obra, describe, de manera apasionada pero veraz, el contenido de la misma. Modesto Falcón nos presenta los monumentos de Salamanca divididos en seis partes: tras una primera parte histórica, el resto las agrupa en antigüedades romanas, monumentos románicos, templos ogivos, edificios del Renacimiento y construcciones greco-romanas. Con un estilo alejado de la pompa y esplendor en las descripciones, el autor utiliza un lenguaje claro y conciso en las reseñas, tanto del conjunto como de los pormenores del monumento que describe.

El Museo Pictórico o Escala Óptica es una obra literaria de Antonio Palomino creada a tenor de diversas preocupaciones y tesis que tenía respecto al origen de la pintura y su composición, tratando, además, la parte histórica, teológica, filosófica y matemática de este arte. Sus objetivos no eran otros que reivindicar la libertad de la pintura para defender su carácter liberal (muchos la consideraban oficio y no arte), sostener su carácter científico y garantizar la fama que merecen sus maestros. Gracias a su formación pudo profundizar en las diferentes técnicas del dibujo y la pintura, entender sus principios y escribir sobre su correcta ejecución, plasmando en esta obra sus conocimientos para que otros pudieran hacerlo correctamente. El primer volumen del libro está dedicado a la teórica de la pintura, su origen y significado. En el segundo volumen trata de su práctica, dando consejos e instrucciones de cómo pintar de manera adecuada.

Georgia O’Keeffe (1887-1986) fue una gran figura del arte moderno estadounidense durante siete décadas. Su fama no estuvo asociada al cambio de tendencias y estilos artísticos, sino a su visión única, basada en la búsqueda de formas abstractas y esenciales en la naturaleza.

Los temas primordiales de O'Keeffe fueron los paisajes, las flores y los huesos, que desarrolló en distintas series a lo largo de varios años. Algunos trabajos se prolongaron durante décadas y dieron como resultado una docena o incluso más variaciones de una misma imagen. Un ejemplo de ello son sus famosas ampliaciones de lirios de agua y azucenas. Aumentando los más diminutos pétalos hasta llenar enormes lienzos, O'Keeffe creó un lenguaje proto-abstracto de formas y líneas que le valió el apodo de “madre del arte moderno americano”. En 1946, O'Keeffe se convirtió en la primera mujer a la que el MoMA de Nueva York dedicaba una exposición individual.

Esta introducción de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN descubre la larga y luminosa carrera de O'Keeffe por medio de pinturas clave, fotografías de su época y retratos que hizo de ella Alfred Stieglitz, su marido. Seguimos a la artista a través de sus grandes creaciones y éxitos, y la acompañamos en sus viajes internacionales, llenos de inspiración, del sudeste asiático a India, Oriente Medio y, en particular, Nuevo México, cargada de magníficos paisajes, vivos colores y vegetación exótica.

Una guía a través de un extraordinario recorrido por las imágenes más icónicas del mundo, las que nos encontramos al visitar una galería u observamos en la portada de una novela. Ordenado cronológicamente, traza la evolución del desarrollo artístico período a período. Todos los géneros artísticos, desde la pintura y la escultura hasta el arte conceptual y el arte de performance. No existe ninguna sociedad que no haya producido arte. La representación y la decoración, igual que la oralidad artística o la música, son tan inherentes al ser humano como la construcción de nidos los es a los pájaros. Las formas que ha adoptado el arte han diferido radical, temporal y geográficamente bajo la influencia de diferentes circunstancias sociales y culturales. ¿Cuál era el propósito original de esas obras de arte y cómo podemos entenderlas hoy? ¿Por qué el arte floreció en determinados períodos de la historia y no en otros? ¿Por qué algunas obras de arte son tan importantes? En el libro se analizan con detalle las obras maestras que mejor representan características definitorias de cada período o movimiento, lo que permitirá al lector interpretar como nunca antes el significado de las obras maestras más famosas del mundo. Si le gusta el arte y quisiera aprender a interpretarlo mejor, no tiene más que sumergirse en las trepidantes páginas de esta obra.