Los cuadros esconden mensajes que pueden pasar desapercibidos, pero que a menudo cuentan historias fascinantes. Detrás de detalles aparentemente insignificantes alientan epopeyas que cambiaron el mundo, como los diminutos granos de pimienta en un bodegón, el pequeño colgante con un carnero dorado en un retrato o el pigmento que presta su color a un lienzo. O bien contienen indicios que remiten a la más temible red de espías, las contraseñas del ?marketing? protestante o el gabinete de imagen y propaganda de la monarquía hispana, con guionistas como Calderón de la Barca y creativos como Velázquez.

Agustín Sánchez Vidal nos lleva de un tema a otro y los relaciona con nuestra vida cotidiana y el presente, desde el color naranja de las zanahorias de un bodegón a Bugs Bunny, Freud y la publicidad; del rey Midas al actual valor del oro; del Bosco a las pinturas negras de Goya o de la Inmaculada Concepción a una Unión Europea dividida entre los ?trabajadores? países del norte y los ?holgazanes? del sur. Todo eso y mucho más se esconde en los cuadros del Museo del Prado, que relatan la historia de España y sus vínculos con Europa.

¿Se puede resumir el maravilloso mundo del arte en tan solo 100 conceptos? Materiales, técnicas, estilos, diseños, artistas del pasado y del presente y distintos métodos de expresión artística resumidos en 100 conceptos elegidos cuidadosamente. Susie Hodge nos mues tra su gran capacidad de transmitir en pocas palabras todo lo que hay que saber sobre el arte, en un libro fascinante que incluye actividades atractivas, sugerencias y preguntas para reflexionar, inspirar, practicar y crear.

Este libro es un recorrido por la obra de las artistas, en gran parte olvidadas, cuyas creaciones constituyen una fuente de gozo estético inagotable. Desde Calipso a las grandes artistas de performances (Marina Abramovic, Ana Mendieta, Takako Saito o Vanessa Beecroft, pasando por la iluminadora de beatos Ende, Sodfonisba Anguissola o Maruja Mallo.

Las teorías del arte y la literatura nos proveen de las bases analíticas e interpretativas que hacen posible la reflexión sobre la obra de arte y, en términos más amplios, sobre el texto, sea este cultural, visual o literario. Más allá de la mera apreciación de la obra de arte o literaria, la dimensión teórica del arte y la literatura hacen posible ambas cosas: la investigación especializada sobre las obras de que se trate, y el impacto que tal reflexión y su convergencia con la práctica pedagógica tienen en el aula, esto es, en el mundo de la experiencia de los estudiantes.
El presente volumen ofrece una guía actualizada de las teorías del arte y la literatura en lengua española dirigida muy especialmente a todos los estudiosos, investigadores y estudiantes, de bellas artes, historia del arte, restauración, estética y filosofía del arte, literatura y artes escénicas. En el volumen se abordan desde las principales propuestas formalistas y sus orígenes, la hermenéutica, la fenomenología y el estructuralismo, hasta las teorías crítica, institucional y simbólica, la deconstrucción, el feminismo, los estudios queer y transatlánticos, y los desarrollos teóricos del arte conceptual. En definitiva, este libro proporciona al lector herramientas fundamentales para entender las manifestaciones artísticas, filosóficas y literarias, así como sus importantes transformaciones, desde los inicios del siglo XX hasta la actualidad.

Son innumerables las marcas mundiales —entre ellas Rolex, BMW, Louis Vuitton y los New York Yankees— que hoy día utilizan logotipos diseñados hace más de 100 años. Sin embargo, hasta ahora no existía ninguna publicación monográfica sobre los orígenes del diseño de logotipos. Los emblemas, como distintivo publicitario y de identidad empresarial, empezaron a reemplazar los escudos familiares tradicionales a partir de la segunda mitad del siglo XIX. Aunque al principio las representaciones tendían a ser metafóricas, con el paso del tiempo desembocaron en símbolos más abstractos que se han incorporado indeleblemente al ideario cotidiano actual.

El autor Jens Müller, calificado como «detective de logotipos» por la revista Wired, estudió el historial de los registros de marcas comerciales, los archivos de empresas internacionales y antiguas publicaciones sobre diseño para sacar a la luz más de 6.000 logotipos creados entre 1870 y 1940. Este compendio sin precedentes muestra el desarrollo de los emblemas modernos y recupera tanto algunos bocetos olvidados como las primeras versiones de logotipos famosos. El catálogo se divide en cuatro rúbricas de diseños, según «la figura», «la forma», «el efecto» y «la tipografía». Cada capítulo está organizado sistemáticamente en apartados dedicados a parámetros básicos de diseño, como el círculo, la línea, la superposición y el contorno, que aportan una nueva perspectiva a los principios de diseño aún vigentes.

Además de la completa parte ilustrada, el volumen presenta una introducción de Jens Müller a la historia de los emblemas, una reproducción del ensayo ilustrado Wahrzeichen – Warenzeichen del influyente pionero del diseño F.H. Ehmcke (1878–1965). Este ensayo, publicado en 1921, se convirtió en la primera mirada global a las marcas registradas e incluye diez estudios de casos de marcas famosas, como 3M, NBC, Shell y Olivetti. A todo lo anterior, se añaden numerosas ilustraciones inusuales: algunas son variaciones, mientras que otras forman parte de un desarrollo consecuente del diseño de logotipos internacional y hacen visible el nacimiento de la imagen corporativa. Además de ser un manual inspirador para el trabajo cotidiano de diseño y una magnífica lectura para toda persona que se interese por la historia sociocultural y empresarial y el efecto de las marcas, Logo Beginnings constituye el complemento perfecto del clásico de TASCHEN Logo Modernism.

M.C. Escher ya era un maestro de la tercera dimensión mucho antes de la aparición de las primeras imágenes en 3D generadas por ordenador. Sus geometrías e ilusiones imposibles, a medio camino entre lo científico y lo psicológico, son un homenaje a las posibilidades de la mente humana. Esta colección presenta los trabajos clave de la obra gráfica y las ilustraciones del artista en impresionantes reproducciones a toda página, con explicaciones detalladas de cada problema matemático.

M.C. Escher ya era un maestro de la tercera dimensión mucho antes de la aparición de las primeras imágenes en 3D generadas por ordenador. Sus geometrías e ilusiones imposibles, a medio camino entre lo científico y lo psicológico, son un homenaje a las posibilidades de la mente humana. Esta colección presenta los trabajos clave de la obra gráfica y las ilustraciones del artista en impresionantes reproducciones a toda página, con explicaciones detalladas de cada problema matemático.

Una introducción centrada sobre todo en el arte occidental y que aborda muchos de los movimientos, estilos y aportes más importantes del arte desde la prehistoria hasta la actualidad. Se brindan análisis de algunas de las obras artísticas más importantes producidas por los creadores más revolucionarios y se ocupa de muchos de los temas, materiales y métodos de los artistas. Se explora una gran variedad de invenciones, ideas, influencias y enfoques de artistas de todas las épocas.
Una nueva e innovadora introducción, por tanto, a la cuestión del arte. Se analizan cincuenta obras clave, desde las pinturas rupestres de Lascaux hasta las instalaciones contemporáneas, y se relacionan con los movimientos, los temas y las técnicas más importantes del arte.

Al iniciarse las Germanías, el italianismo de cariz cuatrocentista ya había dejado en Valencia obras cimeras de la pintura hispana que iban a influir en sus talleres de forma decisiva. A las llegadas de Niccolò Delli en 1469 o Paolo da San Leocadio y Francesco Pagano en 1472 les sucedió la de Fernando Llanos y Fernando Yáñez de la Almedina en 1506, mientras se finalizaba el retablo de plata de la catedral de Valencia por el orfebre pisano Bernabeo di Tadeo di Piero de Pone entre otros colegas locales, además de un formidable elenco de obras importadas de las que conocemos solo algunas, como las que –a título de ejemplo– eran poseedores los Borja, los duques de Segorbe y el marqués del Cenete, o se trajo de la península transalpina el embajador Vich, que, por su novedad, debieron de causar también un impacto no menor en la dinámica gremial autóctona.

El marco geográfico de la actual provincia de Cádiz, primitivo territorio del Reino de Sevilla, fue testigo histórico de la convivencia entre dos sistemas sociales y económicos: el agrícola y nobiliario, que se miraba al espejo hispalense, y el comercial y burgués, que se abría a los dos grandes mares. Ambas realidades generaron entre sí amplias relaciones culturales y artísticas, aportando a la zona recíprocas transferencias de forma y estilo, y también de artistas que trabajaron a caballo entre las dos realidades, o cuya obra sirvió de cruzada referencia estética. En este contexto artístico, la ciudad quedaría constituida en el verdadero marco de recepción y valoración de la cultura material. De todo ello se ocupan los nueve autores de este libro que, con prólogo de Alfredo J. Morales, aporta, mediante enfoques metodológicos renovados, una visión inédita del arte de Cádiz y su entorno en la Edad Moderna.