Un libro que ofrece los conocimientos indispensables de los materiales y sus usos para estudiantes de arte y artistas pintores en general. Fruto de la investigación y experiencia del autor tras muchos años de práctica y docencia en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, esta obra responde a la necesidad de ofrecer un texto que no sea una traducción, por lo que esta comporta de poca adecuación en cuanto al conocimiento de los materiales propios y sus denominaciones. Asimismo, y teniendo en cuenta la poca consideración que tiene actualmente el oficio del pintor, este libro busca subsanar este déficit facilitando las herramientas necesarias para una buena realización y posterior conservación de la obra pictórica.

Una extraordinaria selección de obras de artistas de todo el mundo, del siglo XVII hasta la actualidad, que ponen el foco sobre la figura del perro. De Goya a Sally Muir pasando por David Hockney o Marie Laurencin, las distintas miradas artísticas, combinadas con breves textos sobre las obras, los movimientos y las razas, nos acercan a nuestra concepción del mundo canino, así como a las relaciones que se tejen entre el ser humano, el arte y el mundo animal.

¿Te has planteado alguna vez qué es lo que nos lleva, en cuanto podemos agarrar un boli, a pintarrajear todo lo que tenemos cerca? ¿Quieres investigar, de la mano de la pandilla de agentes de la historieta, cómo ha sido la historia del arte, desde que a alguien se le ocurrió plantar un garabato en una caverna hasta el Gernika? ¿Sabes lo que es un estilóbato? ¿Puedes responder a la pregunta de qué es el arte? Puedas o no, ¡sígueme, si quieres vivir! (que es lo que dice el peculiar Profe de esta pandilla para dar épica al asunto, ¡y mola!). Historia del Arte en cómic es el libro que todo aquel que quiera comprender qué es el arte y cuál ha sido su historia debería leer. Y es el libro que cualquier manual sobre historia del arte debería ser. Olvídate de aburridas listas de términos, conceptos, estilos, autores, y vamos a darnos un viaje trepidante por el lado más brillante y más divertido de la historia, ese lado que explica lo que nos lleva a pintarrajear cualquier cosa, y que no es, ni más que menos ?bueno, mucho más que menos? que intentar explicarnos a nosotros mismos. El primer volumen de Historia del Arte en cómic está dedicado al mundo clásico, y le darán continuación otros cinco: el mundo medieval, el Renacimiento, la época del Barroco, el siglo XIX y el siglo XX. Completito, ¿no? Su autor, Pedro Cifuentes, es profesor de secundaria, y un apasionado del cómic. La labor de Pedro como introductor y divulgador del uso del cómic con finalidad didáctica ha sido reconocida con el Premio Nacional de Educación para el Desarrollo.
Didáctica, sí, pero cómo decíamos, esto no es un libro de texto ?¡ojalá!?, sino un divertidísimo viaje, en el que a una pandilla de adolescentes acompañan toda una serie de secundarios de lujo. En este volumen, harán de guías Leonardo da Vinci, Safo, Heródoto, Homero o la mismísima Atenea de ojos de lechuza, y se pasearán por escenarios que van desde Atenas o Petra, al Museo Británico o Roma. Un lenguaje coloquial, lleno de bromas y juegos, sirve para desarrollar un itinerario trepidante, y van cayendo términos, conceptos, estilos y autores sin que uno se dé cuenta? hasta que acabas sabiendo qué es un estilóbato. Vas pasando páginas, y en una te asalta la Quimera de Arezzo, en otra el David de Miguel Ángel sirve ejemplifica lo que fue el redescubrimiento del arte clásico, más allá te encuentras contemplando la Columna Trajana o deambulando por Micenas, y en la siguiente saltas por Petra o Pompeya. ¿Quién dijo síndrome de Stendhal?
Menos mal que Pedro Cifuentes rebaja el arrebato con grandes dosis de humor y consigue bajarnos los pies a tierra, sino estaríamos como su Isadora de nube en nube. Pero, además, lo bonito de este cómic es que tiene mil y un guiños que harán las delicias de cualquier amante del arte, un juego de intertextualidad gráfica que hace que aparezcan de repente un cuadro de Alma Tadema o los Monty Python. Y sin dejar de lado preocupaciones actuales, como la destrucción del patrimonio, el expolio o el debate sobre la devolución de obras de arte como los mármoles del Partenón. El libro se redondea, además, con un paseo por la Hispania Roma en pantalla panorámica: Tarraco, Segovia, Baelo Claudia, Itálica o Mérida? ¡Una delicia!

Uno de los principales artistas del simbolismo, Odilon Redon (1840-1916) fue también un pintor de extremos escénicos y emocionales. Hasta 1890 aproximadamente, el artista era conocido en exclusiva por sus obras en blanco y negro. Estos cuadros negros eran litografías y dibujos al carboncillo poblados por criaturas fantásticas y aterradoras en una paleta de colores lúgubres. Los tonos pastel, sin embargo, fueron abriéndose paso poco a poco por su obra y, con ellos, surgieron temas nuevos y menos sombríos. Las flores se convirtieron en un motivo recurrente. Donde otrora se alzaron símbolos de melancolía, ahora se abrían paso caballos y mariposas de alas batientes.

Si bien este lirismo y armonía de la última etapa de Redon contrasta vivamente con su melancolía anterior, sus principios rectores seguían «poniendo lo visible al servicio de lo invisible». Mediante una imaginería onírica, unas texturas suntuosas y un sugestivo uso del color, Redon buscó crear un equivalente pictórico de su propio espíritu. Fue sobre todo un artista que plasmaba estados de ánimo, tanto los malos presagios como la alegría, y que ejerció una considerable influencia en el posimpresionismo que vendría después.

Con motivo del centenario de una escuela de arte y diseño pionera, este libro celebra la fundación de la Bauhaus con un reconocimiento visual a sus figuras más infravaloradas. Aunque la institución proporcionó a las mujeres nuevas oportunidades para formarse, estas se vieron obligadas a lidiar con expectativas familiares poco razonables, la actitud ambigua del cuerpo docente y la Administración, convenciones sociales obsoletas y, en última instancia, la represión política del régimen nazi.

Sin precedentes en la literatura actual, Bauhaus Gals presenta a cerca de 90 artistas y artesanas a través de textos y retratos fotográficos, muchos de ellos inéditos hasta ahora. Recientes descubrimientos en los archivos recuperan las biografías de los talentos más conocidos, como Marianne Brandt, la primera mujer admitida en el programa de metalistería de la Bauhaus cuyos diseños todavía comercializa Alessi; Gertrud Arndt, a quien la universidad intentó disuadir de estudiar arquitectura pero brilló como fotógrafa y diseñadora de alfombras; Lucia Moholy, que tomó fotografías emblemáticas de los edificios de la Bauhaus pero pasó el resto de su vida intentando recuperar los negativos que le fueron ocultados. Además, gracias a este volumen recordamos a otras artistas cuyos nombres, prácticamente olvidados, también representan las primeras luchas por la igualdad de género, mujeres que se negaron a seguir el camino marcado por la sociedad y sus familias.

Con más de 400 retratos fotográficos tomados entre 1919 y 1933, Bauhaus Gals crea una impresión visual de las artistas que formaron parte de la escuela de arte más progresista del siglo XX y, desde ella, contribuyeron a cambiar el mundo del arte, la arquitectura, el diseño e incluso la política. La extensa información biográfica nos desvela la lucha individual de cada artista, su persistencia frente a la adversidad y sus increíbles logros. En este gran álbum familiar le invitamos a descubrir a un grupo de vanguardistas únicas cuyo legado abrió el camino a las artistas de las generaciones futuras.

This expanded and redesigned edition of MoMA Highlights presents a new selection from The Museum of Modern Art's unparalleled collection of modern and contemporary art. Among the 375 works represented (each with a vibrant image and an informative text), 170 objects and 120 artists make their first appearance in Highlights, reflecting MoMA’s ongoing commitment to the art of our time—and to the exhilarating diversity of ideas, audiences, and perspectives it embraces.

Esta exposición reúne cerca de un centenar de piezas que pertenecen al fondo del British Museum y que son originarias de un amplio territorio que abarca desde el Mediterráneo hasta Oriente Medio. Estos objetos, creados entre el 1.000 y el 300 aC, son una muestra elocuente de la diversidad de artículos de lujo producidos durante este periodo. Desde piezas de marfil hasta joyas y esculturas, los objetos de esta exposición no sólo exploran una artesanía exquisita, sino que también permiten percibir el contexto político en el que fueron creados y las redes comerciales a través de las cuales se difundieron.

Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos ni recetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder
" saborear "
una obra de arte en ausencia de su comprensión. Es decir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación es uno de sus postulados. Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en épocas diferentes y emplean estrategias de seducción diferentes: unas son imágenes hechas para príncipes ( " La Fiesta de Venus " , de Tiziano), otras para la Corte absolutista ( " La Rendición de Breda " , de Velázquez), y también para el público
" people "
(las serigrafías de Warhol), otras incluso para el propio artista (los autorretratos de Rembrandt). La capacidad de interpelación de la obra de arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretación. Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de
" La Fiesta de Venus "
de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tan sensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, más secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.

Detrás del Muro 2 documenta la segunda edición de un ambicioso proyecto artístico llevado a cabo durante la Bienal de La Habana, en el que el Malecón de la ciudad se transforma en un museo a pie de calle. Este libro reúne las esculturas, pinturas, murales, instalaciones y performances creadas por más de 50 artistas procedentes tanto de Cuba como del extranjero, subrayando la interacción entre las obras y el público.