Este libro no sólo analiza el desarrollo de las artes en Italia durante los siglos XVII y XVIII, sino que estudia, además, las transformaciones ideológicas y políticas que caracterizaron este período y que marcaron una importante diferencia con respecto al Renacimiento. Tomando como punto de partida
el Saco de Roma, se analiza el trasfondo espiritual de la Contrarreforma, el cambio en las ideas estéticas y el protagonismo de un nuevo escenario, Roma, en el que grandes arquitectos y escultores como Bernini y Borromini desarrollaron las obras más significativas de este período.
La pintura también ocupa una parte importante de este volumen, en el que se describen los principales ciclos de frescos del barroco romano y se analizan en profundidad grandes figuras, como Caravaggio o Guido Reni, para concluir con Giambattista Tiepolo y Canaletto.

Frente a la reducida visión de los especialistas, Rudolf Wittkower pone de relieve en esta obra cómo las diferentes culturas del este y el oeste pueden inspirarse recíprocamente sin por ello perder su originalidad. Esta peculiar «migración de los símbolos» la estudia Wittkower en la difusión mundial del motivo de «el águila y la serpiente» y, sobre todo, en las maravillas, monstruos y portentos que, vistos o imaginados en oriente, según el testimonio de Megástenes, Marco Polo y otros viajeros, pasaron a ser parte de la cultura europea. El otro gran tema del libro es la forma plástica de la que se han revestido en el arte occidental ideas tan significativas como las de Tiempo y Virtud, Paciencia y Ocasión, Muerte y Resurrección, junto con los intentos hechos en los albores del Renacimiento italiano para dar nueva vida a los jeroglíficos egipcios, entendidos como recipientes de una recóndita sabiduría. Rudolf Wittkower fija también su mirada en el «lenguaje gestual» que tanto llama la atención en las figuras de santos y ángeles de El Greco, reconstruye los pasos dados por Tiziano hasta pintar La religión socorrida por España, según puede ser contemplada en el Museo del Prado, y completa el círculo de sus indagaciones esclareciendo, con erudición y agilidad, la relación de la imagen y el concepto, la percepción y la interpretación, así como los diferentes niveles de significación que cabe hallar en los símbolos visuales.

Vinculado, como otros grandes historiadores del arte europeo, al fecundo Instituto de Londres Rudolf Wittkower (1901-1971) se distinguió por sus ejemplares estudios sobre la arquitectura y la escultura del Renacimiento y el Barroco: Architectural Principles in the Age of Humanism (1949), Gian Lorenzo Bernini (1955), Art and Architecture in Italy 1600 to 1750 (1958). La escultura, edición póstuma de una serie de conferencias pronunciadas en la Universidad de Cambridge en 1970-1971, no es una historia de la escultura occidental ni un manual de técnicas, sino una indagación en un campo menos explorado: la interacción de procedimientos de trabajo y principios formales, interacción que en el caso de la plástica determina, de manera más esencial y tangible que en otras artes, el carácter final de la obra y la formación de los estilos individuales y colectivos. Mediante el análisis atento de obras y testimonios directos, Wittkower ofrece una comprensión más profunda de la escultura de cualquier época, desde la Antigüedad hasta nuestros días, y una visión insospechada de esa permanencia de problemas y soluciones que hermanan la labor de los canteros medievales con los esfuerzos de un Brancusi o un Henry Moore.

Existe la creencia, casi unánime, de que los artistas tienen una personalidad distintiva y de que siempre son y han sido egocéntricos, caprichosos, románticos, rebeldes, informales, licenciosos, estrafalarios, obsesionados por su trabajo y de difícil convivencia. Los historiadores del arte han contribuido poco a este tema, pues no consideran que el psicoanálisis sea útil para las investigaciones históricas, lo que en cierto modo les ha privado de un conocimiento más profundo, tanto del comportamiento de los artistas antiguos y modernos como de sus obras.
Se trata, pues, de investigar cuándo, dónde y por qué se creó una imagen típica del artista en la mente del público en general y cuáles han sido sus rasgos distintivos y fortuna crítica. La respuesta se ha buscado en el maremágnum de fuentes históricas: biografías, cartas y documentos, es decir, que la investigación está enfocada rigurosamente hacia la documentación histórica.

• ISBN: 978-84-376-2409-9
• Estado: Como nuevo.
• Incluye 354 ilustraciones en blanco y negro.
• Versión española de Margarita Suárez-Carreño
• 14ª edición (2019. La primera edición se publicó en 1979).

Este libro no sólo analiza el desarrollo de las artes en Italia durante los siglos XVII y XVIII, sino que estudia, además, las transformaciones ideológicas y políticas que caracterizaron este período y que marcaron una importante diferencia con respecto al Renacimiento. Tomando como punto de partida
el Saco de Roma, se analiza el trasfondo espiritual de la Contrarreforma, el cambio en las ideas estéticas y el protagonismo de un nuevo escenario, Roma, en el que grandes arquitectos y escultores como Bernini y Borromini desarrollaron las obras más significativas de este período.
La pintura también ocupa una parte importante de este volumen, en el que se describen los principales ciclos de frescos del barroco romano y se analizan en profundidad grandes figuras, como Caravaggio o Guido Reni, para concluir con Giambattista Tiepolo y Canaletto.