T.S. Eliot (1888-1965) sigue siendo reconocido como uno de los grandes poetas del siglo XX. Deslumbró con sus primeros poemarios (Prufrock y otras observaciones, Poemas) y revolucionó la misma noción de poesía con La tierra baldía, bandera de las vanguardias. Como crítico y editor, priorizó la objetividad y la impersonalidad artísticas, contribuyendo a forjar los gustos y percepciones estéticas de su tiempo. A partir de su adhesión al anglocatolicismo y durante las décadas convulsas que desembocaron en la Segunda Guerra Mundial, evolucionó hacia lo que podríamos denominar «mística moderna» (Miércoles de ceniza, Cuatro cuartetos). Hacia el final de su carrera, deseoso de dar una mayor repercusión social a su poesía, la trasladó a los escenarios.
Interesado en el teatro desde siempre, Eliot se entregó a su nueva faceta de dramaturgo con humildad, pero con la aspiración de acuñar una poesía dramática genuinamente moderna para un público contemporáneo. Su teatro en verso tuvo un éxito considerable durante las décadas de los treinta y los cuarenta, con obras como La piedra (publicada ahora, en su versión completa, por primera vez en español), Asesinato en la catedral, Reunión familiar o El cóctel. En los cincuenta siguieron dos comedias (El secretario particular y Un político venerable) que confirmaban la apuesta de Eliot por un teatro comercial.
La obra dramática de Eliot transita, sin perder la coherencia de una visión del mundo crítica y trascendente, por terrenos tan distintos como la recreación histórica, la evocación del teatro clásico, la comedia de salón y la farsa. Las nuevas traducciones, introducciones y notas de esta edición la reivindican en su singularidad, variedad y capacidad de sorprender. El teatro de Eliot, injustamente olvidado, representa la continuación de la imaginación poética y el compromiso moral de un poeta imprescindible que se volvió «hombre de teatro» en una época de transformaciones fascinantes en las artes escénicas, en un período fronterizo de transición de lo moderno a lo posmoderno.

Los 35 textos reunidos en este volumen, fruto del II Congreso de la Asocia¬ción Internacional de Teatro Siglo XXI (AITS21) que reunió en Strasbourg a 52 participantes —investigadores y creado¬res—, dibujan la cartografía de las orien¬taciones teatrales hispánicas de los quin¬ce primeros años del siglo actual.
Pueden destacarse cuatro grandes características: la irrupción de todas las orientaciones “inter” y “trans” —tex¬tuales, mediales, identitarias, genéricas, culturales—, la emergencia de un grupo nutrido de autoras, dramaturgas y di¬rectoras, el impacto de la crisis del 2008 sobre las estructuras y estéticas teatrales, y la emergencia —pareja de estas tres orientaciones— de nuevas formas del llamado “teatro político”, concepto-mi¬to que necesita una revisión. Dejando de lado el debate de saber si al fin y al cabo todo teatro no es político, las creaciones examinadas invitan a matizar este con¬cepto en las más variadas declinaciones: “teatro implicado”, “teatro ciudadano”, “teatro relacional”, “teatro del disenso”, «teatro de urgencia», “teatro militante”, “teatro comprometido”, “teatro frontal¬mente político”, «teatro sobre la polí-tica», “teatro documentado metadocu¬mental”, “teatro de la visibilización de lo invisible”, “teatro agresivo”; y, conside¬rando las temáticas más recurrentes —que coinciden con los grandes debates de sociedad—: dramaturgias de la memoria histórica, de la inmigración africana, de la crisis, teatro transcultural, teatro queer. Es un teatro que se plantea a cada paso
esta cuestión: ¿cómo puede intervenir el teatro, y el arte en general, en el campo social?
La ambición de este congreso ha sido precisamente reunir a investigadores “implicados” —o sea que se interrogan sobre la utilidad de su investigación— para dialogar con un teatro «inquieto», «ebrio de preguntas» (Richter) que va esbozando y a la vez decontruyendo uto¬pías, distopías, contra-utopías e interro¬gándose sobre «la utilidad de su trabajo». «Mis piezas no pretenden que las cosas son inmutables, sino que podéis cam¬biarlas. Ahí está ya la utopía», declaraba Falk Richter en una entrevista de 2008. Esta es la manera en que los dramatur¬gos, autores, directores cuyas obras y es¬pectáculos se examinan en este volumen conciben su papel de soñadores, poetas y hacedores «inquietos» de utopías.

José Moreno Villa (Málaga, 1887 - Ciudad de México, 1955) es una de las personalidades intelectuales y artísticas más importantes en la vida cultural española de la primera mitad del pasado siglo XX. Poeta de primera magnitud y elogiado por los más grandes poetas de la llamada Generación del 27, con los que tuvo una estrecha amistad y sobre los que ejerció un notable magisterio, también como crítico literario o como ensayista, como editor de autores clásicos como Espronceda o Lope de Rueda y Juan de Valdés, tuvo un total reconocimiento. Su labor como traductor dio a conocer obras fundamentales de Schlegel, Schnitzler, etc., y la muy influyente Conceptos fundamentales en la historia del Arte, de H. Wölfflin. Como estudioso de la historia del arte y especialmente sobre Velázquez le dotó de un prestigio más que considerable.
Curiosamente su obra teatral, incomprensiblemente, ha pasado desapercibida. Sólo editó como libro Comedia de un tímido, y en revistas otras cuatro piezas en las que rebosa sensibilidad y poesía. Estas cinco piezas están reunidas en este libro junto al descubrimiento extraordinario de un inédito, manuscrito localizado en el legado del autor que se encuentra depositado en la Residencia de Estudiantes de Madrid.
De acontecimiento literario de primera magnitud podemos considerar la publicación de este libro. Luis Cernuda escribió que José Moreno Villa “es un poeta cuya obra refleja siempre una reacción personal frente a la vida, expresada sin alarde de virtuosismo poético, ni de singularidad distinguida: con sencillez y dignidad”.
Necesaria fue también la labor de Moreno Villa por su labor divulgativa del folklore infantil y juvenil español. Sus libros Lo que sabía mi loro y Posadas, villancicos, pastorelas fueron muy importantes entre los españoles del exilio, en ellos estaban escritas y dibujadas por el propio Moreno Villa las canciones y villancicos tradicionales infantiles de España.

Cuando dio por terminada la perífrasis de Macbeth, León Felipe (Tábara, Zamora, 1884 – Ciudad de México, 1968) escribió que había terminado el esfuerzo que más estimaba entre toda su obra poética. El asesino del sueño no es una traducción más de la tragedia de Shakeapeare, es un texto que ni es totalmente Macbeth, ni tampoco deja de serlo; León Felipe no se aleja de los fundamentos del autor inglés, porque para él las obras clásicas son un punto de arranque de un viaje interrumpible. Posiblemente sea el drama más terrible de Shakeapeare, donde el miedo está presente en cada escena, y es mucho más que un estudio sobre la ambición o el asesinato; más que una exposición de la anatomía del terror, es también un violento y terrible cuadro de la ambición humana.
León Felipe con sus paráfrasis lo que pretende son versiones en las que los textos resultantes se aproximen más en espíritu al original, pero no pretende su traducción. El asesino del sueño que nos ofrece León Felipe es una obra que no pierde ni la belleza ni el desasosiego, ni la sorpresa ni la seducción del original. Es una de las cumbres poéticas de León Felipe.

El presente volumen pretende plantear algunas líneas de reflexión sobre la relación actual entre Europa y América Latina a través de la experiencia teatral. Para ello reúne casi una treintena de trabajos de investigadores latinoamericanos y europeos organizados en tres partes, que conforman a su vez tres propuestas de investigación en torno a este contexto de interrelaciones. La primera de ellas, “Un pasado común: pervivencias y (re)interpretaciones del período colonial”, tendría como objetivo explorar la pervivencia de una teatralidad popular de origen medieval implantada en América como parte de un proceso de sincretismo cultural, así como la forma en que el teatro contemporáneo recupera el conflictivo pasado del descubrimiento y la conquista o la propia tradición cultural colonial. La segunda, “Realidades compartidas a lo largo del siglo XX. Exilios, migraciones, dictaduras”, nos sitúa ante un espacio común marcado primero por el exilio español tras el estallido de la guerra civil en el 36, y, ya en los años 70, por unas dictaduras latinoamericanas que provocarán nuevos exilios y un intento de recuperar la memoria histórica a un lado y otro del Atlántico; sin olvidar otras formas de denuncia de la represión y la corrupción del poder en contextos supuestamente democráticos como el mexicano. En la tercera parte del presente libro, “Viejas influencias, nuevos para- digmas”, se da cuenta (a través de ejemplos concretos) de la peculiar manera en que el teatro latinoamericano contemporáneo ha vuelto su mirada a los orígenes del teatro occidental y, de forma complementaria, se destacan algunos de los nuevos temas, las nuevas influencias y las nuevas propuestas que están determinando, en los albores del siglo XXI, un teatro latinoamericano cuya presencia en Europa es cada vez más visible. Las reflexiones teóricas del “Falso epílogo” cierran este panorama de reflexión en torno al teatro latinoamericano y sus relaciones con el teatro europeo que aspira a constituirse como una base sólida para futuros estudios sobre el tema.

Teatro y memoria en la segunda mitad del siglo XX. Recoge las sesiones plenarias impartidas por diversos especialistas y las comunicaciones expuestas (tras previa selección) en el XII Seminario Internacional del Centro de Investigación de semiótica Literaria, Teatral y Nuevas Tecnologías, de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, celebrado en la sede de la UNED (Madrid), bajo la dirección de José Romera Castillo, del 26 al 28 de junio de 2002.
En el volumen confluyen dos de las grandes líneas de investigación que se llevan a cabo en el SELITEN@T: de un lado, la escritura autobiográfica; y de otro, la vida escénica.

Del teatro al cine y la televisión en la segunda mitad del siglo XX recoge las sesiones plenarias y las comunicaciones expuestas (tras previa selección) en el XI Seminario Internacional del Instituto de Semiótica Literaria, Teatral y Nuevas Tecnologías, de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, celebrado en la Casa de América (Madrid), bajo la dirección de José Romera Castillo, del 27 al 29 de junio de 2001.

Los estudios sobre las relaciones de la literatura con el cine, como es bien sabido, son ya muy numerosos; pero los dedicados a los textos teatrales llevados al cine -y sobre todo a la televisión- no son tan abundantes. Elegir la segunda mitad del msiglo XX , como segmento cronológico de las investigaciones, se debe a que se ofrecen al mlector en este volumen radica en el examen de las especialidades de este trío de discursos diferentes que lejos de enrentarse se enriquecen mutuamente

Dubhe no puede esperar más.Dohor, el déspota de la Tierra del Sol, ya ha conquistado a sangre y a fuego casi la totalidad del Mundo Emergido en estrecha alianza con la Gilda de los Asesinos. Una alianza que cada vez se torna más peligrosa, pues la secta quiere resucitar a Aster en el cuerpo de San, el nieto de Nihal.El viejo Ido tiene la misión de proteger al niño con su propia vida, mientras Lonerin y Sennar han partido en busca del talismán del poder, el antiguo artefacto élfi co que, una vez más, podría decidir la suerte de la guerra.Pero Dubhe no puede esperar a que el rey sea derrotado: el símbolo de la maldición palpita en su brazo, y el único modo de librarse es ir al encuentro de Dohor en su palacio y matarlo cuanto antes.«Licia Troisi es el nuevo Tolkien? con faldas» Le Figaro (Francia)«Una historia muy bien escrita? para los fans de Eragon» Westfaelichen Nachrichten (Alemania)«Licia Troisi es la reina del fantasy» La Repubblica (Italia)