Una nueva obra de Lope de Vega sale a la luz.

Francia e Inglaterra acaban de sellar una paz que se confirmará mediante un matrimonio regio. Para ello, el heredero francés al trono recomienda enviar como embajador al conde Arnaldo a Londres. Lo hace con una intención oculta: alejarlo de su joven esposa, Laura, a la que pretende seducir.

La francesa Laura ha permanecido de incógnito durante siglos, pero gracias a la inteligencia artificial es más que evidente que no es una obra huérfana más, sino que todo apunta hacia la autoría de un Lope de Vega en la última etapa de su producción. Este hallazgo no solo es de una importancia capital porque constata las enormes posibilidades que nos ofrecen las nuevas herramientas digitales, sino también porque podemos añadir al corpus lopesco una nueva obra de sobrada calidad de uno de los grandes de la dramaturgia universal.

Nada más salir su Parte XX de comedias a inicios de 1625, Lope debía de estar pensando ya en publicar la XXI. Pero el Consejo de Castilla, en marzo de ese año, decidió no conceder más licencias para imprimir comedias ni novelas por razones morales. La suspensión, que duraría un decenio, desbocó la impresión ilegal y apócrifa de comedias. Lope siguió escribiendo y, ya anciano, cuando se volvieron a conceder licencias, había compuesto algunas de sus obras maestras que quiso incluir en esta Veinte y una parte, reivindicada como verdadera frente a las de los impresores sin escrúpulo. Incluyó obras recientes y otras más antiguas que tal vez había barajado estampar hacía tiempo; tragedias como La bella Aurora, mitológica, y la de ambiente palaciego El castigo sin venganza la comedia palatina de La boba para los otros y discreta para sí, la tragicomedia de tema histórico-dinástico El piadoso aragonés, dramas historiales con casos de honra como El mejor alcalde, el Rey, Los Tellos de Meneses y La victoria de la honra, pero lo que prefirió fueron comedias urbanas: ¡Ay, verdades, que en amor..."!, La noche de San Juan, Los bandos de Sena, El premio del bien hablar y Por la puente, Juana

Veinticinco siglos después de su creación, las tragedias de Esquilo, Sófocles y Eurípides continúan representándose en todo Occidente, siguen siendo objeto de relecturas y se demuestran actuales. Género que aúna emoción, reflexión y trascendencia, la fuerza de la tragedia radica en su múltiple significación y en la riqueza de pensamiento.

En esta obra, jacqueline de Romilly profundiza en los trágicos griegos para explicar en qué contexto se creó esta dramaturgia, de dónde surgieron sus temas y personajes, qué textos nos han llegado y cuáles se perdieron, y por qué siguen conmoviéndonos hoy tanto como a sus primeros espectadores.

Tito Macio Plauto (mediados del siglo III - h. 184 a. n. e.) es uno de los autores teatrales más importantes de la Antigüedad. Nacido en Sársina, en la región de Umbría, a pesar de su notoriedad, poco se sabe de su vida. Lo que sí es seguro es que, como autor de comedias, supo conectar con el gran público y cosechó un enorme éxito popular que ningún otro autor griego o romano posterior alcanzó. No es de extrañar que fuese imitado hasta la saciedad y que incluso Molière y Shakespeare buscaran inspiración en sus obras.

La comedia de la olla, uno de sus títulos más conocidos, basa su comicidad en el carácter de Euclión, un viejo que de la noche a la mañana se hace rico gracias al hallazgo de una olla de oro. Su actitud neurótica y ridícula le sirve al autor latino para mostrar los aspectos más negativos que la avaricia acarrea y convirtió a su personaje en el estereotipo de tacaño, muy reconocible en la sociedad romana.

«Los personajes de Plauto hablan como el pueblo romano de su tiempo, y hablan sin parar, con una verborrea maravillosa, llena de color, de matices, de refranes, de expresiones callejeras no raramente ordinarias y soeces». MARTÍN DE RIQUER

Con el paso del tiempo, Sófocles (c. 496-406 a.C) se ha convertido en el autor paradigmático de la tragedia griega, y sobre su obra descansa en gran medida nuestra comprensión de este género y de sus implicaciones filosóficas y religiosas. De entre su producción conservada, Áyax se considera su tragedia más antigua, deudora del estilo poético de Esquilo y, por lo tanto, un importante nexo de unión entre el teatro primigenio y un estadio posterior de depuración dramática.

Durante la guerra, Áyax reclama heredar las armas de Aquiles, pero se le niegan en favor de Odisea. Atenea, protectora del rey de Ítaca y resentida con Áyax, aprovecha la situación para vengarse de él poniéndolo en una situación ridícula. El héroe de esta tragedia, desmesurado en su arrogancia y su demencia, es víctima del pundonor y la pasión, pero afronta con nobleza su destino.

"Áyax no es simplemente un drama de culpa y expiación, sino la tragedia de un gran hombre que en su fuerza excesiva atrae sobre sí el rayo y recibe el fuego mortal con dignidad" Albin Lesky.

La Parte diecinueve y la mejor parte —así se anuncia en la portada— apareció en la primavera de 1624, casi dos años después de que Lope de Vega comenzara los trámites para su publicación junto con los de la Parte XVIII. El retraso, debido a una estrategia editorial para maximizar ventas, no afectó a la configuración de un volumen ambicioso, que refleja las aspiraciones cortesanas del Fénix y su orgullo como dramaturgo. De ahí que el prólogo dialogístico sea una apología de su dramaturgia, y las dedicatorias, dirigidas a hombres y mujeres cercanos al poder, alternen reflexiones sobre la historia con otras de índole literaria. Esta arquitectura paratextual acompaña a una muestra variada del teatro de madurez de Lope, que refleja su dominio sobre una pluralidad de géneros: comedias urbanas y palatinas (De cosario a cosario, Amor secreto hasta celos), dramas histórico-legendarios (La inocente sangre, El conde Fernán González, Carlos Quinto en Francia), dramas que beben de la tradición literaria (la bilogía Don Juan de Castro, la mocedad de Roldán), comedias religiosas (El serafín humano, La limpieza no manchada), una comedia mitológica (El vellocino de oro) y un drama palatino (El hijo de los leones).

Además de sus capitales contribuciones a la filosofía estoica, la obra de Séneca hace gala de, al menos, otro gran hito en el campo del teatro antiguo al haber escrito las únicas tragedias clásicas en latín que han llegado hasta nosotros. Este volumen completa el anterior dedicado al filósofo convertido en dramaturgo reuniendo las obras conservadas de época imperial, que continúan inspirándose en la literatura griega, con una curiosa e interesante excepción: Octavia, de discutida paternidad, pero excepcional al ser la única tragedia praetexta que se conoce. Publicado originalmente en la BCG con el número 27, este volumen presenta las traducciones de las siguientes tragedias de Séneca: Fedra, Edipo, Agamenón, Tiestes, Hércules en el Eta y Octavia, todas ellas realizadas por Jesús Luque Moreno (Universidad de Granada), y que han sido revisadas y actualizadas por él mismo para esta edición.

La Decimaséptima parte de comedias apareció en 1621, annus mirabilis para la impresión de las piezas de Lope, pues en pocos meses vieron la luz dos partes más, la XV y la XVI, amén de otras obras y reediciones. Se trata de un caso peculiar en la publicación de sus comedias: algo en el proceso editorial no debió de funcionar según lo previsto y el tomo decimoséptimo salió inesperadamente antes que el decimosexto. El corpus que Lope reunió aquí ejemplifica el amplio abanico de temas que su pluma era capaz de abarcar, desde piezas palatinas (El soldado amante, Muertos vivos, Lucinda perseguida y Quien más no puede) a comedias urbanas (El dómine Lucas y la boccacciana El ruiseñor de Sevilla), pasando por dramas históricos (El sol parado y El primer rey de Castilla) y moriscos (El hidalgo Bencerraje). Enriquecen esta variedad una comedia villana (Con su pan se lo coma), la historia dramatizada de Santa Ana (La madre de la mejor) y el híbrido novelesco de Jorge Toledano.

La Decimasexta parte es uno de los impresos teatrales más misteriosos y fascinantes de Lope de Vega.
Misterioso por la historia de su composición y publicación: con los trámites legales cumplimentados desde 1620, algo
alteró los planes y el volumen salió a finales de diciembre de 1621, cuando ya la siguiente parte estaba a la venta.
Tal vez un atasco en las atareadas prensas madrileñas, ciertas dificultades de orden personal del dramaturgo y, sobre
todo, la muerte de Felipe III en marzo de 1621 afectaron al proceso de edición. Y es fascinante por su contenido: Lope
ofrece al lector obras mitológicas que se habían representado en la corte con gran despliegue escenográfico, piezas
históricas, comedias genealógicas y palatinas, alguna reliquia de juventud y la espléndida Lo fingido verdadero,
híbrido de drama histórico y comedia de santos y el mejor ejemplo de «teatro en el teatro» de todo el Siglo de Oro. En
suma, la corte y el corral, los dioses y los hombres, y un teatro que se hace vida en el momento mismo en que la vida
se vuelve teatro.

Publicada en junio de 1620, la Parte Catorce constituye, junto con la Trecena, un segundo ciclo de edición
autorizada de comedias cuya preparación ocupó al Fénix casi todo el año de 1619. Como sucede en general con las partes
posteriores a la Docena, en la Catorce Lope acude a las compañías de teatro para recuperar sus textos, lo cual se
traduce en una presencia mayoritaria de comedias de cierta antigüedad.