Con el paso del tiempo, Sófocles (c. 496-406 a.C) se ha convertido en el autor paradigmático de la tragedia griega, y sobre su obra descansa en gran medida nuestra comprensión de este género y de sus implicaciones filosóficas y religiosas. De entre su producción conservada, Áyax se considera su tragedia más antigua, deudora del estilo poético de Esquilo y, por lo tanto, un importante nexo de unión entre el teatro primigenio y un estadio posterior de depuración dramática.

Durante la guerra, Áyax reclama heredar las armas de Aquiles, pero se le niegan en favor de Odisea. Atenea, protectora del rey de Ítaca y resentida con Áyax, aprovecha la situación para vengarse de él poniéndolo en una situación ridícula. El héroe de esta tragedia, desmesurado en su arrogancia y su demencia, es víctima del pundonor y la pasión, pero afronta con nobleza su destino.

"Áyax no es simplemente un drama de culpa y expiación, sino la tragedia de un gran hombre que en su fuerza excesiva atrae sobre sí el rayo y recibe el fuego mortal con dignidad" Albin Lesky.

El poder es escena: eso cifra la revolución política que, en el siglo XVII, hace nacer el Estado moderno: capacidad de construir la imaginación del súbdito. Y de modelar así sus emociones, sus afectos y representaciones, su subjetividad en suma. El arte pasa entonces a ser cuestión de Estado. Y la gran partida se va a jugar en las salas de teatro, que son los más acabados espacios de construcción sentimental; aquellos donde para ser conmovido no hace falta ni siquiera saber leer. El teatro es accesible a todos, también a las mujeres. Eso lo hace potentísimo. O peligrosísimo. Las prohibiciones teatrales en Inglaterra y en la Suiza de Calvino anuncian la batalla. ¿Quién está legitimado para envenenar la mente del fiel, imprimir en las mentes de los espectadores los cánones de sus afectos? Pierre Nicole, editor de los Pensamientos de Pascal e ideólogo central del jansenismo afrontó en su Tratado de la Comedia la incompatibilidad de teatro y la vida cristiana: el autor teatral era un "envenenador de almas". Y todos percibieron que cualquier escena -también la política- quedaba deslegitimada. Corneille, Racine, Molière... se lanzaron a un debate en el cual se jugaba su oficio. El resultado es una de las más bellas justas intelectuales del siglo XVII francés.

El volumen presenta un abanico muy diferente de comedias en cuanto a época de composición y género: la Segunda parte del Séneca de España, don Felipe segundo, pertenece a la última fase antes de la enfermedad de Juan Pérez de Montalbán y completa una trilogía histórica que el dramaturgo madrileño dedicó al reinado de Felipe II; mientras que las dos comedias de capa y espada, La deshonra honrosa y Amor, lealtad y amistad se escribieron en los años juveniles y giran alrededor del conflicto entre el servicio amoroso, el respeto de los amigos y la obediencia al rey.

En "Seis personajes en busca de autor" el tema básico es la reflexión sobre la identidad humana a partir de la confusión entre actores y personajes. Seis personajes en busca de su propia identidad, como personajes de ficción o como seres de carne y hueso, que sufren y luchan, pero que no pueden evitar el destino que para ellos tiene reservado su creador, que los abandonó a su suerte y los obligó a buscar otro autor que les diera vida.

"Casa con dos puertas, mala es de guardar" ejemplifica la maestría en el engranaje preciso de un dramaturgo ya maduro que domina a la perfección el juego teatral de este tipo de piezas (comedias de capa y espada) e ilustra con claridad la actitud de un poeta dramático que sabe evadirse con oficio de la repetición formularia de un artilugio teatral a través de la experimentación y la aplicación de nuevas e ingeniosas formas de resolver un enredo excesivamente tipificado.

-- Edición de Davinia Rodríguez Ortega, Paula Casariego Castiñeira, Giulia Tomasi y Claudia Demattè.

En el marco del Segundo tomo de comedias de Juan Pérez de Montalbán, publicado de forma póstuma en Madrid en 1638 por Alonso Pérez, conocido librero y padre del dramaturgo, se ofrecen al lector experto los textos de Como amante y como honrada, comedia de capa y espada, rebosante de intriga amorosa con dos parejas de galanes y damas por protagonistas, don Lope y don Juan, además de las hermanas doña Leonor y doña Ana; Don Florisel de Niquea, escrita por el dramaturgo siguiendo la fama alcanzada siglos atrás por los libros de caballerías, en la que se cuentan las peripecias de los amantes Florisel y Clorinda, que si bien creen que son hermanos, finalmente descubren su verdadero origen y puedes prometerse; y Teágenes y Clariquea, inspirado en la novela de género bizantino Etiópicas escrita por Heliodoro y similar en argumento al Florisel, ahora con Teágenes y Clariquea como personajes principales tratando de defender su amor de las pretensiones de Sinforosa y Eumenes. El proyecto “Juan Pérez de Montalbán: un autor madrileño recuperado” continúa en la publicación de la obra completa del dramaturgo después de la aparición, en esta misma colección, de otros cuatro volúmenes que recogen las doce comedias del Primer tomo y un quinto con tres comedias sueltas (vol. 3.1)

Antonio y Cleopatra, última tragedia de amor de Shakespeare, es la única en la que el tema amoroso está fatalmente ligado a la lucha por el poder. La acción se despliega en una continua alternancia entre Roma y Alejandría como extremos opuestos del mundo antiguo y símbolos del conflicto de Antonio entre su deber romano y su pasión egipcia.

Escrita hacia 1607, parece que en ella Shakespeare se hubiera propuesto enfrentarse a las tendencias neoclásicas ya iniciadas en su época y desafiar la racionalidad de lectores y espectadores. Pues, si osado es el amor de los protagonistas, el estilo y la estructura de la obra no lo son menos. Sea o no, como se ha sugerido, una obra experimental, Antonio y Cleopatra es sin duda diferente, y no es de extrañar que se la haya llamado la tragedia gozosa de Shakespeare: no lloramos la pérdida trágica que nos presenta, sino que su final nos agrada y satisface.

Fue Coleridge el primer poeta que se sintió hechizado por el estilo de Antonio y Cleopatra, singularmente por la audacia de sus aciertos expresivos. Sin embargo, hubo que esperar al siglo XX para que sea generalmente reconocida: T.S. Eliot la proclamó, con Coriolano, el mayor logro artístico de su autor, y, según Harold Bloom, si alguien quiere ver lo que Shakespeare era capaz de hacer, y en una sola obra, lo puede encontrar en ésta.

Ricardo II pertenece a la serie de dramas históricos ingleses escritos por Shakespeare. Narra los acontecimientos que tuvieron lugar a raíz de la usurpación del trono por Ricardo en 1399 y el consiguiente advenimiento de la dinastía de los Lancaster. El drama gira en torno a la pérdida, conservación y conquista del poder, pero, a diferencia de las anteriores obras históricas, Shakespeare va más allá de los avatares del juego político e indaga en la condición humana del rey, en el comportamiento de los hombres y en las razones de sus actos. Su estilizado lenguaje, reflejo de la ceremonia y la pompa de la corte medieval, al dejar un resquicio para expresar el lamento, coexiste con el tono elegíaco y personal tan característico de este drama. Ángel-Luis Pujante, catedrático de la Universidad de Murcia y reconocido especialista en la obra de Shakespeare, es autor de esta excelente traducción, que ofrece arropada por un riguroso análisis de la base histórica del drama y de sus singulares características literarias.

La Parte diecinueve y la mejor parte —así se anuncia en la portada— apareció en la primavera de 1624, casi dos años después de que Lope de Vega comenzara los trámites para su publicación junto con los de la Parte XVIII. El retraso, debido a una estrategia editorial para maximizar ventas, no afectó a la configuración de un volumen ambicioso, que refleja las aspiraciones cortesanas del Fénix y su orgullo como dramaturgo. De ahí que el prólogo dialogístico sea una apología de su dramaturgia, y las dedicatorias, dirigidas a hombres y mujeres cercanos al poder, alternen reflexiones sobre la historia con otras de índole literaria. Esta arquitectura paratextual acompaña a una muestra variada del teatro de madurez de Lope, que refleja su dominio sobre una pluralidad de géneros: comedias urbanas y palatinas (De cosario a cosario, Amor secreto hasta celos), dramas histórico-legendarios (La inocente sangre, El conde Fernán González, Carlos Quinto en Francia), dramas que beben de la tradición literaria (la bilogía Don Juan de Castro, la mocedad de Roldán), comedias religiosas (El serafín humano, La limpieza no manchada), una comedia mitológica (El vellocino de oro) y un drama palatino (El hijo de los leones).

Hay una vena misógina antiquísima, milenaria, que se pierde en la noche de los tiempos. Pero Lope se desmarca de ella. Porque las mujeres no fueron para Lope solo un radiante objeto de deseo, sino que virtudes que otros atribuían exclusivamente a los varones (prudencia coraje, osadía, inteligencia...) quedan encarnadas en muchas de las protagonistas de sus comedias. Y El alcalde mayor es su mejor ejemplo. Obra especialmente singular, porque, dentro de los cánones del nuevo teatro creado por el propio Lope, tiene a la mujer, Rosarda, como protagonista exclusiva, muy por encima del resto de los personajes.
"O el destino de una mujer que iba para casada..." rezaba el subtítulo original. Pero Rosarda, que, tras estudiar Leyes en la Universidad de Salamanca, gana un enredoso pleito en Valladolid, ante el más alto tribunal de justicia de España, y luego, en su Toledo natal, llegará a ser alcalde mayor de la capital del reino. Y ella, y solo ella, será quien decida sobre su propio destino.