Los aforismos y las imaginaciones que Franz Kafka elaboró en más de cien papelitos numerados durante una estancia de ocho meses en el pueblo bohemio de Zürau se cuentan entre sus textos más herméticos. En ellos, Kafka se ocupa de cuestiones filosóficas clásicas—la relación entre la verdad y la mentira, el bien y el mal, el mundo espiritual y el mundo sensible—, pero las aborda sirviéndose de poderosas imágenes. Reiner Stach rastrea el contexto creativo y biográfico de estas piezas brevísimas en su «Prólogo» y ofrece un comentario de cada una de ellas que revela hasta qué punto la coherente lógica visual de Kafka abre el camino a la comprensión de estos textos aparentemente impenetrables. Una edición que ilumina estos fascinantes enigmas kafkianos sin traicionar sus claroscuros.

Una leve exageración, la obra más personal de Zagajewski, no es una autobiografía al uso, sino un texto digresivo, aforístico, una suerte de dietario sin orden cronológico en el que el poeta comparte con el lector episodios de su histo ria personal—de la Segunda Guerra Mundial y la deportación de su familia tras la ocupación de Polonia al funeral de Joseph Brodsky en Ve necia—entrelazados con impresiones sobre la historia de Europa, la guerra y la ideología, así como la literatura y el arte que más han mar­ cado su trayectoria. «“Una leve exageración” es, de hecho, una buena definición de la poesía [...] La poesía es una leve exageración mien­ tras no hacemos de ella nuestro hogar, porque entonces se vuelve realidad. Y luego, cuando la abandonamos—porque nadie puede morar en ella siempre—, vuelve a ser una leve exagera­ ción». Y es que, para Zagajewski, la poesía es ese ligero desplazamiento de lo real que per mite transmutar la vida en arte.

Georges Braque publicó en diciembre de 1917 unas notas sobre su pintura en la revista de vanguardia “Nord-Sud”, propiciada por el poeta Pierre Reverdy. En ellas pretendía mostrar «la orientación de un arte», el cubismo, que había dado lugar «a tan diversas interpretaciones». Años más tarde reescribió esas notas y añadió otras nuevas, agrupándolas en el opúsculo “El día y la noche”, que ahora publica la editorial Acantilado junto con aquellas primeras que están en su germen. El lector encontrará en este libro un documento de primera mano para comprender una de las tendencias más creativas del arte del siglo XX, en especial en sus aspectos clasicizantes y esencialistas, así como el testimonio de la evolución intelectual de uno de sus grandes pintores.
“El sentido del humor no falta en algunas páginas. Un conjunto de reflexiones indispensables sobre la estética.” (Dolors Massot, ABC).
“ Una reflexión estética casi wittgensteiniana en brillantez y concisión.” (J.F. Yvars, La Vanguardia).
“ Cercando, sin querer, la estética de Stéphane Mallarmé; componiendo borradores que habrían facilitado a Oscar Wilde su concepción estética; moldeando lo fortuito y lo imprevisible que los surrealistas se encargarían de erigir en templo.” (M. José de los Santos, El Periódico).
“Braque lega sus cuadernos a otra disciplina, la literatura, que debe agradecerlos e incorporarlos como pedazos de un pintor tocado por la gracia de la pluma.” (M. José de los Santos, El Periódico).
“Un libro de aforismos de Braque que desmonta los tópicos más extendidos sobre su arte.” (Xavi Ayén, La Vanguardia).
-- George Braque (Argenteuil, Francia, 1882 - París 1963) fue uno de los más importantes pintores de la espléndida vanguardia de principios del siglo XX. En 1907 pasó a formar parte del importante grupo de artistas que se reunieron alrededor de Daniel-Henry Kahnweiler, que acababa de abrir en París la pequeña galería destinada a jugar un papel tan sustantivo en el desarrollo del arte contemporáneo. Juanto a su coetáneo Pablo Picasso, fue el creador del cubismo.
-- Traducción: Ramón Andrés y Rosa Rius Gatell.

El "Breviario de la aurora", nacido con voluntad de concisión, es un texto paralelo a la "Enciclopedia del crepúsculo". Está formado por 360 voces o definiciones, organizadas alfabéticamente, en las que el autor se ha exigido el reto de la brevedad: ninguna de ellas podía superar las tres líneas, siendo preferible, en las más, un laconismo todavía mayor. Aunque escritas en cualquier momento del día, la gran mayoría de esas definiciones o voces surgieron neblinosamente tras el sueño (y demasiado a menudo tras el insomnio).

"También nos enamoran las ideas". Aventura de aforismos y pensamientos, "El equilibrista" es el primer volumen de ensayo de Andrés Neuman. A través de una rigurosa construcción, este libro nos propone un recorrido fulgurante por la vida cotidiana y sus costumbres (I), la estética y el arte (II) y la literatura y la escritura (III). En cada uno de sus aforismos el lector encontrará una descarga de luz, una idea concentrada hasta el límite. Fiel a la metáfora del título, el funambulismo del pensamiento se mueve entre extremos que lo solicitan y a los que deberá atender salvando el abismo sobre el que progresa. El volumen se cierra con una serie de microensayos que reflexionan sobre la naturaleza del lenguaje literario, los tipos de lector, la situación de la novela y las polémicas sobre el realismo, la poesía española o la estética contemporánea. Consciente de que "el estilo es una autobiografía", la escritura de "El equilibrista" no duda en beber de distintos géneros para consumar su precisión. Enérgico y rebelde, su vitalismo se emociona con el vértigo."

"¿Cómo es posible que ciertos tipos digan bellas frases a la hora de su muerte? El «todo está bien» de Kant, o el «más luz» de Goethe, o el «mañana qué vendrá» de Pessoa, o incluso, a la manera de Sócrates, el «llévense de aquí a las mujeres» de Herculano. A la hora de la muerte lo que se debería hacer es estar callado. Es lo que debería de apetecer a medida que se fuera llegando allí. De ahí que quizás el hecho de que no se pierda el habla, aunque sea el lamento, es la señal de que todavía se está vivo. Pero si la cosa duele, se queda quieto y callado, esperando. La gran verdad de la vida es la muerte. Y un muerto está tranquilo. ¿Cómo es posible que algunos a la hora de la muerte tengan la insolencia de hacer frases?" (Vergílio Ferreira).
Vergílio Ferreira (Melo, 1916–Lisboa, 1996), novelista, ensayista y profesor, es una voz potente y singular de la literatura europea del siglo XX. Su trayectoria literaria parte del neorrealismo y el compromiso social hasta llegar a una prosa de corte existencialista. Es autor, además de de "Pensar", escrita en 1969, de las obras de ficción "En nombre de la Tierra" (1990), "Alegria Breve" (1965), "Nítido Nulo" (1971), "Para sempre" (1983), "Na tua face" (1993) y "Cartas a Sandra" (1996), y de la antología de ensayos "Espaço do Invisible" (1965, 1976, 1977, 1987).

"Pensar es un libro grande sostenido por la tensión de una vida y por la voluntad de nombrar y desentrañar sombras, desvanecer nieblas y componer sueños. Vergílio Ferreira es un autor de primer orden." Miguel Sánchez-Ostiz, ABC.
"Los pensamientos de Vergílio Ferreira surgen en el filo de lo impensable, con el poder iluminador del estilo que concibe la palabra como límite y posibilidad." Rafael Narbona, "El Mundo".
"Vergílio Ferreira reflexiona sobre la identidad del hombre y su lugar social, y lo hace siempre con un lenguaje sobrio y pulcro al mismo tiempo, que atrapa al lector y lo arrastra al laberinto de preguntas sin respuesta que esconde su pensamiento." Antonio Sáez Delgado," El País".

Poeta místico encerrado en la sempiterna contemplación de las armonías invisibles y su criptografía, despiadado polemista (entre la delicadeza y la furia), antimoderno (en el sentido que le da Antoine Compagnon) y profundamente antiburgués, Léon Bloy empezó a escribir en 1900 esta "Exégesis de los lugares comunes", que continuó en 1913 con una segunda entrega. Su objetivo final era retratar a «los imbéciles, lamentables y definitivamente idiotas de este siglo». De lectura feliz, singularmente rotundo e invectivo, el libro diseca una colección de frases hechas que atestiguan tanto su vaciedad estricta como la de quien las formula. Un retrato inmisericorde hecho por quien—en palabras de Remy de Gourmont—fue uno de los mejores creadores de imágenes que haya dado el mundo.

Lúcido y erudito, poseedor de un estilo tan arbitrario como incisivo, Guido Ceronetti recoge en "El silencio del cuerpo" sus reflexiones, lecturas e intuiciones sobre el cuerpo: una summa que no se priva de acudir a las más diversas fuentes (del Génesis al Newsweek) ni de acoger a los personajes más diversos (de Hipócrates a Jack el Destripador) para ofrecernos una reflexión irónica, desapasionada y—digámoslo tal como es—sabia. Tan sabia que con frecuencia parece querer desnortarnos, ora con apostillas sagaces—«La autoridad, dice Moses Mendelssohn, sólo puede humillar, no enseñar»—, ora con aforismos sublimes: «En estos orificios y cuchitriles que somos vive un rostro oculto que no se nos parece.» Su lectura supone una revelación intemporal, con la densidad de la mejor literatura.