Para comprender mejor la música de Mozart hoy, dos tareas historiográficas parecen esenciales: en primer lugar, situar la obra del compositor en la cultura de su tiempo, es decir, la Ilustración tardía; en segundo, considerar la relación entre ciertos aspectos de sus composiciones y la estética del primer Romanticismo alemán. Este enfoque resulta particularmente pertinente en el estudio del Réquiem de Mozart, cuya historia no sólo es fascinante, rica y compleja, sino que también está llena de espejismos, trampas y malentendidos. Miguel Ángel Marín los analiza y explica magistralmente con el fin de desbrozar el camino para entender el impacto que supuso en España (y en algunos lugares de América Latina) la audición del Réquiem a lo largo del siglo xix. Un estudio tan exhaustivo como lúcido y ameno sobre una de las contadas obras musicales que han alcanzado popularidad universal en la milenaria historia de la música.

La melodía del violín de Lev fascinó a Helena Attlee desde la primera vez que la oyó en un concierto. Pronto averiguó que se trataba de un viejo instrumento italiano que llevaba el nombre de su antiguo propietario ruso y contaba con una rica historia. Ávida por descubrir los detalles de su origen y el resto de secretos que albergaba su delicado cuerpo de madera, Attlee se dirigió a Cremona, la cuna del violín italiano y el punto de partida de un extraordinario viaje de fin inesperado.
A través de las visitas a talleres polvorientos, bosques alpinos, iglesias venecianas, lujosas cortes florentinas y remotos mercadillos rusos, El violín de Lev nos lleva del corazón de la cultura italiana a sus más lejanos confines. Una historia asombrosa de lutieres y científicos, príncipes y vagabundos, instrumentistas, compositores y viajeros, que es a la vez una conmovedora meditación sobre el poder de los objetos, de los relatos y de la música para crear culturas enteras y transformar la vida de las personas.

Se han escrito muchos libros sobre la obra de Beethoven, pero por su concisión, claridad y agudeza, así como por su importancia en la historia de la musicología, este ensayo no tiene parangón. Lejos de tratarse de un simple análisis cronológico de la obra del compositor, Donald F. Tovey—pianista, compositor y musicólogo de gran prestigio—condensa de un modo brillante los rasgos distintivos de su música. Tras años dedicados al estudio de Beethoven, analiza con detalle algunas de sus composiciones, considera los aspectos constructivos y estéticos de las mismas y hace importantes observaciones sobre numerosas cuestiones que pocos se han atrevido a abordar. Un libro que fascinará no sólo a los admiradores de Beethoven, sino también a aquellos que se adentran por primera vez en el universo de uno de los compositores más innovadores de todos los tiempos.

En este extraordinario libro, Ramón Andrés conversa con los autores del pasado y traza de manera novedosa en nuestra lengua una historia de la filosofía de la música. Siguiendo la senda de Boecio, que habló del «consuelo de la filosofía», el autor nos habla del «consuelo de la música» y nos ofrece un texto sabio y cercano gracias al cual el lector descubrirá que escribir sobre música no es únicamente un modo de prolongar el consuelo, sino que es una forma de conservar nuestra irrenunciable reserva de libertad.

El año 1853 fue crucial para la historia de la mú sica: Brahms, a sus veinte años, conoció a Ber­lioz, Liszt y Schumann; Berlioz y Wagner ini ciaron la composición de piezas tan fundamentales como Los troyanos y El anillo del nibelungo respectivamente, y Schumann, próximo ya a su trágico fin, dejó de componer. Hugh Macdonald ahonda en la vida cotidiana de los protagonistas de su relato para mostrar cómo la internacionalización de la escena musical—gracias a una intensa correspondencia y a la rápida expansión de la red ferroviaria que se extendía de Londres y París a Leipzig y Zúrich—hizo posible que se gestaran las innovaciones que caracterizarían la música de las siguientes déca­ das. Una vívida crónica, tan rigurosa como vibrante, del momento decisivo que marcó el final del romanticismo ingenuo de Berlioz y Schumann, y la llegada de la poderosa política musical de Wagner, pero también—a juicio de muchas voces de la época—de su antídoto, la obra de Brahms.

Desde el nacimiento de la música clásica, las mujeres que se atrevieron a componer fueron tratadas, en el mejor de los casos, con condescendencia: su vida sexual era objeto de escrutinio y a menudo servía para cuestionar su autoría. Sin embargo, las ocho protagonistas de este ensayo— Caccini,Strozzi, Jacquet de la Guerre, Von Martines, Hensel, Schumann, Boulanger y Maconchy—desafiaron las convenciones sociales que trataban de excluirlas del ámbito artístico y, pese a las adversidades, lograron fraguar una obra propia. Desde la Florencia renacentista hasta el Londres de la década de 1940, Anna Beer nos acerca a las extraordinarias vidas y obras de estas compositoras, narra las vicisitudes que experimentaron, explora las circunstancias en las que crearon sus principales piezas y considera los motivos por los que, aún hoy, éstas siguen sin interpretarse. Armonías y suaves cantos es una celebración del talento y la tenacidad de unas creadoras injustamente ignoradas por el canon musical, y un retrato informado e inspirador de unos logros artísticos dignos de nuestro legado cultural.

Ian Bostridge comparte en estas páginas su pasión por una de las obras más extraordinarias y enigmáticas de la música occidental, el schubertiano ciclo de Lieder Viaje de invierno, del que en la actualidad es uno de sus más celebrados intérpretes. Examinando uno a uno los veinticuatro poemas de Wilhelm Mu?ller que lo integran, descifra sus enigmas y sutiles significados, así como las circunstancias biográficas del compositor y los condicionantes históricos que pudieron intervenir en la concepción de una de las más perfectas simbiosis de música y poesía. El resultado es un ensayo cautivador e ilustrado en el que distintos saberes, imágenes y lecturas?desde Jean-Jacques Rousseau o Immanuel Kant, pasando por Johann Wolfgang Goethe, Mary Shelley o Charlotte Brontë, hasta Samuel Beckett o Slavoj ?i?ek?dialogan para hacer de este singular viaje al corazón del romanticismo alemán una auténtica aventura que atrapará a expertos y neófitos por igual.

Con Mademoiselle, Bruno Monsaingeon nos ofrece -como ya hizo en Glenn Gould. No, no soy en absoluto un excéntrico- el testimonio de un personaje excepcionalmente lúcido y fascinante, Nadia Boulanger, «la Música personificada » según Paul Valéry. Pianista, directora de orquesta, mentora de Stravinski y maestra, durante sus casi setenta años de carrera formó a un buen número de notables compositores, directores e intérpretes del siglo xx, desde Gardiner, Markévich, Barenboim, Glass, Bernstein o Menuhin hasta Piazzolla o Quincy Jones. A partir de los materiales reunidos durante las conversaciones con Boulanger en sus últimos seis años de vida, Monsaingeon recopila y ordena las entrevistas para recrear la voz y evocar la presencia de la gran maestra de maestros. Un conmovedor homenaje a una figura admirable, sumamente influyente por sus indiscutibles dotes musicales y por su inolvidable magisterio.

En este ensayo Wolff analiza las implicaciones biográficas y musicales del nombramiento de Mozart en la corte del emperador José II de Viena, el «estilo imperial» en sus obras más representativas del período y un repertorio de piezas, la mayor parte desconocidas, que dejó inacabadas. Sin duda, el servicio imperial como compositor de cámara, que había supuesto un sueldo fijo, un título prestigioso y escasas obligaciones, contribuyó a su prolífica producción, cuyo inicio marcan las tres grandes sinfonías de 1788. A través de documentos, partituras y cartas de Mozart a sus allegados, Wolff no sólo crea un intenso relato, sino que ofrece una perspectiva nueva y sólida sobre la relación entre las inquietudes artísticas del maestro y las expectativas económicas.

En 2007 Barenboim y Chéreau trabajaron juntos en una nueva producción de Tristán e Isolda, obra capital de Wagner y de la ópera moderna. Este libro es el fruto de las conversaciones que el director musical y el director de escena mantuvieron durante el montaje, y así ofrece a los lectores?no únicamente los melómanos insobornables?la posibilidad de presenciar un rito excepcional: la construcción del espectáculo visual y sonoro de una obra maestra como Tristán e Isolda. Jamás dos artistas habían demostrado tanto entusiasmo por compartir con el público el proceso creativo al montar el espectáculo operístico de una pieza crucial para el desarrollo de la música moderna. Una apasionada meditación a dos voces sobre la riqueza de la ópera, que nos ayuda a entender el proyecto wagneriano de la «obra de arte total» en la que fundir música, danza, poesía, pintura, escultura y arquitectura.