* Pink Floyd. Tras el muro abarca casi medio siglo de rock y muestra la espectacular y variopinta historia de la banda psicodélica más popular de todos los tiempos. Desde sus orígenes en Cambridge con Syd Barrett como autor de las letras hasta la inolvidable grabación de Dark Side Of The Moon y la disolución de la banda, esta es la primera historia completa
ilustrada de Pink Floyd. * Descubra los secretos que ocultan las canciones, la evolución de sus legendarios espectáculos de luces y muñecos, las amargas disputas y mucho más. * Incluye una completa discografía y más de doscientas imágenes de Syd Barrett, Roger Waters, David Gilmour, Rick Wright y Nick Mason (así como fotografías de conciertos y de sus vidas privadas), que le permitirá conocer la vida secreta de una de las bandas más revolucionarias de todos los tiempos.
En esta historia completa ilustrada sobre la banda desde 1965 hasta la actualidad, el escritor y periodista Hugh Fielder se asoma "tras el muro" y repasa la fascinante madurez de la banda, además de analizar la progresión de sus revolucionarias grabaciones, las crecientes tensiones que llevaron a su disolución, así como la banda en la actualidad.
El autor explica los entresijos de la historia de la formación de la banda, en 1965, con el genio creativo de Syd Barrett para escribir letras y los conciertos psicodélicos de la banda en el club UFO, hasta las revolucionarias grabaciones de Dark Side Of The Moon, el álbum que sigue vendiendo cerca de un cuarto de millón de copias cada año.

* Se han precisado 592 páginas para descifrar, analizar y explicar el sonido Pink Floyd, que transformó la historia de la música.
* Un análisis en profundidad de las 179 canciones del grupo, grabadas primero con Syd Barrett y luego con David Gilmour.
* Unas canciones publicadas entre 1967 y 2014 que muestran la pujanza de la formación británica, que, liberada de la influencia estadounidense, modeló una música poliédrica: psicodélica, espacial, sinfónica, balada acústica e incluso hard rock.
Año 1966. Mientras los jóvenes vivían las horas más épicas y exultantes del Swinging London, un grupo causaba sensación: Syd Barrett, Roger Waters, Rick Wright y Nick Mason tocaban el blues rock como nadie. Se trataba de un blues rock psicodélico, alucinado. Unos meses más tarde, en 1967, grabaron sus primeros singles: "Arnold Layne"/"Candy And A Currant Bun" y "See Emily Play"/"Scarecrow" y luego, su primer álbum: The Piper At The Gates Of Dawn. Había comenzado la prodigiosa carrera de Pink Floyd.
El estudio de las letras, la inmersión en el proceso creativo del grupo en el estudio de grabación, el detalle de la intervención de los productores y los ingenieros de sonido y los instrumentos utilizados: nada se ha dejado al azar al sumergirnos en el corazón de la música de Pink Floyd.

Este es un libro sobre música pop. Todo aquel que no sea fan de ésta entra aquí por su cuenta y riesgo

Un paseo del autor por las canciones de su vida.

Las canciones son el eje alrededor del cual gira todo, y el nexo de unión entre las diversas historias (ficticias o no) que se cuentan. El libro no pretende ser ensayístico ni autobiográfico en cada uno de los caminos que va tomando, así que el autor puede permitirse incorporar narrativa, diálogos, listas, y lo que se le vaya ocurriendo graciosamente. También tienen cabida situaciones cotidianas. Estas pueden ser similares en tono y contenido a la serie de columnas que al autor realizó para La Vanguardia y Catorcephenia. Es decir, basarse en la misma línea temática: la relación del autor y sus canciones con otra persona, en este caso su mujer, que aparecería regularmente en cada capítulo, incluso situando la acción en el momento de escribir el libro.

En esta apasionante, extensa y exhaustiva entrevista, Will Oldham, el cantautor de Kentucky detrás del proyecto Palace, más conocido como Bonnie ‘Prince’ Billy, relata su periplo vital y creativo. Músico inclasificable —su música se nutre de géneros como el rock, el pop, el folk, el country, el bluegrass y la música étnica, aunque es refractaria a todos ellos— y también actor —ha trabajado a las órdenes de directores tan prestigiosos como John Sayles o Kelly Reichardt—, Oldham es uno de los creadores más inquietos y vitales de la música popular norteamericana y el autor de algunas de las mejores canciones de los últimos años.
La entrevista de Oldham / ‘Prince’ Billy con Alan Licht también es en cierto modo el texto fundacional de una generación de músicos, vinculados a sellos independientes como Drag City, que ha forjado una forma musical singular alejada del mainstream. En el relato de su vida, Oldham explica cómo a lo largo de los años ha logrado conquistar un estatus que le ha permitido controlar todos los aspectos involucrados en la creación, no solo la escritura o la producción de sus álbumes, sino también cuestiones tan importantes como la promoción y el diseño de sus discos, los destinos de sus conciertos —en los que ha aprendido a reinventar su repertorio en directo—, y, sobre todo, a escoger y rodearse de amigos y músicos con los que comparte una misma visión del mundo, haciendo que su oficio sea también una forma de vida que, ante todo, quiere privilegiar la libertad.

Durante toda su vida, Greil Marcus -uno de los mejores pensadores vivos de la cultura popular, académico del rock y experto en Dylan- ha escuchado a The Doors, la banda liderada por el carismático y oscuro Jim Morrison, que, en tan solo cinco años (1967-1971), grabó algunas de las mejores canciones de la historia del rock. Con su estilo radical e inconfundible, Marcus trasciende la atenta escucha de las canciones de la banda —no solo las versiones de sus temas más conocidos, sino también las que interpretaron en directo, donde la banda solía reinventar su propio repertorio— y proyecta una de las miradas más inteligentes y brillantes sobre el legado cultural de la década de los 60.
Además de los momentos decisivos de la historia de la banda, Greil Marcus convoca algunas manifestaciones artísticas clave y personalidades del imaginario colectivo norteamericano en un relato torrencial que, ante todo, rehúye el tópico de los 60 como la década de la paz, el amor fraternal y la liberación, detectando sus agujeros negros e instantes decisivos que la música de The Doors reveló mejor que nadie.
Escuchando a The Doors es también una lección magistral de crítica de cultura popular y de cómo la literatura y el pensamiento pueden abordar la divulgación musical. Para ello, Marcus da rienda suelta a una prosa exuberante cuya finalidad no es reverenciar una música del pasado como objeto congelado en su tiempo, sino todo lo contrario: mostrar cómo algunas canciones y las ideas que estas vehiculan siguen vigentes y que, por ello, es preciso que las sigamos reivindicando y escuchando.
[Traducción de Mercedes Vaquero].

Stephin Merritt es el creador de bandas como The Magnetic Fields, The 6ths, Future Bible Heroes o The Gothic Archies, para las que ha escrito un buen número de canciones desde fi nales de los 80 hasta la actualidad. Su proyecto principal, The Magnetic Fields, es una de las bandas más relevantes del pop de las últimas dos décadas. Ha publicado nueve álbumes y diversos singles y EP, entre los que destaca 69 Love Songs (Merge, 1999), uno de los discos más ambiciosos y desaforados del pop de todos los tiempos por su extensión y su sorprendente capacidad de vehicular el tema del amor —el motivo por antonomasia de la música
popular— desde cualquier estilo o forma musical imaginable. El universo literario de Merritt —del que este volumen quiere ser un reflejo a partir de 100 canciones de su proyecto principal— destila ironía, humor, sarcasmo, dulzura, melancolía, amargura y una inventiva y capacidad de rima sin parangón en la música popular. Si bien las canciones no pueden separarse de su música, este libro quiere reivindicar su aspecto
literario, muchas veces pasado por alto a la hora de abordar el trabajo de una banda. Si atendemos a este aspecto, puede que Merritt sea uno de los más lúcidos y prolíficos escritores que mejor ha sabido retratar el amor y las relaciones sentimentales de nuestro tiempo.
The Book of Love. 100 canciones recoge, por primera vez en castellano, 100
canciones de Stephin Merritt para su banda The Magnetic Fields, presentadas tanto en su versión original como castellana. El libro se abre con el ensayo introductorio de Kiko Amat titulado “Merritt era un jukebox” y, al final, se reproducen a todo color las cubiertas y contracubiertas de todos los discos y CD.

Tras la prematura muerte de Nick Drake, por causas sobre las que aún hoy se especula, a la edad de 26 años, en 1974, su exiguo legado —tan solo tres álbumes de estudio y otros pocos publicados póstumamente— ha sido progresivamente reivindicado a lo largo de las décadas. Hoy es considerado uno de los cantautores más importantes de todos los tiempos por la cálida belleza de sus canciones, su voz queda y cercana, y su peculiar manera de tocar la guitarra. Ignorado por la crítica y el público de su tiempo, solo el paso de los años ha logrado situar su obra en el lugar que siempre mereció. Su fama de poeta maldito de talante depresivo, autor de letras de juvenil candor y algo ingenuas, queda desmentida si leemos sus canciones a la luz del fascinante relato biográfico que este libro presenta. Más allá de lo tormentoso y torturado de sus canciones, una atenta lectura nos descubre a un escritor irónico, a veces decididamente divertido, que describió mejor que nadie la sensación de
desplazamiento y extrañeza que sobrevinieron al fi nal de la década de los 60, cuando empezaban a desvanecerse el sueño juvenil y la eclosión de libertad.
Pink Moon. Un relato sobre Nick Drake es el fascinante relato biográfi co de Nick Drake —probablemente el más emotivo y honesto que se ha escrito sobre el
cantautor— obra del danés Gorm Henrik Rasmussen. Le siguen 38 canciones de Nick Drake (en inglés y castellano) y la reproducción de las cubiertas y galletas de
sus discos. El libro incluye también un prólogo de Nacho Vegas.
Gorm Henrik Rasmussen (1955) es poeta y vive en Copenhague. Ha publicado
novelas, relatos y poemas, y escrito varios libros sobre extraños lugares del norte de Jutland, donde nació y creció. Ha recibido varios premios literarios en su país. A fi nales de los 70, descubrió las canciones de Nick Drake y quedó fascinado. Poco depués, viajó a Inglaterra para conocer a los padres del difunto músico. De ese encuentro y de las conversaciones que mantuvo con otros allegados a Drake, surgió Pink Moon.

Tony Sánchez fue testigo del meteórico ascenso a la fama de los Rolling Stones. Formó parte del núcleo duro de la banda desde mediados de los años 60 y a lo largo de la década de los 70 y fue amigo personal de Mick Jagger, Keith Richards y del malogrado Brian Jones. Su privilegiada posición con respecto a la vida e intimidad de los Stones dio lugar a una de las biografías más originales, gamberras y trepidantes de la banda de rock más famosa del mundo.
«Spanish Tony», con sus buenos contactos en el lumpen londinense, se convirtió rápidamente en el camello de la banda y de sus aristocráticas amistades. A él recurrían cuando querían comprar drogas, lo que sucedía muy a menudo, sobre todo cuando el consumo se convirtió en adicción. Pero Sánchez fue mucho más que el «dealer» de la banda, ocupándose de toda una serie de tareas más o menos profesionales en calidad de «ayudante» de Keith Richards. Era el que lo sacaba de apuros cuando el coche del guitarrista acababa en siniestro total, o el que consolaba a las ilustres mujeres de los Stones, como Marianne Faithfull o Anita Pallenberg, cuando estos desaparecían o estaban ocupados alimentando otras pasiones.
Sánchez vivió de cerca algunos de los momentos álgidos de la carrera de la banda: sus conciertos más gloriosos, aunque también los más trágicos —su relato de la debacle de Altamont es prodigioso—; sus altercados con los tribunales y la persecución que padecieron por parte del «establishment» y sus resortes, las traiciones y rencillas que se produjeron en el seno de los Stones, las transfusiones de sangre en Suiza a las que se sometieron para eludir la justicia, los escarceos en el cine de Mick Jagger, la vida salvaje en Nellcôte durante la grabación de «Exile on Main St»…
«Yo fui el camello de Keith Richards» es un libro memorable, entre el culebrón desenfrenado y la crónica más vívida, plagado de anécdotas y momentos imborrables, quizá la biografía que rinde un más sincero homenaje a la célebre tríada del buen canalla: sexo, drogas y rock ‘n’ roll.

En su doble faceta de historiador y «observador participante», crítico musical y fan, intelectual y noctámbulo, Simon Reynolds ha escrito el que está considerado como el mejor libro sobre la cultura de baile y la música rave. En esta edición ampliada de ENERGY FLASH, el autor de «Retromanía» y «Postpunk: Romper todo y empezar de nuevo» entrega el que probablemente sea su mejor y más ambicioso ensayo. Desde los orígenes de la cultura de baile con el sofisticado techno de Detroit, el hedonismo toxicómano del house de Chicago y el fervor bacanaliano del garage de Nueva York, pasando por la eclosión del acid house y el rave en el Reino Unido a finales de los ochenta, que nacieron de la cultura balearic importada de Ibiza, de la proliferación de pastillas de éxtasis y de las primeras fiestas ilegales en naves industriales, Reynolds da cuenta de la explosión de un nuevo tipo de cultura hedonista propulsada por las drogas que dará lugar a una de las grandes revoluciones de la historia de la música. Con sus infinitas ramificaciones, géneros y subgéneros, la cultura rave muta a la misma velocidad con la que las drogas que frecuentan cada escena lo hacen en el metabolismo de sus actores. Reynolds retrata con una intensidad y brillantez inusitadas algunos de los movimientos musicales más locos y perturbadores de todos los tiempos: Madchester, el hardcore británico, la escena de raves del entorno Spiral Tribe, las radios piratas, el advenimiento del jungle y su frenesí polirrítmico, el particular y exacerbado rave estadounidense, el furor del gabba belga, el narcotizado trip hop, el trance... hasta llegar a la dispersión genérica del postrave, cuyas variantes estilísticas han estallado en infinitas y heteróclitas direcciones, como el dubstep o la EDM. A partir de entrevistas con algunos de los principales productores, DJ y personajes clave de cada escena —Juan Atkins, Derrick May, Carl Craig, Paul Oakenfold, Richard D. James (Aphex Twin), Goldie, Tricky, Jeff Mills, Richie Hawtin, DJ Shadow, entre muchos otros—, Reynolds revela y analiza con un estilo trepidante, conceptualmente exuberante y sazonado de algunos de los mejores pasajes de la literatura musical las claves creativas de la música y la cultura rave, con especial énfasis en la faceta más hardcore, hedonista y toxicómana. ENERGY FLASH es un libro sobre algunos de los sonidos más radicales de la música de los últimos treinta años. Reynolds es un maestro cuando se trata de aprehender el espíritu y la intensidad de un track, y el libro es una mina inextinguible que nos descubre los tesoros mejor guardados del underground más reciente.

En 1971, John Lennon y Yoko Ono concibieron y grabaron el álbum Imagine, aclamado por la crítica, en su casa de campo georgiana, Tittenhurst Park, en Berkshire, Inglaterra, en su estudio de vanguardia, así como en Record Plant, Nueva York. La letra de la canción principal se inspiró en el libro de Yoko de 1964 Grapefruit, y ella fue acreditada oficialmente como su coautora en junio de 2017.
Este libro cuenta la historia de la vida, el trabajo y la relación de John y Yoko durante este período intensamente creativo. Transporta a los lectores a sus entornos personales y de trabajo, los cuales muestran el archivo de fotografías y objetos cuidadosamente guardado de Yoko, a través de fotogramas compilados con ingenio, y presenta mapas, planos de planta y vistas panorámicas digitalmente renderizados que recrean los interiores con evocadores detalles. John y Yoko presentan personalmente cada capítulo y tema; Yoko también aporta comentarios adicionales sumamente valiosos, así como un prefacio.