Weber traslada al ámbito musical su análisis de los procesos de racionalización. Con su erudición característica realiza el análisis y la comparación entre las músicas antiguas y la armonía occidental. Analiza también los sistemas de músicas no occidentales como las melodías griegas, indias, africanas o chinas. El autor incide en que todo sistema musical entraña elementos fundamentales que escapan al proceso de racionalización. Estas cuestiones se ven reflejadas en el estudio de los intervalos, las escalas o los instrumentos musicales, como los de cuerda o teclado, y los cambios que sufren a lo largo de la historia. Los factores causales responden además de al contexto cultural, a la posición social de músicos y/o intérpretes.

Este esmerado método es un curso exhaustivo en un único volumen para aprender a tocar los principales estilos: música clásica, jazz, rock, latina y contemporánea. Va dirigido tanto a principiantes como a aquellos que tengan más experiencia, trabajando con o sin profesor.
El libro proporciona una instrucción progresiva en todas las áreas de la técnica, incluyendo la postura, la digitación, el empleo de los pedales, escalas, y ejercicios. Introduce muchas obras clásicas del repertorio del instrumento, con consejos para el aprendizaje y la interpretación. El libro usa un acercamiento fresco y original al piano, y enseña a tocar música clásica junto al jazz y al rock, mostrando su terreno común en las técnicas de improvisación y composición en la historia que comparten.
Los mismos elementos de teoría pueden aplicarse a la interpretación de los clásicos y creando jazz, bebop, fusión y música experimental.
El libro incluye un CD de audio con ejemplos y piezas seleccionadas. El Curso Completo de Piano le prepara no solo para tocar, sino también para interpretar y no solo como pianista, también como músico.

Cuando se cumplen 25 años de la publicación de esta autobiografía y 20 del fallecimiento del músico estadounidense Frank Vincent Zappa (21 de diciembre de 1940 - 4 de diciembre de 1993), aparecen por fin en castellano sus memorias.
Es «la verdadera historia» porque su autor lo emplea como ariete para demoler las fábulas pueriles que circulaban sobre su vida. Zappa nos cuenta el arranque, el nudo y el desenlace de su accidentada experiencia musical, narra a cuchillada limpia sus debates con el puritanismo censor y denuncia las patrañas que mandarines y mandamases arrojan sin descanso a la credulidad pública. Su agudo olfato detectó siempre el olor a boñiga.
Aquí asistimos a disparatados encuentros con eminencias como Mick Jagger, Eric Clapton, Jimi Hendrix, John Wayne o Al Gore y su edificante esposa; presenciamos con deleite mirón las curiosas gimnasias sexuales de unas señoritas aficionadas a la carne roquera contemplamos las vergüenzas de un juicio grotesco en los tribunales de la monarquía británica o de una estrafalaria inquisición en el Senado estadounidense; oímos sabios consejos para instruir a la infancia en el racionalismo escéptico y el higiénico rechazo de todos los dogmas eclesiásticos… Aquí se revientan los empalagosos cánones de la memoria pop para construir una reflexión ineludible sobre nuestro tiempo y nuestra necedad.
«Voy comprendiendo ya que resumir la vida y la obra de Zappa en unos párrafos es literalmente imposible y también inútil: les recomiendo que lean el libro. Tampoco se me ocurre una cosa mejor en la que gastar veinte euros, salvo quizá adquirir unos cuantos álbumes de esa inmensa discografía que es, tal vez, la más copiosa, variada y portentosa del último medio siglo en cualquier género. La imaginación musical de Zappa no daba abasto: había años en que llegaba a publicar cuatro, cinco o seis discos (la cosecha entera de muchos otros músicos), como si de algún modo supiera que el tiempo que le quedaba por delante era muy poco y hubiera decidido adelantar el trabajo.» ( David Torres, Publico.es).
• Frank Zappa, compositor incansable, lúcido e intransigente con el tedio, su trayectoria fue una constante explosión creativa. Disparó más de 70 discos cargados de sosa cáustica contra las cabezas de todos los títeres que, a izquierda y derecha, asolaban o aburrían el jardín americano.
Pero su gran contribución al paisaje de nuestro tiempo consistió en cebar esos proyectiles con una pólvora estética que aglutinaba las influencias más diversas, desde la atonalidad al doo-wop, pasando por Stravinsky, Stockhausen, Mingus o Bob Marley. Tanto su obstinada desobediencia como la nota compleja extensión de su obra lo han convertido en una pieza insustituible de la cultura contemporánea y, desde luego, en una anomalía para las liturgias del rock reglamentario.
Fue literalmente ex-céntrico y murió en Los Ángeles el cuatro de diciembre de 1993.
• Traducción: Manuel de la Fuente y Vicente Forés.

“‘La discusión sobre la identidad en Latinoamérica sigue ocupando un espacio de debate en el momento actual’, afirman Consuelo Carredano y Victoria Eli,
editoras-autoras del volumen. Ellas mismas manifiestan en la introducción que ‘el análisis del hecho musical ha sido abordado como proceso cultural íntimamente vinculado con las corrientes del pensamiento estético, los movimientos sociopolíticos e identitarios y los avances científicos y tecnológicos’. Con cautela y un punto de audacia, este libro nos orienta con clarividencia sobre las claves de un territorio musical mucho más cercano a partir de ahora”.
Juan Ángel Vela del Campo
(director de la colección)

Las 88 teclas del piano —52 blancas y 36 negras— han sido la base sonora sobre la que la mayoría de los compositores han probado y escuchado por primera vez sus melodías antes de llevarlas al pentagrama. Desde su invención en los primeros años del siglo XVIII hasta hoy, el piano ha sido protagonista indispensable de la música. El piano: 52 + 36 presenta un panorama de su evolución, sus características y modelos, fabricantes, compositores, escuelas e intérpretes, en el que también se tiene en cuenta la producción española, llenando así una laguna frecuente en la bibliografía extranjera. Ofrece al aficionado a la música, a cualquier lector interesado, no sólo la posibilidad de encontrar en él datos contrastados, clarificación de aspectos concretos y lúcidas observaciones; lo enriquecen incontables vivencias y pormenores que su autor ha ido recogiendo durante una prolífica vida profesional vinculada a la música y que hacen de su lectura una verdadera delicia de amenidad y erudición.

Más de 500 ilustraciones y memorabilia de todos los rincones del planeta, fotografías inéditas de cada una de sus actuaciones y del backstage. Programas de mano, pósters, pases vip, carteles, entradas, singles y elepés.
- La historia de la banda y los secretos de su extensa discografía, escrupulosamente compilada por el reconocido crítico musical Phil Sutcliffe.
- Su trayectoria vista por la cámara de míticos fotógrafos o plasmada en los artículos de verdaderas leyendas del rock como Jon Bream, Jim Derogatis, Harry Doherty, Greg Kot, Daniel Nester, Denis O#Regan, Michael Putland, Mick Rock, Sylvie Simmons y muchas firmas más.
- Testimonios exclusivos, objetos personales y fotografías desconocidas del archivo del que fue su jefe de gira, Peter Hince, así como de Reinhold Mack, productor y amigo personal de la banda.
- Comprometidas reflexiones de Billy Squier, que fue durante mucho tiempo colaborador e íntimo amigo de Freddie Mercury, y la opiniones de muchos de los artistas que han sido influenciados por la música o impactados por la potencia de Queen: Slash, Tommy Lee de Mötley Crüe, Chris Squire de Yes, Rob Halford de Judas Priest, Geddy Lee de Rush, Neil Diamond, Tom Morello de Rage Against de Machine, Adele, Kid Rock y muchos más.

Que las canciones cuenten lo que pasa en la sociedad es un fenómeno que se repite a lo largo del tiempo y del espacio. Ellas tienen la capacidad de captar la historia, resumir movimientos sociales y políticos, y hacerlos permanecer vivos en la memoria a lo largo del tiempo. Además, las manifestaciones de las acciones colectivas vienen casi siempre acompañadas con cantos adaptados a cada una de las diferentes reivindicaciones, forjándose como un vector de solidaridad, esencial para reforzar la voluntad individual y la dinámica de grupo. Ninguna otra manifestación artística ha poseído tal fuerza y facilidad de difusión entre el pueblo independientemente de sus orígenes, países, culturas.
A lo largo de este estudio sobre la canción ideológicamente comprometida en Francia comprobaremos que se trata de un fenómeno continuo y prolífico en la historia de este país inseparable de los cambios, las modas, la sociedad, la economía, la política, los periodos de paz y guerra o la inmigración. Veremos su importancia, no sólo como realidad musical, sino también como fenómeno sociológico debido a su esencia indisociable de los hechos históricos y sobre todo, de la vida cotidiana de la sociedad francesa.

Neil Young es uno de los músicos más relevantes de la historia del rock. Su prolífico talento ha producido más de cincuenta álbumes y cuatrocientas canciones, entre las que se encuentran algunas de las más imperecederas de todos los tiempos: «Like a Hurricane», «Tonight’s the Night», «Down by the River», «The Needle and the Damage Done», «Old Man», «Rockin’ in the Free World», «Southern Man», «Cinnamon Girl», «Cortez the Killer», «Hey Hey, My My», «After the Gold Rush», «Heart of Gold» y un larguísimo etcétera…
Jimmy McDonough, admirador a ultranza de Young, consiguió establecer una relación privilegiada con el músico, venciendo infinidad de resistencias y barreras, y se embarcó en un proceso de documentación exhaustivo y meticuloso que le llevaría casi diez años y no pocos quebraderos de cabeza, entre los cuales destaca la reacción adversa de Young al leer la biografía, cuya publicación trató de impedir a toda costa. Alejado de la hagiografía y de la previsible retórica de la mayoría de biografías de músicos, McDonough logró no solo ofrecer un retrato feroz del canadiense —mostrando en toda su crudeza tanto su carácter errático, brutal y desconcertante como la esencia de su singular talento para componer canciones y una generosidad nada autocomplaciente—, sino que consiguió plasmar de manera apasionada e intensa cuatro décadas de rock por las que brillan con luz propia, además de Young, prácticamente la totalidad de sus allegados, colaboradores y tanto los músicos de su generación como los que recogieron el testigo de su talento.
Neil Young, nacido en Canadá en 1945 en el seno de una familia desestructurada, padeció de muy joven la polio, que lo dejaría marcado física y psicológicamente. Muy pronto empezó a aflorar una pasión por la música que lo llevaría a los veinte años a liderar la primera de sus míticas formaciones, Buffalo Springfield. No tardaría en empezar a grabar en solitario y con la superbanda de estrellas Crosby, Stills & Nash, colaboración que lo llevó a la fama mundial, aunque también suscitó innumerables tensiones fruto de la confrontación de egos, muchos de ellos enardecidos por las drogas y la pulsión creativa. Un Young cada vez más ermitaño, esquivo y atormentado por los frecuentes ataques de epilepsia, que lo dejaban destrozado, fue encontrando progresivamente su voz, sobre todo cuando se unió a los erráticos Crazy Horse, banda con la que ha compartido algunos de sus mejores momentos. Sin embargo, más allá de los datos oficiales, de los éxitos sobradamente conocidos, McDonough también desvela la parte más oscura de Young, sus fracasos amorosos, su lucha por ayudar a sus dos hijos con parálisis cerebral o su inveterada tendencia a desaparecer sin dar explicaciones y dejar a todo el mundo colgado…
La heteróclita e imprevisible obra de Young es una de las más originales y arriesgadas de todos los tiempos. Su estilo ha basculado de una obsesiva atención por el detalle y la producción minuciosa a la búsqueda del momento mágico de la interpretación en directo sin apenas filtros de producción o ensayos previos. En 1995 entró en el Salón de la Fama del Rock y sigue al pie del cañón, reinventándose con cada disco, fiel a su máxima «es mejor quemarse que apagarse lentamente».