Prepárate para descubrir una de las grandes historias de la música americana: la hermosa y trágica saga de los Louvin Brothers, quizás el mejor y más influyente dúo de góspel y country que haya existido jamás? y sin duda el más turbulento. Nacidos en los años veinte en Alabama, en la zona sur de los Apalaches, los hermanos Louvin no podían ser más distintos entre sí. Charlie Louvin era un joven respetuoso, devoto y temeroso de Dios, pero su hermano Ira, que en otro tiempo había ido para predicador, vivía atormentado por todo tipo de diablos; veleidoso, mujeriego y alcohólico, se labró una merecida reputación de «hombre salvaje» debido a su costumbre de destrozar sus mandolinas sobre el escenario, acabar a golpes con miembros del público tan borrachos como él e insultar a Elvis Presley. La autobiografía de Charlie Louvin, coescrita junto al novelista Benjamin Whitmer, plasma con crudo detalle su infancia en una pequeña granja familiar durante los años de la Gran Depresión, cuando la música y la religión eran la única huida a una existencia ruda y embrutecedora, marcada por la escasez y las cosechas del algodón. Charlie e Ira encontraron una salida en las tremebundas baladas tradicionales que les legó su madre y en las canciones espirituales que aprendieron en la iglesia, pero el explosivo y a la vez restrictivo ambiente de la música country en los años cincuenta y sesenta que les abrió las puertas de la fama también acabó por ser su perdición. Satán es real es la épica historia de dos hermanos unidos por el amor, el odio, la religión, la carretera, la sangre y la música.

El siglo XXI nos ha llenado de nuevas preguntas. No sabemos si hemos superado el XX, si seguimos en las mismas cuetsiones de entonces, si estamos en otras o si hemos vuelto, incluso, hacia atrás. En la música ocurre lo mismo. El río de la música occidental y sus afluentes y derivados se ha convertido ahora en un extenso delta. Otros ríos se abren a otros deltas, poniendo en duda la hegemonía occidental e invitándonos a transitar caudales de otras latitudes y a cruzar mares y océanos. Digitalización, audibilidad, relato, producción, identidad, mercado, simultaneidad, territorios y redes son palabras, entre otras, que debemos afrontar si queremos entender la música de nuestro tiempo y el uso que hacemos de ella. El presente volumen colectivo pretende abordar el sinfín de preguntas y fenómenos sonoros que caracterizan estos años.
Contribuciones de Ana-María Alarcón-Jiménez, Miguel Álvarez-Fernández, Alberto Bernal, Javier Blánquez, Susan Campos Fonseca, Cristina Cubells, Wade Matthews, Eloy V. Palazón, Carmen, Pardo, Leandro Posano, Marta G. Quiñones, Carlota Surós.

* Ilustrado con carátulas de álbumes emblemáticos y fotografías de archivo, este libro brinda una amplia visión general de la música y la historia de cada álbum. * Presenta una crónica inclusiva de la historia y el desarrollo del heavy metal, incluidos subgéneros como el death metal, rap-rock, grunge, rock industrial, grindcore, nu metal y stoner rock. * Una lectura esencial para metaleros y fans del hard rock de todo el mundo.
La década de 1970 fue la época en la que los grandes pioneros del heavy metal forjaron las bases de todo lo que llegaría después, los años en los que dominaron precursores como Black Sabbath y Deep Purple.
Pero a medida que el metal comenzó a arraigar en el mainstream -y luego comenzó a diversi?carse-, bandas como Judas Priest, Iron Maiden, Metallica y Mötley Crüe hicieron sentir su presencia entre los nuevos fans de un género que sigue evolucionando hoy en día con bandas como Clutch y Ghost.

El adolescente Horowitz ve como su piano es arrojado desde la ventana; el pequeño Cherkassky oye el silbido de una bala rozando su cabeza e impactando en la pared de su casa; el principito Magaloff huye en trineo con su familia: tres flashes de una revolución que hace un siglo convulsionó al mundo y también las vidas de muchos músicos. A partir de las reacciones de entusiasmo y miedo que los artistas experimentaron ante la toma del poder por parte de los bolcheviques, este libro dibuja por primera vez un cuadro general de las relaciones entre los pianistas clásicos y el régimen soviético desde 1917 hasta 1991. Heroísmos y dramas se entrelazan: el solitario orgullo de Sofronitski, la rebelión de Mariya Yúdina contra Stalin, la detención de Neuhaus por sus orígenes alemanes y la de Shtarkman por su homosexualidad, las tribulaciones interiores de Richter y Gelels, las aventuras e infortunios que con el KGB tuvieron Ashkenazy, Egorov, Berman, Rudy, Gavrilov y otros más. Son músicos, pero ante todo hombres, los numerosos pianistas que protagonizaron esta época de héroes y anti-héroes, crecidos en un sistema educativo perfecto aunque privados a menudo de la posibilidad de salir de sus fronteras. Desde el misterio de un arte florecido bajo el régimen, estos artistas nos hablan de crueldad y belleza, del eterno conflicto entre materialismo y espiritualidad, de la imprevisible mezcla de ética y estética.

Beethoven, Mozart y Liszt han ejercido y siguen ejerciendo fascinación en quien los conoce o escucha. Aunque sus vidas no pueden considerarse paralelas, comparten un impulso vital dominado por la pasión. Los tres se entregan a su delirio de libertad y la misma llama de espíritu los lleva a componer la más sublime música religiosa, pero también las más impetuosas y románticas sonatas de amor. Porque quieren y buscan vivir apasionadamente, en el amor, claro, pero también en los claroscuros de su alma, la solitud de su arte y la armonía con el contexto histórico y la sociedad que los rodeó.
De ahí lo de Appassionata, pues esta sonata literaria, llena de cambios de ritmo, busca la energía salvaje del genio que distinguió a los tres músicos que componen este acorde biográfico. En esta trilogía, Mauricio Wiesenthal, con su delicada y versátil prosa, siempre pincelada de ironía que brilla con luz propia, ofrece un acercamiento fácil y emotivo del lector a los tres genios musicales que hoy, como siempre, despiertan las emociones en el alma.

El sonido y la música forman parte de nuestro gen más ancestral. Desde la Antigüedad, el ser humano ha utilizado estos sonidos sanadores en rituales y ceremonias espirituales -para conectar con la Madre Tierra o con las distintas deidades y espíritus- y como un poderoso medio de sanación para estimular el equilibrio físico, mental y emocional.
Actualmente, sabemos que determinados sonidos influyen en el sistema nervioso autónomo, modifican la vibración celular, fortalecen el sistema inmunológico y reducen los niveles de estrés.
En este libro se hace un amplio recorrido por las cualidades físicas y terapéuticas del sonido, la importancia del silencio, los instrumentos y las técnicas más utilizadas en sonoterapia.
Musicamento® es un método terapéutico que aúna varias disciplinas como la sonoterapia, la acupuntura, la sonopuntura y la aromaterapia. En este método holístico se genera una sinergia especial que favorece la armonía del organismo. A su vez, se han creado grabaciones sonoras con tecnología binaural y sonido 8D, especialmente diseñadas para mejorar la calidad del sueño, la concentración, así como reducir el estrés y la ansiedad.

Podría decirse que Rimski-Korsakov culminó su inmensa labor artística al terminar sus memorias en 1906 y publicarlas con el título "Mi vida musical". Rimski poseía un espíritu abierto, una sensibilidad exquisita, elevada inteligencia y temperamento equilibrado. Fue un hombre modesto y sincero, cuya franqueza puede apreciarse en el texto de su "Vida musical". Y un hombre laborioso, puesto que, además de sus muchas obras, que modificaría en repetidas ocasiones al no quedar nunca satisfecho de su trabajo, terminó o instrumentó desinteresadamente las obras compuestas por sus amigos. La muerte del maestro supuso para la música rusa la pérdida de su más entusiasta propulsor, quien llevó al pentagrama las clásicas melodías populares pasadas por el tamiz de su exquisito gusto.

Con Beethoven, la música sale de los salones y se torna algo decididamente público, que exige grandes espacios y mayores formatos orquestales. Superando la formación clásica heredada del siglo XVIII, sus Sinfonías, cada una con su propia personalidad, suponen el nacimiento de la formación orquestal moderna –que llega hasta nuestros días–, y la consagración del protagonismo, liderazgo y –para algunos– la tiranía del director de orquesta, como ya señaló Richard Wagner.

En este extraordinario libro, Ramón Andrés conversa con los autores del pasado y traza de manera novedosa en nuestra lengua una historia de la filosofía de la música. Siguiendo la senda de Boecio, que habló del «consuelo de la filosofía», el autor nos habla del «consuelo de la música» y nos ofrece un texto sabio y cercano gracias al cual el lector descubrirá que escribir sobre música no es únicamente un modo de prolongar el consuelo, sino que es una forma de conservar nuestra irrenunciable reserva de libertad.