Leone Magiera nos ofrece en este libro de recuerdos una visión completamente nueva de Herbert von Karajan. Amigo y colaborador del Maestro durante muchos años, además de analizar en profundidad su técnica de dirección y algunas de sus interpretaciones operísticas más famosas, Magiera nos cuenta en sus encuentros con Karajan detalles curiosos y sugerentes de la personalidad más escondida y secreta del gran director salzburgués. El resultado es un retrato, inédito hasta ahora, del aspecto más humano y casi desconocido de este músico cuya figura se ha convertido en un mito: su gran sentido del humor, que también se expresaba en la capacidad de disfrazarse para escapar de las situaciones más difíciles y peligrosas, o evitar ser reconocido; su curiosidad, casi morbosa, que le permitió estar constantemente informado de los cotilleos sobre todo lo que sucedía en el panorama musical internacional; o su peculiar técnica para seleccionar las mejores voces para las óperas que dirigía, bien en directo, bien en estudio, cuyas grabaciones siguen siendo hitos de referencia. Como nos recuerda Fernando Fraga en su prólogo, la colaboración entre Magiera y Karajan comenzó cuando éste le ofreció participar en la preparación de Siegfried como preludio a la grabación de la Tetralogía, que acabaría concretándose entre 1966 y 1970, cuya interpretación daría una vuelta de tuerca a las lecturas anteriores de tan magna epopeya wagneriana. Pero su primer encuentro se había materializado por casualidad: fue durante la preparación de la ya legendaria Bohème de La Scala, en 1963, donde Mirella Freni, la por entonces esposa del pianista, interpretó una Mimì que se convertiría en la mejor de su tiempo. Magiera, a su vez profesor de canto de la propia Freni, de Luciano Pavarotti (con quien daría la vuelta el mundo con sus recitales) o Ruggero Raimondi, llegó a convertirse en amigo y confidente de Karajan, y se erige en excepcional testigo del arte karajaniano durante buena parte del periodo más esplendoroso de la carrera del director. Estos y otros aspectos inéditos hacen de este libro una lectura imprescindible para quien quiera conocer más a fondo la personalidad de uno de los más grandes directores de todos los tiempos. Como subraya Marta Vela en su epílogo, hará las delicias tanto del melómano como del músico amateur y profesional.

En muy poco tiempo, Rosalía se ha convertido en una de las artistas más influyentes y conocidas del mundo. Su mezcla de flamenco, pop, músicas urbanas y músicas latinas es, al mismo tiempo, comercial y experimental. Además, sus colaboraciones, sus coreografías, sus videoclips o su uso de las redes sociales establecen puentes con los principales ámbitos creativos de nuestro tiempo. Al igual que la figura que lo ha inspirado, este libro también quiere ser una constelación proteica e híbrida de talentos periodísticos, reflexivos, poéticos y críticos en torno al fenómeno Rosalía. Así, algunos de los autores de este volumen abordan la relación de su música con el flamenco y el nuevo flamenco, lo natural y lo artificial, la tradición y el apropiacionismo, la industria y el azar, o la imposible asimilación de esta artista a los géneros y etiquetas al uso. Otros se centran en sus vínculos con distintos contextos creativos: desde los ámbitos de la moda y el arte contemporáneo, al de la poesía lorquiana o la tradición mística española, sin olvidar un necesario excurso hacia una teoría estética de lo que supone «sacar las uñas». Otras autoras, por su parte, entran de lleno en distintos ejes conceptuales del trabajo de Rosalía: desde su perspectiva feminista y su relación con el deseo hasta su dimensión social y su interés por el imaginario quinqui y la topografía poligonera. El libro comienza a cerrarse con una suerte de retrato poliédrico de la artista catalana (las claves familiares, educativas, geográficas y culturales de su creatividad) y también de algunas otras cantantes de su misma generación que destacan por su capacidad para experimentar y ampliar nuestro campo de expectativas sonoras. Por último, el volumen concluye, como no podía ser de otro modo, con la propia Rosalía contándose a sí misma.

La imagen de un director de orquesta agitando sus brazos frenéticamente al son de la melodía probablemente sea, al tiempo que una de las expresiones más icónicas de la música clásica en el imaginario colectivo, la figura más enigmática e incomprendida de toda la vida concertística. Aunque todos estamos acostumbrados a esa presencia silenciosa e ineludible que ocupa el lugar protagonista en los auditorios, pocos, incluso entre el público más melómano, podemos enunciar con seguridad los innumerables matices del papel que desempeña. En "El músico silencioso" Mark Wigglesworth, director de orquesta, responde a algunas de las principales preguntas que su labor despierta entre la audiencia («¿acaso la orquesta no puede tocar perfectamente sin vosotros?», «¿realmente se nota en algo vuestro papel en el concierto?», «¿os siguen de verdad los músicos?»). Consciente de los numerosos mitos y prejuicios que rodean su profesión, Wigglesworth proporciona una mirada en primera persona, cargada de sensibilidad, humor y empatía, acerca de su necesidad y de los principales dilemas y dificultades que se ve obligado a afrontar el director de orquestra en su día a día, pero también de los innumerables placeres y satisfacciones que puede proporcionar una relación estrecha y directa con la música.

Freddie Mercury, uno de los mayores talentos de la música pop de todos los tiempos, ha sido sin duda el más misterioso de aquellos intérpretes que llegaron a convertirse en leyenda. Sin embargo, y a pesar de que su ilimitada creatividad e inigualable sentido del espectáculo le granjeara millones de enfervorizados seguidores en todo el mundo, muy pocos han llegado a conocer al hombre que se escondía tras el mito. Esta biografía, además de relatar con detalle todos los pasos de su fascinante trayectoria como ídolo de multitudes, explora los aspectos más íntimos de su vida y se detiene en la confusa sexualidad que lo llevó a establecer fortísimos lazos con personas de ambos sexos.

Mundialmente aclamado como el artista más innovador de su generación, David Bowie destacó como músico y compositor, pero también mostró su talento como pintor, actor y productor. Lesley-Ann Jones lo conoció desde su infancia, en la pequeña localidad de Bromley, al sur de Londres. Ya entonces era un joven desesperado por expresar su talento, frustrado por un entorno que lo ahogaba y determinado a conseguir el reconocimiento y la fortuna que sin duda merecía. Con el trasfondo de la evolución del pop y del rock en los últimos cincuenta años, y a través de entrevistas con amigos íntimos y con colaboradores que lo trataron a lo largo de su carrera, y que nunca antes habían contado sus experiencias personales, la autora nos ofrece una biografía única que refleja al mismo tiempo la vida pública y privada de un artista que marcó una época.

Esparcidos por esta tierra remota y hostil, del tamaño de un continente, numerosos pianos resisten el paso del tiempo, testigos de cómo durante los siglos XIX y XX la música se convirtió en el centro de la vida pública y privada de los rusos. A caballo entre la literatura de viajes, el ensayo narrativo y la historia de la música, Los últimos pianos de Siberia sigue los pasos de muchos de estos pianos, así como las historias personales de quienes hicieron posible la proeza de que estos pianos lograsen viajar miles de kilómetros. 

Extravagante, humana y cercana a su público, así es esta artista neoyorquina que llegó a la fama gracias a Just Dance, Alejandro y Bad Romance. Revolucionó por completo el mundo de la música, dejando siempre a sus espectadores con la boca abierta por su particular estilo.

Así es, sin duda, Lady Gaga: un talento único y una mujer excepcional, que no ha tenido miedo a desafiar las convenciones para vivir intensamente y realizar sus sueños. Una de las cantantes más galardonada e influyente de las últimas décadas y una figura inspiradora para legiones de fans.

A mediados de los sesenta, la música popular norteamericana dio un giro copernicano cuando la fábrica de hits de Nueva York se vio desplazada por los himnos aterciopelados y edénicos que empezaron a brotar de Los Ángeles de la mano del genial productor Phil Spector y grupos como los Beach Boys, los Byrds o The Mamas and the Papas. A partir de ese momento, una serie de artistas, que empezaron a reivindicarse como cantautores de sus propios temas, encontraron en las colinas californianas de Laurel Canyon y en sus alrededores un paraíso virginal —en plena naturaleza pero a un paso del fragor de la gran ciudad— donde establecerse, echar raíces y dar rienda suelta a sus canciones de corte intimista y reivindicativo. Locales como el Troubadour, en La Cienega Boulevard, empezaron a ser frecuentados por la nueva horda de músicos, que aspiraban a tocar sus canciones en directo frente a la exigente audiencia, formada en buena parte por los propios músicos y aspirantes a estrellas. Se iría así fraguando una de las eras doradas del rock norteamericano, que empresarios de la música como un joven y aguerrido David Geffen y su socio Elliot Roberts convertirían casi de la noche a la mañana en un emporio. De este modo, sellos como Warner/Reprise, dirigidos por los linces Mo Ostin y Joe Smith, o Asylum, del tándem Geffen/Roberts, apostaron por un repertorio de folk rock y nuevo country que vio nacer a cantautores y grupos de la talla de Neil Young, Joni Mitchell, Gram Parsons, Crosby, Stills & Nash, Jackson Browne, Linda Ronstadt, James Taylor, The Flying Burrito Brothers, The Eagles o Fleetwood Mac, entre muchos otros, que se convertirían en el nuevo canon del rock y el folk de la música norteamericana a base de música introspectiva y de raíces. Sin embargo, el idealismo, la solidaridad y el talento no tardarían en dar paso a un pandemónium de celos, consumo exacerbado de drogas y sobredosis, relaciones sentimentales tormentosas, éxitos clamorosos y caídas en picado que convirtieron el paraíso en un infierno de egoísmo y capitalismo desbocado que preconizó las maneras que la industria musical desarrollaría a partir de ese momento. Esta es la historia de los artistas de aquella generación, que alumbraron algunas de las mejores canciones de todos los tiempos y cuyo legado sigue más vigente que nunca.

La espiritualidad y las grandes religiones de la humanidad han influido en numerosos músicos a lo largo de la historia del rock. Entre ellos, destacan cuatro extraordinarios artistas que conforman los pilares sobre los que descansa este libro, y cuyas obras agrupan las cuatro grandes religiones: hinduismo ?reflejado en la obra de George Harrison?, cristianismo-judaísmo ?que forma el sustrato de numerosas canciones de Bob Dylan?, islam ?representado por Cat Stevens, también conocido como Yusuf Islam tras su conversión a esta religión?, y budismo-zen ?cuya influencia es fundamental en la obra de Leonard Cohen?. Asimismo, el poso de las religiones y el misticismo es notorio en la obra de otros grandes artistas como Patti Smith, Nick Cave, Sinéad O?Connor, Van Morrison, Suzanne Vega, Johnny Cash y Nico, que también son analizados con detalle en esta obra.

Alberto Manzano es un gran historiador de la música rock y un reconocido periodista musical que ha publicado para El País, El Mundo, La Vanguardia, ABC, El Periódico de Catalunya, Rockdelux y Ajoblanco. Desde 1980 ha traducido a los grandes poetas del rock en más de cien libros publicados. Es autor de ensayos biográficos sobre Bob Dylan, Lou Reed, Neil Young, Jackson Browne, Kevin Ayers y Leonard Cohen.

Mozart fue un compositor admirado y bien conocido en la España del siglo XIX. Este fenómeno, hasta la fecha desatendido por la investigación, tuvo su mejor reflejo en la enorme popularidad que alcanzó el Réquiem, obra que pronto logró la admiración de profesionales y aficionados. Desde fechas tempranas fue la música habitual para las honras fúnebres de reyes, aristócratas, militares y otros miembros distinguidos de la sociedad. Esto explica las decenas de fuentes dispersas por archivos españoles que se copiaron con fines prácticos, a veces incorporando variantes creativas con respecto al texto original.
Esta edición recupera el manuscrito del Réquiem conservado en la Catedral de Pamplona, una la versión ligeramente adaptada a las posibilidades locales. Su interpretación en 1844 como parte de las exequias reales de la infanta Luisa Carlota de Borbón-Dos Sicilias posiblemente supuso el estreno de la obra en la ciudad. Como se explica en el extenso estudio en inglés y español que acompaña la edición, este evento histórico para el devenir de la ciudad tuvo lugar en un momento crítico de la historia española y tuvo, como telón de fondo, las tensiones provocadas por la guerra carlista y la inestabilidad en el trono.


Mozart was an admired and well-known composer in 19th century Spain. This phenomenon, until now neglected by research, was best reflected in the great popularity of his «Requiem», a work that soon won the admiration of professionals and amateurs alike. From early dates it became a sort of official music for the funerals of kings, aristocrats, military men and other distinguished members of society. This explains the dozens of sources scattered throughout Spanish archives that were copied for practical purposes, sometimes incorporating creative variations compared to the original text.
This edition recovers a recently found manuscript with Mozart’s «Requiem» preserved in Pamplona Cathedral, which is a version slightly adapted to the local resources. This copy was made in 1844 as part of the royal funeral of the Infanta Luisa Carlota of Bourbon-Two Sicilies and its performance possibly meant the premiere of the work in the city. As explained in the extensive study in English and Spanish that precedes the edition, this historic event took place at a critical moment in Spanish history and had, as a backdrop, the tensions caused by the Carlist war and instability on the throne.