En 1978 Jonathan Cott, editor para Europa de la revista Rolling Stone, entrevistó a Susan Sontag en dos intensas jornadas, primero en París y luego en Nueva York. El encuentro se produciría en un momento crucial de la carrera profesional de Sontag: el año anterior había publicado una de sus obras más conocidas, Sobre la fotografía, y otras dos estaban a punto de aparecer: el conjunto de relatos Yo, etcétera y el ensayo La enfermedad y sus metáforas, que escribió mientras se trataba de un cáncer. Estos tres textos son el punto de partida de una fluida y cautivadora conversación que termina abarcando los temas más dispares (los libros y la música, la guerra y el arte, la sexualidad y la muerte) y en la que Sontag despliega de forma magistral sus hondos conocimientos en filosofía, literatura, estética y feminismo.
El presente volumen recoge la transcripción completa de esta entrevista que duró más de doce horas, y que al final atraviesa el umbral de su género para convertirse en un documento sumamente valioso: una suerte de autobiografía intelectual que pasa a engrosar el legado de una de las mentes más brillantes, poderosas y certeras del siglo XX.

La literatura de crímenes, unas historias que han seguido diversos caminos a lo largo de los años, ha configurado un macrogénero que incluye todo tipo de subgéneros y corrientes. En este primer volumen, dedicado a la época clásica de la novela negra y policíaca —concretamente desde los orígenes hasta la década de los setenta del siglo pasado—, pasamos revista a diferentes etiquetas: desde la novela de enigma, los detectives de sillón, la policíaca metafísica, el caso de la habitación cerrada, el ladrón de guante blanco y los genios del mal, la novela problema; pero también la policíaca psicológica, el detective hard-boiled, la novela de delincuentes, la carcelaria, la psicología criminal y el noir, la procedimental, la novela de espionaje, la novela crónica y el suspense y el thriller, entre algunas de las más destacadas. En sus manos tiene un libro que pretende aclarar la evolución terminológica tan debatida entre los aficionados del género.

• Edición de Andrés Soria Olmedo

• CONTENIDO:
PROSA: Impresiones y paisajes. Conferencias

POESÍA: Libro de poemas. Primeras canciones. Suites.
Otros poemas del libro de Suites. Poema del cante jondo.
Canciones. Primer romancero gitano. Odas. Poemas sueltos I.
Poemas en prosa. Poeta en Nueva York. De «Tierra y luna».
Poemas sueltos II. Diván del Tamarit. Seis poemas galegos.
Llanto por Ignacio Sánchez Mejías. Sonetos. Poemas sueltos III.
Poesía varia. Dos melodías del Primer romancero gitano.
Colección de canciones populares antiguas.

• «En palabras de Pablo Neruda, Lorca era “un multiplicador de la hermosura”. Músico, poeta, dramaturgo, un artista genial que no deja de explorar la naturaleza y su secreto, el amor, el sexo pleno y amenazado, la esterilidad, el tiempo, la libertad o la muerte. Más poeta del deseo que del amor, del anhelo que de la satisfacción como señala el profesor Soria Olmedo en el pormenorizado prólogo que abre el volumen.
A través de estas páginas sabemos de la infancia del poeta en un pueblo de la Vega y los primeros años de universidad en Granada, de las clases de piano, las tertulias con otros intelectuales de la época o la apertura que supone su llegada a Madrid en la primavera de 1919. Recorreremos también el ambiente de la Residencia de Estudiantes, su amistad con Buñuel y Dalí, con Manuel de Falla a su regreso a Granada donde se entusiasma con los preparativos del concurso del Cante Jondo. Vida y literatura se van entreverando, pues en estos años 20 Federico escribe el Poema del cante jondo, Mariana Pineda, Canciones o el Romancero gitano por citar algunos de sus títulos más emblemáticos. El impacto de su viaje a Nueva York en plena crisis del 29, el peso del son cubano desde que fuera a la isla o su éxito internacional como dramaturgo cuando estrena Bodas de sangre en el Buenos Aires de 1930 dejan, cómo no, una huella profunda en su literatura. Años intensos en los que termina el Diván del Tamarit y recorre la península con la compañía La Barraca. Una biografía compleja, una obra prodigiosa que fue truncada por la Guerra civil el 19 de agosto de 1936 cuando García Lorca es fusilado a las afueras de Granada. Acababa de cumplir treinta y ocho años.
En Impresiones y paisajes, su primer libro publicado en 1918 a partir de una serie de viajes de perfil artístico, descubrimos la mirada del joven Lorca que todavía está inmerso en el espíritu romántico mientras que sus Conferencias se insertan dentro de la necesidad de formación propio de la II República. En ellas reflexiona sobre la “Arquitectura del cante jondo”, o años después, sobre el entusiasmo gongorino que caló en muchos de sus contemporáneos. Ahí se aprecia esa dialéctica entre la tradición y la vanguardia, entre el romancero y las metáforas gongorinas frente al estímulo surrealista que estaba en el ambiente y empuja su búsqueda de nuevos modelos expresivos.
Y ya dentro de su poesía, arranca el tomo con sus primeros versos en Libro de poemas (1922) donde refleja el paisaje de la Vega granadina y revela nostalgia de la infancia con ecos modernistas de Darío, Machado o Verlaine. En adelante y sin perder del todo la sensualidad modernista vemos cómo experimenta con formas breves en Suites, mientras que en el Poema del Cante Jondo (escrito en 1921 y publicado diez años después) una voz nueva busca la esencia de lo andaluz e inserta siguiriyas, soleás o peteneras con el llanto de la guitarra.
Lorca conoció el folklore gallego por los músicos de la Residencia de Estudiantes y ya en Suites y Canciones apreciamos la huella de la lírica galaico-portuguesa, tradición que dará como fruto los Seis poemas galegos compuestos entre 1932 y 1935.
Algunos dijeron que el Primer romancero gitano fue el libro de poesía más triunfal del siglo XX. Aquí el poeta combina el fragmentarismo del romance y la discontinuidad de la estética vanguardista, además de entender lo gitano como lo más elevado, profundo y esencial del ser andaluz, con la Pena como protagonista única.
A la disciplina métrica de las Odas le siguen los Poemas en prosa (escritos entre 1927 y 1928) como respuesta a una mirada nueva, en la que todo es emoción pura, que cristalizará poco después en la estética vanguardista de Poeta en Nueva York: “París y Londres son dos pueblecitos si se comparan con esta Babilonia trepidante y enloquecedora” señala el propio poeta. La emoción se desliga ahora de todo control lógico y la ciudad gigantesca provoca extrañeza y angustia sobre el yo poético. Entre 1931-34 Lorca escribe el Diván del Tamarit desde una voz trágica donde casidas y gacelas son recorridas por el deseo incesante como hilo conductor. Y en 1935 verá la luz esa elegía funeral con tintes épicos que llora la muerte de su gran amigo Ignacio Sánchez Mejías en la plaza de toros de Manzanares.
Por último, cerramos el volumen con las partituras de las canciones populares antiguas musicadas por Lorca y los once sonetos de amor escritos entre 1935 y 1936 -más conocidos como Sonetos del amor oscuro-, ciclo que no verá la luz hasta 1984. En ellos Lorca vuelve a la estrofa como ejercicio de dominio poético, y al amor, oscuro desde su nacimiento, a través de un lenguaje del deseo que no se reduce a trascender la verdad homosexual silenciada hasta entonces. Ejercicios literarios que van más allá de la propia experiencia y que, en palabras de Vicente Aleixandre son “un prodigio de pasión… puro y ardiente monumento al amor”.
En suma, nos llena de satisfacción el poder presentar este primer tomo de las Obras completas de Federico García Lorca que revisa a la luz de otras ediciones críticas la ya canónica de Miguel García Posada, sumando importantes aportaciones como la versión de Poeta en Nueva York según el nuevo testimonio del manuscrito Bergamín.»

Tableros. Revista Internacional de Arte, Literatura y Crítica, prolongación de Grecia (1918-1920) y editada en Madrid por Isaac del Vando Villar, supuso ?junto a Vltra, de Madrid? la culminación del movimiento ultraísta español. A lo largo de sus cuatro números (desde noviembre de 1921 a febrero de 1922), se registran en ella colaboraciones de nombres importantes de la vanguardia como Vicente Huidobro, Ramón Gómez de la Serna o Jorge Luis Borges, sin olvidar la pléyade de autores de este ismo innovador como Rogelio Buendía, Juan Chabás, José Rivas Panedas o Gerardo Diego, entre otros. Asimismo, la revista dio cabida a pintores e ilustradores significativos como Rafael Barradas, Wladyslaw Jahl, Fernand Léger o Norah Borges.
José María Barrera López es investigador de la vanguardia, materia a la que ha dedicado numerosas monografías y reediciones facsimilares de revistas. Dentro de las editoriales Renacimiento y Ulises, ha publicado Horizonte (1922-1923), Mediodía (1926-1929), Isla (1932-1940) y Nueva Poesía (1935-1936). Tiene en preparación Gran Gvignol (1920), Vltra (1919-1920) (Oviedo), Plural (1925), Tobogán (1924) y Andalucía (1911-1912).

Para muchos de los pocos que están al tanto de la poesía española y americana, Francisco Brines es, sin sombra de duda, el mayor poeta vivo de la lengua. Pero también y por eso mismo podemos considerarlo un extraordinario prosista. En este libro se recogen dos ensayos sumamente esclarecedores, sobre las relaciones que pueden establecerse entre poesía y pintura gracias al collage, el más breve de ellos y el otro, bastante más amplio, que puede considerarse a la vez una ajustada poética y materia autobiográfica, sobre la propia poesía de Francisco Brines; texto comparable solo en alcance e interés a Historial de un libro de Luis Cernuda. A.L.
Francisco Brines (Oliva, Valencia, 1932) es un poeta español, heredero mediterráneo de la lírica de Luis Cernuda y Constantino Cavafis. Encuadrado en el grupo poético de los años 50, ha sido reconocido con distinciones como el Premio Nacional de las Letras Españolas, en 1999, o el Reina Sofía en 2010. Académico desde 2001, está considerado uno de los poetas españoles del siglo XX de más hondo acento elegíaco.

Aunque parezca mentira, más allá de la conocida lista de nombres propios, los godos se encuentran un poco por todas partes, llegando a saltar de época en épo­ca. Esta presencia constante se explica por el mito neogótico, que se modula en un proceso de reescritura entre la historia y la ficción con muchos intereses en juego porque los godos son un símbolo de identidad nacional que se maneja según conviene mejor en cada caso. En este sentido, el presente libro se centra justamente en las modificaciones y ver­siones: en los godos de papel. Este acer­camiento panorámico se organiza en cinco puntos: abre fuego una intro­duc­ción teórica sobre la formación de na­ciones con España en el centro y el mito neogótico, sigue un examen de la pre­sencia de los godos en la historiografía española de los siglos XVI y XVII (y algunos géneros cercanos), que se da la mano con un recorrido por diversas formas de ficción por los godos de papel en un corpus de poesía, prosa y teatro de di­versos ingenios del Siglo de Oro (Calde­rón, Cervantes, Lope, Quevedo y otros), y un acercamiento a la función del mito gótico en la diplomacia, para rematar con unas conclusiones generales que tratan de poner orden y concierto, así como dejar algunas puertas abiertas. Con un prólogo de Luis Alberto de Cuenca.

La figura intelectual y la persona¬lidad científica del abate Juan Andrés y Morell (Planes, 1740-Roma, 1817) simboliza la labor incansable en pro de la ciencia y del conocimiento de uno de los jesuitas expulsos más relevantes en la historia del pensamiento del siglo XVII y primeras décadas del XIX. Su persona¬lidad inquieta, su capacidad de trabajo, su profunda erudición y su afán por acercarse a la ciencia y a la literatura le llevaron no solo a leer a los autores an¬tiguos y modernos, sino a hacerlo desde la reflexión y los presupuestos aportados por la renovación que en el ámbito del saber proponían la filosofía y las ciencias de aquella época.
Por este motivo, y coincidiendo con el aniversario de su muerte, se ha pre¬parado un volumen dedicado a analizar los diversos aspectos que caracterizan su obra crítica en el contexto propio de la Ilustración europea. A partir del estudio de su figura, diversos especialistas inter¬nacionales abordan el estudio de la pro¬ducción de Juan Andrés y la enmarcan, como enseña él mismo, en el desarrollo de disciplinas como la erudición, la her¬menéutica, la crítica, la historiografía, la bibliografía, la poética, la literatura, la traducción y la ciencia de la segunda mitad del siglo XVIII.

Los seis estudios que agrupamos en este volumen abordan distintos problemas críticos que afectan a obras cimeras del Siglo de Oro: el Lazarillo y su continuación ‘de Amberes’, la novela ejemplar La tía fingida, obra atribuida a Cervantes y que ha generado una amplia con¬troversia hasta fechas muy recientes, y el pro¬blema de la fijación del texto y la atribución de la primera obra donde se trata el mito de Don Juan, transmitida por dos vías diferentes y atribuida en el siglo xvii a dos autores distin¬tos, Calderón de la Barca y Tirso de Molina. De acuerdo con los estudios que aquí reunimos se sostiene que la Segunda parte del Lazarillo, el llamado ‘Lazarillo de Amberes’, es una con¬tinuación del Lazarillo original, planteada con presupuestos ideológicos y culturales similares a los de la primera parte, y entroncada con la co¬rriente de literatura lucianesca de mediados de siglo, caracterizada por una visión crítica y mor¬daz sobre la sociedad y las costumbres morales de la época. Los tres estudios sobre el Lazarillo y su continuación de Amberes establecen una metodología crítica objetiva,situando ambas obras dentro del contexto cultural y doctrinal de la Reforma y proponiendo vías de análisis a partir de elementos objetivos sobre la autoría de ambas partes y sobre la evidencia crítica de que en ambos casos se están abordando problemas doctrinales que explican el que ambas obras ha¬yan sido prohibidas por la Inquisición en 1559 y, en lo que atañe a la primera parte, censurada, amputada y ‘castigada’ hasta sustituir el texto original por un texto fuertemente censurado (el Lazarillo castigado por la Inquisición). Ese tex¬to castigado por la Inquisición con la supresión del capítulo del buldero y amputado en varios pasajes de los demás episodios, todos ellos de claro contenido doctrinal, es el que ha generado la querella de las atribuciones, desde la inicial a Hurtado de Mendoza, hasta las últimas, ya en el siglo xxi. La propuesta crítica de nuestro estu¬dio asume que ambos Lazarillos han sido igual¬mente prohibidos por la Inquisición debido a sus propuestas heterodoxas sobre los negocios con la venta de las bulas, el amancebamiento de los clérigos de alto rango y las evidentes críticas sobre las prácticas de la jerarquía eclesiástica, lo que las sitúa, a las dos partes, en el ámbito de la Reforma. Proponemos, además, una vía de aná¬lisis, basada en la lingüística, para abordar los problemas de la autoría de ambas partes. El estudio crítico sobre la novela ejemplar de La tía fingida se centra en la evidencia de que, ateniéndose al texto de la Biblioteca Colom¬bina y descartando las variantes introducidas por el racionero Porras de la Cámara, el análisis objetivo del texto muestra una coincidencia su¬perior al 75% de usos significativos con la obra cervantina, lo que avala la atribución de Julián Apráiz de que, en efecto, se trata de una nove¬la ejemplar escrita por Cervantes en el período 1600-1605. El tercer trabajo crítico aborda dos aspectos centrales del texto fundados del mito de Don Juan: su evolución hispánica hasta llegar a Zo¬rrilla y los elementos críticos objetivos que per¬miten atribuir la obra, editada en el siglo xvii a nombre de Tirso y de Calderón, a Andrés de Claramonte, el dramaturgo murciano afincado en Sevilla y cuyas obras, tras su muerte sin hacer testamento, han sido atribuidas indistintamente a Lope, Tirso, Calderón, Guillén de Castro y otros autores, hasta llegar a darse el caso de que una de ellas, El infanzón de Illescas, haya sido publicado indistintamente a nombre de Lope de Vega, de Calderón y de Tirso de Molina, cambiando el título original en el de El rey don Pedro en Madrid y modificando distintos pasajes en la edición del siglo xix a nombre de Tirso de Molina. Nuestro planteamiento crítico se basa en el cotejo y análisis de variantes y en la verificación de fuentes, lo que lleva a una revi¬sión en profundidad tanto del texto como de las atribuciones fraudulentas, tan frecuentes en el siglo xvii.

Las diversas modalidades de litera¬tura distanciadas de la vertiente realista, denominadas por gran parte de los es¬pecialistas como formas no miméticas, están despertando un notable interés en el ámbito editorial y en el crítico. En el mundo académico se ha incrementado también la reflexión sobre este tipo de manifestaciones opuestas a la codifica¬ción realista, y caracterizadas por una visión subversiva del mundo contem¬poráneo. La pretensión de este libro es ofrecer un nuevo acercamiento al desa¬rrollo de las estéticas de lo insólito en la narrativa en español desde 1980 a la ac¬tualidad. Es imposible abarcar de modo exhaustivo en un solo título el marco espacial y temporal implicado en nues¬tro objeto de estudio, pero sí se pueden establecer calas en las categorías más re¬levantes, además de huir de la repetición de lo ya conocido.
El presente volumen se detiene en algunas de las direcciones más sobresa¬lientes que adoptan las manifestaciones de lo insólito, analizando sus resortes y diversos textos representativos de la ficción española e hispanoamericana de las últimas décadas, además de re¬saltar su capacidad crítica. A ello suma el intento de matizar y de completar la clasificación de dichos cauces, y la nece¬saria aplicación de perspectivas teóricas transversales. De este modo, se trata de contribuir a los necesarios y sugestivos debates que está abriendo la práctica contemporánea de lo no mimético en la narrativa en español. Confiamos en que las investigaciones desarrolladas en estas páginas sean una muestra, aunque parcial, de la riqueza literaria de las diversas formulaciones textuales de lo insólito que nos ofrecen un retrato cabal y certero de las realidades fracturadas que constituyen nuestro mundo

Este volumen se propone presentar el panorama de la literatura hispanoamericana del siglo XX con posterioridad al Modernismo. Este siglo ofrece una enorme riqueza y fecundidad en todos sus géneros, que, precisamente, vertebran la estructura de la obra: narrativa, poesía, ensayo y teatro. En el caso de los dos primeros, narrativa y poesía, se atiende a dos vertientes: a sus líneas de desarrollo, corrientes o tendencias y a las trayectorias específicas y particulares por áreas culturales o nacionales. El ensayo y el teatro se ofrecen como exhaustivas monografías sobre sus respectivas materias.