El equipo TESORO de la Universidad de La Rioja, junto a investigadores de otros centros españoles y extranjeros, trabaja desde hace algunos años en la recuperación de la obra de Álvaro Cubillo de Aragón, uno de los dramaturgos más destacados del ciclo calderoniano. En este volumen se recoge la edición crítica de tres comedias de distinto signo: El conde Dirlos, El vencedor de sí mismo y La honestidad defendida de Elisa Dido, reina y fundadora de Cartago. Las dos primeras ofrecen sobresalientes ejemplos de la inspiración que Cubillo de Aragón encontró en la materia caballeresca, bien tomada de la tradición romancística o ariostesca; la tercera, incluida en su canónica miscelánea El enano de las Musas, trata un tema de historia y leyenda extranjera, fuentes a las que el dramaturgo recurrió también en otras obras de su producción. Tanto la diversidad genérica como las fechas de composición a las que pertenecen dan buena muestra de la evolución temática y estilística del autor, así como de su ingenio escénico y de su capacidad creativa para el hibridismo genérico.

• Estudio preliminar de Enrique Rull y Ana Suárez.
• Ignacio Arellano (ed.)
• Colección Ediciones críticas 229 (Autos sacramentales completos de Calderón 100).

Sobre un motivo de vasta tradición, la imagen del mundo y la vida como teatro en el que cada hombre desempeña su papel, que termina con la muerte para recibir su premio o castigo, se articula este auto sacramental, quizá el más famoso de su autor.
Las connotaciones de fugacidad, de inestabilidad y de acabamiento se reflejan de modo inmejorable en la metáfora básica a la que tanta afición muestra el Barroco, lección que revela la dimensión ficticia de las pompas mundanales. La responsabilidad y el libre albedrío son otras fuerzas básicas: una vez repartidos los papeles cada actor es dueño de su actuación y responsable, por tanto, de la misma. La admirable eficacia de la dramaturgia calderoniana sigue apelando a la razón y a la emoción del espectador en esta pieza maestra.

-- Edición de Elena E. Marcello y Fernando Rodríguez-Gallego.
El heredero del cielo dramatiza la conocida parábola de los viñadores homicidas, ejemplo de la desobediencia e ingratitud del hombre. Con una sencilla y eficaz simbiosis de elementos populares y musicales, Lope ilustra al público de su tiempo la eterna lucha del Bien y el Mal, cautivándolo visual y emotivamente.
El niño pastor, auto que destaca por sus momentos de lirismo, fue compuesto por Lope probablemente en 1614, año en el que se representó en Sevilla. Está construido en torno al motivo de la Redención y escenifica alegóricamente varios pasajes de la vida de Jesucristo, caracterizado como un niño.

• Edición de Claudia Demattè, María Moya García, Enrico Di Pastena y Josefa Badía Herrera.
• Colección Ediciones críticas, 217.

El mariscal de Virón, La toquera vizcaína y Amor, privanza y castigo completan la publicación, con el cuarto volumen de la serie, de las doce comedias del Primer tomo de comedias (1635) de Juan Pérez de Montalbán. Discípulo privilegiado de Lope de Vega e hijo de uno de los libreros más importantes de Madrid de principios del siglo XVII, el dramaturgo gozó, en su breve vida, de un amplio éxito en las tablas y merece de derecho un puesto central entre los autores más significativos del Siglo de Oro.

Victoriano Roncero, Ignacio D. Arellano-Torres (eds.)

Lope de Vega debió de escribir el auto La privanza del hombre entre finales de 1601 y principios de 1606, probablemente en 1604-1605, un poco antes de la representación que se llevó a cabo en Sevilla el 9 de junio de 1605. En él se plantea no solo una serie de cuestiones religiosas, sino el asunto —tan actual en la época— de la privanza, sin que falten algunas críticas para el gran privado del momento, el duque de Lerma: «Lope de Vega testimonia una situación de corrupción del sistema de justicia en la España de principios del siglo XVII».

Por su parte, el auto de El nombre de Jesús se presenta sobre todo como «Poesía villanesca de inspiración lírica integrada en la estructura (aparente) de un auto sacramental». El núcleo es el nombre de Jesús, su significado y trascendencia simbólica en la trayectoria de la redención. Se publicó en Fiestas del Santísimo Sacramento, repartidas en doce autos sacramentales… 1644, junto con una loa (probablemente de Lope) y un entremés que no cabe atribuir al Fénix. Todas las piezas de este festejo sacramental se publican en el presente volumen.

Este segundo volumen de la serie «Autos sacramentales completos de Lope de Vega» recoge los otros dos autos que el dramaturgo insertó en El peregrino en su patria (1604). La Maya es seguramente uno de los autos lopianos más conocido y editado a lo largo de estos tres siglos de fortuna editorial. Su alegoría y su construcción se basan en ciertas fiestas de carácter popular y variopintos ritos profanos cultivados a lo largo de los siglos XVI y XVII.
El segundo texto, El viaje del alma, se configura como una verdadera naumaquia entre la nave de las tinieblas y la nave de la Iglesia en continua disputa de su pasajero principal: el alma, que inicia un viaje final que le llevará desde el abandono de la existencia terrena a la unión mística con Cristo.

• Edición de Juan Manuel Escudero Baztán.

La primera entrega de la serie «Autos sacramentales completos de Lope de Vega» ofrece dos de los cuatro autos publicados en El peregrino en su patria (1604) de Lope de Vega: Las bodas entre el Alma y el Amor divino y El hijo pródigo.
El primero de los autos sacramentales basa su alegoría en la circunstancia histórica de las bodas reales entre Felipe III y Margarita de Austria, quienes contrajeron matrimonio en Valencia en 1599. Este auto fue representado en Valencia durante la octava del Corpus, pocos días después de dichas nupcias reales. Aquí se ofrece, por vez primera, una edición crítica del texto anotando los pasajes más dificultosos.
El segundo de los autos sacramentales, El hijo pródigo, fue la última obra insertada en la novela de Lope. El autor parte de la conocida parábola evangélica (Lucas, 15, 11-32), muy utilizada por el teatro religioso de la época, y desarrolla con gran maestría toda la trama.

• Edición de J. Enrique Duarte.

-- Edición de Claudia Demattè, Marcella Trambaioli, Roberta Alviti y Teresa Ferrer Valls.

Las tres comedias que figuran como las últimas del Primer tomo de comedias (1635) confirman lo que ya se señaló en la introducción al primer volumen: Montalbán recogió piezas que procedían de distintos géneros teatrales subrayando una vez más la heterogeneidad de su obra. Olimpa y Vireno declara abiertamente, a partir del título, su deuda con la tradición ariostesca italiana. La historia de los dos protagonistas, sacada del Orlando Furioso, se convierte en un motivo literario independiente mientras que Olimpa adquiere el estatus de mujer guerrera, según el modelo la Bradamante de Ariosto. El señor don Juan de Austria se sitúa en el marco del «drama histórico», según Profeti, al combinar hechos verídicos con una intriga amorosa. Montalbán manejó por lo menos dos de las biografías del hijo natural de Carlos V, situando la acción dramática entre Madrid y Flandes. Los amantes de Teruel, última comedia del Primer tomo, y quizás la pieza de Montalbán más conocida en la actualidad, parte de un fondo histórico, la época de Carlos V y la conocida jornada de Túñez en 1535, para dar vida, en las tablas, a una tradición que relata los amores trágicos de los amantes cuyas fuentes históricas, folklóricas y literarias explica en detalle Teresa Ferrer Valls.

Muy buen ejemplo del gran don que tenía Lope de Vega como escritor de comedias de santos, San Nicolás de Tolentino demuestra su rara habilidad en transformar pesadas hagiografías prosísticas en comedias excitantes. A la resucitación de una perdiz asada se sigue la liberación del purgatorio de unas almas en pena. La extrema piedad del protagonista se ve yuxtapuesta a la comicidad impúdica del gracioso, que, a pesar de su codicia y su lujuria, consigue ofrecer al público un modelo alternativo de bondad. Lope compuso esta obra mientras se preparaba para su ordenación sacerdotal en 1614. Es una orgía de catolicismo barroco.

Escrito por Lope de Vega hacia 1614 y publicado en 1641 en la Veinticuatro parte perfecta, San Nicolás de Tolentino trata la vida y milagros del primer fraile agustino que se canonizó. Este santo ascético, que durante el Siglo de Oro disfrutaba de muchos devotos, tenía la reputación de ser un poderoso intercesor para con Dios y los muchos milagros que se escenifican en la comedia –desde la resucitación de una perdiz asada a la liberación del purgatorio de unas almas en pena– habrían constituido uno de sus mayores atractivos y habrían puesto a prueba la ingeniosidad de los tramoyistas teatrales. Está claro, sin embargo, que Lope quería asegurar que sus personajes también contribuyeran a la consecución de las finalidades de esta comedia de santos, o sea, inspirar al oyente a reformarse y a incrementar su devoción a san Nicolás. El estudio que se presenta junto a la edición explica cómo Lope adapta sus fuentes hagiográficas a fin de conseguir estas metas, en particular con la creación del gracioso, Ruperto, que, a diferencia del santo, debe pelear con valentía contra las tentaciones de la carne. Ofreciendo así al público un modelo de bondad más asequible además de una dosis de comicidad de una impudicia quizá inesperada, Ruperto debió de proveer aliento y ánimo a las personas de mediana virtud, tal vez como el mismo Lope, que se preparaba para su ordenación sacerdotal mientras compuso «San Nicolás.» El estudio que acompaña a la edición crítica –la primera de esta comedia– también esboza la historia de la veneración en España de Nicolás de Tolentino, examina la fecha de composición y las fuentes probables de la obra, estudia la fenomenología de los personajes «alegóricos» comunes en el teatro hagiográfico y presenta un análisis de la versificación de la comedia.

• Edición de Roy Norton.

-- Edición de Claudia Demattè, David Arbesú y Philip Allen.

.Juan Pérez de Montalbán fue discípulo privilegiado de Lope de Vega e hijo de uno de los libreros más importantes de Madrid de principios del siglo XVII. Con este volumen se da inicio a la publicación de las comedias «varias» que no fueron incluidas en los dos tomos oficiales de comedias, es decir, el Primero tomo de 1635 y el Segundo tomo de 1638. Se editan aquí obras tan señaladas como Morir y disimular, la primera comedia compuesta por Montalbán; Gravedad en Villaverde, una temprana adaptación teatral de una novela ejemplar; y La más constante mujer, una de las obras con más éxito de este autor.