Hay una vena misógina antiquísima, milenaria, que se pierde en la noche de los tiempos. Pero Lope se desmarca de ella. Porque las mujeres no fueron para Lope solo un radiante objeto de deseo, sino que virtudes que otros atribuían exclusivamente a los varones (prudencia coraje, osadía, inteligencia...) quedan encarnadas en muchas de las protagonistas de sus comedias. Y El alcalde mayor es su mejor ejemplo. Obra especialmente singular, porque, dentro de los cánones del nuevo teatro creado por el propio Lope, tiene a la mujer, Rosarda, como protagonista exclusiva, muy por encima del resto de los personajes.
"O el destino de una mujer que iba para casada..." rezaba el subtítulo original. Pero Rosarda, que, tras estudiar Leyes en la Universidad de Salamanca, gana un enredoso pleito en Valladolid, ante el más alto tribunal de justicia de España, y luego, en su Toledo natal, llegará a ser alcalde mayor de la capital del reino. Y ella, y solo ella, será quien decida sobre su propio destino.

-- Edición de Elena E. Marcello y Fernando Rodríguez-Gallego.
El heredero del cielo dramatiza la conocida parábola de los viñadores homicidas, ejemplo de la desobediencia e ingratitud del hombre. Con una sencilla y eficaz simbiosis de elementos populares y musicales, Lope ilustra al público de su tiempo la eterna lucha del Bien y el Mal, cautivándolo visual y emotivamente.
El niño pastor, auto que destaca por sus momentos de lirismo, fue compuesto por Lope probablemente en 1614, año en el que se representó en Sevilla. Está construido en torno al motivo de la Redención y escenifica alegóricamente varios pasajes de la vida de Jesucristo, caracterizado como un niño.

Victoriano Roncero, Ignacio D. Arellano-Torres (eds.)

Lope de Vega debió de escribir el auto La privanza del hombre entre finales de 1601 y principios de 1606, probablemente en 1604-1605, un poco antes de la representación que se llevó a cabo en Sevilla el 9 de junio de 1605. En él se plantea no solo una serie de cuestiones religiosas, sino el asunto —tan actual en la época— de la privanza, sin que falten algunas críticas para el gran privado del momento, el duque de Lerma: «Lope de Vega testimonia una situación de corrupción del sistema de justicia en la España de principios del siglo XVII».

Por su parte, el auto de El nombre de Jesús se presenta sobre todo como «Poesía villanesca de inspiración lírica integrada en la estructura (aparente) de un auto sacramental». El núcleo es el nombre de Jesús, su significado y trascendencia simbólica en la trayectoria de la redención. Se publicó en Fiestas del Santísimo Sacramento, repartidas en doce autos sacramentales… 1644, junto con una loa (probablemente de Lope) y un entremés que no cabe atribuir al Fénix. Todas las piezas de este festejo sacramental se publican en el presente volumen.

Este segundo volumen de la serie «Autos sacramentales completos de Lope de Vega» recoge los otros dos autos que el dramaturgo insertó en El peregrino en su patria (1604). La Maya es seguramente uno de los autos lopianos más conocido y editado a lo largo de estos tres siglos de fortuna editorial. Su alegoría y su construcción se basan en ciertas fiestas de carácter popular y variopintos ritos profanos cultivados a lo largo de los siglos XVI y XVII.
El segundo texto, El viaje del alma, se configura como una verdadera naumaquia entre la nave de las tinieblas y la nave de la Iglesia en continua disputa de su pasajero principal: el alma, que inicia un viaje final que le llevará desde el abandono de la existencia terrena a la unión mística con Cristo.

• Edición de Juan Manuel Escudero Baztán.

La primera entrega de la serie «Autos sacramentales completos de Lope de Vega» ofrece dos de los cuatro autos publicados en El peregrino en su patria (1604) de Lope de Vega: Las bodas entre el Alma y el Amor divino y El hijo pródigo.
El primero de los autos sacramentales basa su alegoría en la circunstancia histórica de las bodas reales entre Felipe III y Margarita de Austria, quienes contrajeron matrimonio en Valencia en 1599. Este auto fue representado en Valencia durante la octava del Corpus, pocos días después de dichas nupcias reales. Aquí se ofrece, por vez primera, una edición crítica del texto anotando los pasajes más dificultosos.
El segundo de los autos sacramentales, El hijo pródigo, fue la última obra insertada en la novela de Lope. El autor parte de la conocida parábola evangélica (Lucas, 15, 11-32), muy utilizada por el teatro religioso de la época, y desarrolla con gran maestría toda la trama.

• Edición de J. Enrique Duarte.

Muy buen ejemplo del gran don que tenía Lope de Vega como escritor de comedias de santos, San Nicolás de Tolentino demuestra su rara habilidad en transformar pesadas hagiografías prosísticas en comedias excitantes. A la resucitación de una perdiz asada se sigue la liberación del purgatorio de unas almas en pena. La extrema piedad del protagonista se ve yuxtapuesta a la comicidad impúdica del gracioso, que, a pesar de su codicia y su lujuria, consigue ofrecer al público un modelo alternativo de bondad. Lope compuso esta obra mientras se preparaba para su ordenación sacerdotal en 1614. Es una orgía de catolicismo barroco.

Escrito por Lope de Vega hacia 1614 y publicado en 1641 en la Veinticuatro parte perfecta, San Nicolás de Tolentino trata la vida y milagros del primer fraile agustino que se canonizó. Este santo ascético, que durante el Siglo de Oro disfrutaba de muchos devotos, tenía la reputación de ser un poderoso intercesor para con Dios y los muchos milagros que se escenifican en la comedia –desde la resucitación de una perdiz asada a la liberación del purgatorio de unas almas en pena– habrían constituido uno de sus mayores atractivos y habrían puesto a prueba la ingeniosidad de los tramoyistas teatrales. Está claro, sin embargo, que Lope quería asegurar que sus personajes también contribuyeran a la consecución de las finalidades de esta comedia de santos, o sea, inspirar al oyente a reformarse y a incrementar su devoción a san Nicolás. El estudio que se presenta junto a la edición explica cómo Lope adapta sus fuentes hagiográficas a fin de conseguir estas metas, en particular con la creación del gracioso, Ruperto, que, a diferencia del santo, debe pelear con valentía contra las tentaciones de la carne. Ofreciendo así al público un modelo de bondad más asequible además de una dosis de comicidad de una impudicia quizá inesperada, Ruperto debió de proveer aliento y ánimo a las personas de mediana virtud, tal vez como el mismo Lope, que se preparaba para su ordenación sacerdotal mientras compuso «San Nicolás.» El estudio que acompaña a la edición crítica –la primera de esta comedia– también esboza la historia de la veneración en España de Nicolás de Tolentino, examina la fecha de composición y las fuentes probables de la obra, estudia la fenomenología de los personajes «alegóricos» comunes en el teatro hagiográfico y presenta un análisis de la versificación de la comedia.

• Edición de Roy Norton.

De la mil ochocientas comedias que se atribuyen a Lope de Vega se han conservado unas quinientas. Entre las más importantes destaca Fuente Ovejuna, la que goza de más popularidad en el siglo XX, por su admirable fusión del plano general con las tensiones políticas y sociales de un período de la historia de España y del plano particular de opresión y violencia desatadas entre las gentes de una villa. De todo ello da buena cuenta la cuidada edición de Juan José Amate Blanco, con su precisa exposición introductoria de los tipos del teatro lopesco, sus ajustadas notas y comentarios de los momentos culminantes de la obra y su explicación final de los elementos temáticos y formales de este inolvidable drama del poder injusto.

Los hechos históricos sobre la rebelión de los habitantes de Fuente Ovejuna contra Fernán Gómez, comendador de Calatrava, en los primeros días de los Reyes Católicos, inspiraron una de las obras maestras de Lope de Vega y, por ende, de todo el teatro clásico español.La edición de Donald McGrady ofrece un texto depurado y primorosamente anotado, para que el lector no pierda un solo detalle -histórico o literario- de la obra.