Este libro nos invita a adentrarnos en el apasionante mundo de la creación artística, desde ese lugar privado y recóndito, donde se ocultan los fantasmas personales que originan con tanta frecuencia las ideas y emociones más intensas, hasta el barullo de un plató, donde, ante decenas de personas, bajo la luz de los focos, con la cámara en acción, esos fantasmas empiezan a obedecer a un orden invisible, a encarnarse en una historia que, gracias al arte, pasará a ser nuestra. Bergman no duda en revelar en estas páginas sus apuntes de trabajo, notas y diarios de sus rodajes y montajes teatrales, así como los recuerdos y las obsesiones que pueblan su cinematografía. Imágenes es, en suma, un fascinante viaje por la memoria de un creador para quien el arte, la obra y la vida fueron siempre una misma y única cosa.

Cualquier aficionado al cine tiene algo más que la sospecha de que el Hollywood clásico, la «fábrica de sueños» de las décadas treinta a cincuenta del siglo pasado, ya no es lo que era, y no sólo porque el glamour y el ingenio de aquellas películas hayan pasado a mejor vida, sino porque las estructuras económicas e industriales que los sustentaban –los grandes estudios, los magnates de épica biografía, las lujosas salas de estreno, los pequeños cines de sesión doble– han desaparecido también. Edward Jay Epstein da cuenta de ese cambio con una documentación exhaustiva, que combina la anécdota y el detalle esclarecedor con una información tan rigurosa como amena.
Si, en la «edad dorada», el dinero de la industria procedía casi en exclusiva de una sola fuente –la taquilla–, hoy en día las películas no suponen más que un mínimo porcentaje de los ingresos de un universo mediático dominado por seis grandes conglomerados empresariales –Sony, Time Warner, Disney, Viacom, NBC Universal y News Corporation–. Los ingentes beneficios de estas corporaciones proceden de una miríada de empresas y vías de explotación de las imágenes: vídeo, DVD, bandas sonoras, videojuegos, televisión por cable y hasta parques temáticos. Pero el dinero no lo es todo y Epstein analiza cuanto se cuece detrás de la gran pantalla: la infantilización del público y de las películas, el papel del cine «independiente» dentro del engranaje, la intencionalidad política de los mensajes... En suma, una panorámica iluminadora de la evolución de esta industria fascinante, un Hollywood que ha sabido sobrevivir y adaptarse, como si todo hubiera de cambiar para que nada cambie.

Ricardo Muñoz Suay (Valencia, 1917-1997), hijo de un próspero médico valenciano de ideas liberales, quedó de niño atrapado por la magia del cine cuando asistió por casualidad a una filmación en un viejo patio de su ciudad natal. Durante la Segunda República y la guerra civil, se convirtió en un inquieto activista universitario. Siempre desde posiciones radicales, antifascistas y anticlericales, en esos agitados años también participó en los eventos cinematográficos de la Valencia republicana.
Terminada la guerra, Muñoz Suay pasó seis años literalmente enclaustrado en su domicilio familiar por temor a las represalias, un temor que se vio confirmado cuando, en 1946, fue detenido y encarcelado durante dos años y medio. En los años cincuenta, Muñoz Suay inició una infatigable labor como ayudante de dirección, escritor cinematográfico, productor y relaciones públicas de UNINCI, una productora legalmente constituida que en realidad estaba «gestionada» por la cúpula del Partido Comunista de España.
Hábil nadador en las agitadas aguas de la represión franquista y la clandestinidad, Muñoz Suay intentó dignificar el cine español de su tiempo, impulsó revistas y coloquios y fue, en definitiva, el «hombre en la sombra» de realizadores como Berlanga, Bardem o Buñuel. A partir de los años sesenta, prácticamente, hasta el final de sus días, alejado de la disciplina comunista, prosiguió su ingente labor de agitador cultural, volcado en tareas de promoción editorial y gestión de diversos proyectos cinematográficos, entre los que destaca la Filmoteca de Valencia, que hoy lleva su nombre.

En 1972, Bergman empezó a escribir una obra dramática sobre un hombre que va a abandonar a su mujer, pero «antes de darme cuenta tenía seis diálogos sobre el amor, el matrimonio y todo lo demás. Johan y Marianne o Marianne y Johan [los protagonistas] se habían permitido mostrarse valientes, cobardes, alegres, tristes, enfadados, amorosos, desconcertados, inseguros, satisfechos, astutos, desagradables, pueriles [...], malvados, desamparados, en pocas palabras, como seres humanos». Esos seis diálogos sobre el amor y el desamor se convertirían al año siguiente en "Secretos de un matrimonio" –miniserie televisiva y versión cinematográfica–. Bergman añadía un comentario que dice mucho sobre la íntima relación que guardan en su caso vida y obra: «Tardé dos meses en escribir estas escenas y toda una vida en experimentarlas».
Treinta años después, un Bergman ya octogenario vuelve sobre los personajes como si recuperara el hilo de una conversación interrumpida: Marianne y Johan se reencuentran en la elogiada película "Saraband". Ahora se enfrentan no sólo al desgarro de la impostura o la incomunicación, sino también a la ausencia de seres queridos, a un fin que saben próximo. Con la aparición del hijo y la nieta de Johan, los personajes se encuentran de dos en dos, como en la zarabanda –danza lenta y grave en la que las parejas se hacen y deshacen–. Se abren y cierran heridas, afloran tensiones sin resolver, y asoman esperanzas, nostalgias.

Más de cuarenta años de amistad cómplice avalan al crítico Tullio Kezich en la tarea de abordar desde la cercanía, a veces desde la indiscreta intimidad, la biografía de Fellini. Con rigor y una prosa ágil combinada con una documentación exhaustiva, Kezich da cuenta de la vida y la obra del maestro: desmiente innumerables leyendas que rodean su figura (muchas de ellas inventadas por él mismo: Federico era, al fin y al cabo, felliniano); revela facetas poco conocidas –su gusto por las ciencias ocultas, sus devaneos con el psicoanálisis–; arroja nueva luz sobre su relación con las mujeres, con especial atención y tacto a sus cincuenta años de «monogamia a la italiana» con la inolvidable Giulietta Masina; repasa las vicisitudes de la gestación y el rodaje de todas sus películas –hasta de proyectos que no llegaron a realizarse–, así como el aplauso o la incomprensión con que fueron acogidas; y en ese recorrido que abarca tres cuartos de siglo, de 1920 a 1993, la mirada de Kezich se demora también en sus relaciones personales y profesionales con una nómina de otros grandes de la cultura que produce vértigo: de Rossellini a Antonioni, de Pasolini a Dino Buzzati, de Visconti a Mastroianni.
Con afecto y admiración explícitos, pero sin escamotear los claroscuros ni las contradicciones, Kezich ofrece múltiples claves para entender la obra y a su autor en esta biografía considerada ya definitiva del director de "La Strada" y "Amarcord". El Fellini que se despliega en estas páginas –sátiro y satírico, concupiscente y tierno, memorioso y olvidadizo, interesado y desprendido– va más allá del mito: el genio fue, también, un hombre de carne y hueso.

No es verdad que ya no se hagan películas como las de antes; se siguen rodando, y a miles, cada año, pero no en Hollywood sino en Bombay, el mayor centro de producción cinematográfica del planeta: un mundo de ensueño que vende fantasías multicolores a gran escala. Allí se ruedan películas de géneros un tanto peculiares para la mirada occidental: filmes de acción con héroes y villanos que interrumpen sus peleas para ponerse a cantar y bailar, culebrones donde las parejas nunca se besan, epopeyas históricas con dioses hindúes... Esto es Bollywood.
Y allí llega Ashok Banjara, universitario de buena familia pero pésimo actor. Y, contra todo pronóstico, triunfa de manera apoteósica. La novela narra el ascenso y las peripecias de esta nueva estrella: un personaje tierno y ridículo, prepotente y vulnerable a la vez. Shashi Tharoor se detiene en el telón de fondo escondido tras los oropeles, y no sólo retrata los entresijos de una industria tan exótica –con la variopinta galería de actores, directores, productores, extras, columnistas de cotilleos, gurús y parásitos de toda laya que pululan por ella–, sino que ofrece una panorámica entre esperpéntica e hiperrealista de la India actual con todas sus contradicciones sociales y políticas.

«Cuando me apetece ser director de cine, escribo una novela.» (John Irving).l
En 1986, tras acabar de escribir Príncipes de Maine, reyes de Nueva Inglaterra, John Irving (Exeter, New Hampshire, Inglaterra, 1942) comenzaba la redacción del guión para adaptarla al cine. Trece años de trabajo, innumerables modificaciones y cuatro directores sucesivos separan aquellos primeros tanteos de la película protagonizada por Michael Caine que terminó por dirigir Lasse Hällstrom en 1999.
Con su peculiar sentido de la ironía, Irving relata los avatares que suelen acompañar la transformación de una novela en un largometraje: la sensibilidad e inteligencia del director,
la necesidad de acortar los diálogos y comprimir escenas, la eliminación de personajes, incluso la creación de otros nuevos. Divertido y fascinado a la vez, el lector descubre en estas páginas los infinitos esfuerzos que hay detrás hasta de la más breve secuencia cinematográfica y comprende la magia que logra dar vida en la pantalla a unos personajes de papel. Pero no acaban aquí las sorpresas, porque este libro no es sólo una hermosísima reflexión en torno al papel del escritor, sino que en él hallamos el fascinante retrato de Frederick Irving -el abuelo médico del autor-, así como un más que convincente alegato contra la legislación antiabortista y, en suma, una emocionante recreación de aquel mundo que ya animaba Príncipes de Maine, reyes de Nueva Inglaterra.

-- «XXXIII Premio Comillas 2021»

Luis García-Berlanga (Valencia, 1921-Pozuelo de Alarcón, 2010) dirigió a lo largo de su carrera diecisiete largometrajes, entre los cuales se cuentan obras maestras como Bienvenido, Mister Marshall, Plácido, El verdugo, o, en años posteriores, la hilarante serie iniciada con La escopeta nacional. Con una sensibilidad particular para retratar la picaresca valiéndose del esperpento y de una irónica ternura, Berlanga consiguió sortear los embates de la censura y abrir con su cine una personalísima vía de crítica social, y que ha dado lugar a la categoría de berlanguiano. Creador de historias y personajes inolvidables, el director valenciano llevó a las pantallas un mundo propio, en el que, junto a una penetrante mirada sobre las realidades colectivas, destaca una erotomanía y un imaginario femenino obsesivo y, sin duda, polémico.
   Cuando se cumplen los cien años del nacimiento del genial director, la biografía que ha escrito Miguel Ángel Villena, brillante merecedora del XXXIII Premio Comillas, explora todas las facetas, vitales y artísticas de un creador indispensable para entender la segunda mitad del siglo XX en España.