Conmemorando el cincuentenario del fallecimiento de Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), Filming Picasso reúne las memorias de Luis Revenga acerca de Picasso, un singular documental producido entre 1980 y 1981, celebrando el centenario del nacimiento del pintor, para el que el director entrevistó a familiares y amigos íntimos del más celebre artista del siglo XX y contó con músicos de la talla de Paco de Lucía, Camarón y Pata Negra.

En las páginas de Filming Picasso Luis Revenga rescata las anécdotas casi inverosímiles que rodearon la filmación de aquel documento único: desde las condiciones que le impuso la familia, a las rencillas personales que mantenían los herederos de Picasso, o los intríngulis de la financiación del documental, que se consideró un «asunto de Estado», y en la que se involucraron las más altas esferas de la política y la cultura del momento. Además, gracias a la evocación de las conversaciones íntimas, repletas de confidencias, que mantuvo con Salvador Dalí, Michel Leiris, Dora Maar, Henry Moore, Camilo José Cela, Jacqueline Picasso, Antoni Tàpies, Rafael Alberti o José Bergamín, entre muchos otros, este libro ofrece una mirada sin prejuicios sobre la persona, Pablo, que había detrás de uno de las grandes genios del arte del siglo XX.

No hay que hacer un gran esfuerzo para subrayar la relevancia de Pedro Almodóvar en nuestro cine, en el conjunto de la cultura hispana y hasta en el cine universal. Desde luego, es el director español más conocido en el mundo después de Luis Buñuel. Un cineasta, como diría André Bazin, cuya filmografía en su conjunto es superior a la suma de los filmes individuales porque ha logrado construir un mundo propio a través de su obra cinematográfica.
La filmografía de Pedro Almodóvar sustenta una cosmovisión, pone en pie un mundo de ficción donde es posible establecer relaciones de unas películas con otras, apreciar continuidades en personajes e historias, comprender los intereses y valores del cineasta... Constituye, en suma, un " Universo Almodóvar " .
De ahí que la forma escogida para este libro sea la del diccionario. Cada uno de los artículos o entradas de este trabajo se presenta como un brevísimo ensayo, con los puntos esenciales que hay que tener presentes para que el lector aborde el tema y multiplique su disfrute como espectador. También contiene una selección de testimonios significativos del propio Pedro Almodóvar donde éste profundiza en las raíces de su creatividad y en los temas y preocupaciones de base de su filmografía. En resumen, la propia visión que tiene Almodóvar de sus películas, de su trabajo profesional, del cine en general, y de otras posiciones y convicciones. Un libro extraordinario y original, profusamente ilustrado, que satisfará tanto a los amantes del cine como al lector especializado.

EDICIÓN ESPECIAL CONMEMORATIVA DEL 50 ANIVERSARIO DE ALIANZA EDITORIAL
Alfred Hitchcock, el “maestro del suspense”, dirigió películas destinadas a quedar en la historia del cine, como Psicosis, Los pájaros, Vértigo o La ventana indiscreta, entre muchas otras. Entrevistado o “provocado” por François Truffaut, director de “Los cuatrocientos golpes”, desvela en este libro, presente en el catálogo de Alianza Editorial desde 1974, su vida y su pasión de cineasta, así como las anécdotas que rodearon sus rodajes.

La puesta en escena, concepto decisivo en las artes escénicas contemporáneas, adquiere todas sus potencialidades con el establecimiento del cine como un arte industrial. El sistema de estudios propició una división efectiva de tareas creativas -con el director a la cabeza- cuyo fruto sería el desarrollo de las posibilidades narrativas, dramáticas y compositivas del espacio. En esencia, se trataba de transmutar la escena literaria en soluciones audiovisuales, determinar el proceso creativo que va DEL PAPEL AL PLANO, libro que estudia la puesta en escena cinematográfica desde una triple perspectiva: teórica, histórica y técnico-expresiva. A lo largo del texto se analiza la obra de directores como Méliès, Griffith, Welles, Mizoguchi, Dreyer, Bresson, Ozu, Tati, Godard, Antonioni o Angelopoulos y por sus páginas desfilan también decenas de ejemplos y cineastas, con una mención especial al cine español: Berlanga, Bardem, Buñuel, Fernando Léon de Aranoa, Manuel Martín Cuenca, y muestra a los futuros profesionales distintas herramientas asociadas a la puesta en escena -storyboard, guion técnico, planta de realización, etc.- para guiarse en la creación de su propia obra. Un texto, complementado con más de 500 ilustraciones que iluminan su lectura, que recorre el devenir del cine desde su orígenes y se plantea su sentido actual y trata de responder a la difícil pregunta: ¿siguen vigentes la puesta en escena y las nociones de estilo y autor?

La comedia es el género más característico del cine español. Emparentada desde sus inicios con el sainete, la zarzuela y la astracanada, va perfilándose a lo largo de la primera mitad del siglo XX, y alcanza la consolidación definitiva en los años 60. Apoyada, sostenida, alentada por un público incondicional, nuestra comedia cinematográfica ha ido evolucionando al mismo tiempo que el país, fijándose en las ilusiones, fatigas, gozos y peripecias de sus ciudadanos, hombres y mujeres lanzados al empeño común de entenderse, relacionarse e, incluso, amarse. De la exactitud o falsedad del reflejo que ofrece la pantalla podrán dar cuenta otros estudios con las herramientas proporcionadas por la sociología, la psicología o la antropología. Álvaro del Amo ha realizado un análisis estrictamente formal. A través de la descripción de los personajes, sometidos a situaciones peculiares, descubrimos los resortes y soluciones de un estilo, sólidamente articulado, capaz de conducir la historia y sus variantes firme y contundentemente hacia el limbo turbio de un final feliz. Si de 1967 a 1975 el género celebró su madurez en una lista abundante de títulos, durante las tres largas décadas siguientes ha combinado hábilmente desarrollo y fidelidad a sí mismo, ampliando la nómina de sus personajes y adaptándose a la tensión siempre cambiante entre lo masculino y lo femenino. De todo ello se da cuenta aquí, a través de un relato que restituye los perfiles de un tipo de cine irremediablemente propio, cuyo descubrimiento despertará sin duda tanto la sorprendida sonrisa como la preocupación fundada del lector, que sabe, como el autor, que para conocernos mejor no sirven insultos ni anatemas, sensatamente sustituidos por una cruda y estimulante objetividad.

Mito y memoria son dos términos que han hecho fortuna en los últimos tiempos para referirse a la guerra civil española. Ambos revelan el creciente interés, no sólo por asentar y comprender los hechos históricos, sino por indagar en los discursos humanos que al menos tres generaciones de españoles han generado respecto a la trágica contienda. El cine constituye un espacio idóneo para afrontar esta doble dimensión: si su condición de relato lo convierte en una poderosa máquina mitográfica, su primacía visual lo hace idóneo para cristalizar imágenes memorísticas duraderas. Este libro recorre setenta años de la producción de las imágenes y los relatos de la guerra tal y como los representó el cine, desde la propaganda de choque que se forjó en pleno fragor de la batalla hasta los documentales y reportajes retrospectivos que circulan abundantemente por el cine y la televisión de hoy en día.

Una película histórica permite aproximarse al acontecimiento, a los personajes y a los problemas de la época narrada, pero también supone una importante fuente de información acerca de la visión que tuvieron sobre ese hecho histórico las autoridades del país productor. A su vez,su éxito o fracaso en la taquilla dice mucho acerca de la sintonía entre la opinión pública y la oficial.
En esta nueva edición revisada y actualizada, José María Caparrós Lera, profesor de la Universidad de Barcelona, demuestra cómo a través de El Gatopardo, Lo que el viento se llevó, íViva Zapata!, Octubre, Bienvenido Míster Marshall o Muerte de un ciclista podemos saber más de la Unificación italiana, la Guerra de Secesión, la Revolución mexicana o la rusa, y la España rural o urbana del franquismo. Articuladas en veinticinco capítulos que abarcan desde la Revolución francesa hasta la Guerra de Vietnam ­o lo que es lo mismo, desde La marsellesa hasta Apocalypse Now­ y acompañadas de los correspondientes fotogramas, cronolo-gías y breves estudios sobre el contexto de la época, las 100 películas sobre Historia Contemporánea aquí recogidas constituyen un magnífico ejemplo de las inmensas posibilidades de la utilización del cine como medio de enseñanza de la historia.

Fruto de una serie de entrevistas entre Claude Chabrol y François Guérif, este breve compendio realiza un repaso integral al proceso de “Cómo se hace una película”. Matizado en todo instante por la ácida y personal visión del director de “El bello Sergio”, “El carnicero”, “El grito de la lechuza”, “La ceremonia” o “La flor del mal”, el contenido de estas páginas toca desde los primeros pasos de la aventura que supone toda realización cinematográfica -la elección del tema, la escritura del guión, la búsqueda de un productor- hasta los últimos -la explotación y recepción del film-, pasando, naturalmente, por todos los problemas y detalles que lleva aparejados el rodaje, incluyendo la dirección de actores, las cuestiones técnicas y la función de cada uno de los que en aquél participan.

Una película histórica permite aproximarse al acontecimiento, a los personajes y a los problemas de la época narrada, pero también supone una importante fuente de información acerca de la visión que tuvieron sobre ese hecho histórico las autoridades del país productor. A su vez, su éxito o fracaso en la taquilla dice mucho acerca de la sintonía entre la opinión pública y la oficial. En esta nueva edición revisada y actualizada, José María Caparrós Lera, profesor de la Universidad de Barcelona, demuestra cómo a través de “El Gatopardo”, “Lo que el viento se llevó”, “¡Viva Zapata!”, “Octubre”, “Bienvenido Míster Marshall” o “Muerte de un ciclista” podemos saber más de la Unificación italiana, la Guerra de Secesión, la Revolución mexicana o la rusa, y la España rural o urbana del franquismo. Articuladas en veinticinco capítulos que abarcan desde la Revolución francesa hasta la Guerra de Vietnam –o lo que es lo mismo, desde “La Marsellesa” hasta “Apocalypse Now”– y acompañadas de los correspondientes fotogramas, cronologías y breves estudios sobre el contexto de la época, las “100 películas sobre Historia Contemporánea” aquí recogidas constituyen un magnífico ejemplo de las inmensas posibilidades de la utilización del cine como medio de enseñanza de la historia.

Qué es el Séptimo Arte. Cuál es su historia. Cómo se hace una película. Quiénes son los que la hacen. Cómo se ha de ver y analizar un film. Escrita por José María Caparrós Lera con intención divulgativa, esta sencilla “Guía del espectador de cine” compendia todo lo que hay que saber sobre la «fábrica de sueños» y que el espectador curioso se habrá planteado sin duda más de una vez. Una selección de 250 títulos claves y un glosario básico de términos relacionados con el cine aportan asimismo una dimensión ilustrativa que puede resultar sumamente útil tanto al autodidacta como al profesor. Del mismo autor en Alianza Editorial: “100 películas sobre Historia Contemporánea” y “100 documentales para explicar Historia”.