Entre las estrellas del cine, destacan por méritos propios, las actrices italianas que surgieron a partir de los años 40. Gracias al Neorrealismo, aparece un nuevo tipo de personaje con un enérgico carácter protagonizado por mujeres que derrochan un gran temperamento como son los de Alida Valli y Anna Magnani; años después, se unieron otros nombres cuya contribución fue decisiva para la consolidación de su industria y conquistar otros mercados. Silvana Mangano, Gina Lollobrigida, Gulietta Masina, Lucía Bosé, Sofía Loren y Claudia Cardinale lograron, junto a sus antecesoras, convertirse en rostros referenciales para el cine de la época, consiguiendo, en su mayoría, competir con las grades divas de Hollywood. Este libro hace un recorrido por la obra de cada una de ellas, destacando las principales interpretaciones así como la huella que dejaron en generaciones más jóvenes. La belleza y la personalidad fueron decisivas para competir con el resplandor de figuras tan emblemáticas como Audrey Hepburn y Elizabeth Taylor. Las actrices italianas se convirtieron en el símbolo de un época, sus caracterizaciones van desde una madre coraje hasta una gran dama de la Edad Media, encarnando a todo tipo de mujeres de su generación. Podría decirse que fueron, con su impronta natural y su espíritu liberal, las que se convirtieron en el referente de la mujer de una época que vivía sometida a la cultura machista. Ellas mostraron el camino para iniciar una andadura con el objetivo de alcanzar la igualdad entre hombres y mujeres.

Miguel Cane, excéntrico a tiempo completo, practicante del dandismo y la mitomanía amateur, en tiempos reputado ‘party boy’, ofrece una lectura imprescindible para aquellos que son devotos del séptimo arte y saben que todos estamos hechos de estrellas.
Sic transit Gloria Swanson. El libro manual que tiene en sus manos no es otro aburrido diccionario enciclopédico, onomástico o biográfico más. En realidad se trata de un altar en que brilla el reflector sobre figuras míticas que iluminaron la pantalla y han sido eclipsadas por el paso del tiempo y por otros ídolos. En estas páginas encontrará, ilustrado por el lápiz magistral de Ana Bustelo, un ejercicio formidable de memoria irredenta, un monumento al anecdotario y la trivia como ejercicio de fervor idólatra. ¿Qué dijo Tony Richardson al oído de Vanessa Redgrave mientras paría a su malograda primogénita, Natasha? ¿Cómo se las gastaba Bette Davis para hacer rabiar a sus múltiples enemigas? ¿Por qué era tan absolutamente detestable el padre del tierno ciervo Bambi? ¿Sabía usted que el primer nombre de pila de John Wayne era Marion? ¿Fue Joan Crawford tan mala madre como se afirma? ¿Por qué se aborrecen Olivia de Havilland y Joan Fontaine, siendo hermanas? ¿Sabía que Sharon Tate, disfrazada de jovial surfista californiana, sirvió de modelo para Barbie Malibú?
• Miguel Cane nace en 1974 en Ciudad de México. Desde que era niño, su abuelo paterno lo inició en los ritos de la más devocional cinefilia; sus primeros relatos, de horror gótico y misterio, aparecen publicados en revistas y fanzines y en 1996, bajo la tutela de Paco Ignacio Taibo I, se hizo periodista en la sección cultural del diario El Universal.
Casi dos décadas de entrevistas con figuras de la cinematografía internacional lo llevaron a compilar Íntimos Extraños: una colección de conversaciones, que reúne 35 de esas charlas con mitos de todo tipo. Desde 2003 es el crítico de cine titular de diario Milenio, y semanalmente colabora en el suplemento Dominical. Su época disipada como ‘party boy’ al estilo Fitzgerald quedó retratada en su primera novela, Todas las fiestas de mañana (título manqué a Lou Reed y a la Factory Warholiana) que apareció en 2007. Productor teatral, librero; excéntrico de tiempo completo, fiel practicante del dandismo y la mitomanía amateur, divide su tiempo entre Europa y México.

Roma, abril de 1993: en su despacho de corso d’Italia, Federico Fellini, el monstruo sagrado del cine, recibe en varias ocasiones a Goffredo Fofi y Gianni Volpi para una extensa entrevista destinada a ser memorable. El tema de las conversaciones no es tanto su cine, como el cine que, como él decía, le había arrebatado la vida.
El gran director se deja llevar por sus entrevistadores a través de una secuencia de recuerdos, divagaciones y reflexiones sobre su arte. Como apunta Volpi en su nota introductoria, «podía hablar indistintamente de Kafka o Jung, de Rossellini o Calvino» con un encanto que seducía a cualquiera, aunque era imposible no vislumbrar detrás de sus palabras una melancolía profunda que rozaba la desesperación. El cine había cambiado, la televisión lo había transformado y castrado.
El volumen se complementa con comentarios del propio Fellini a sus películas, incluidos en esta edición siguiendo los deseos del director, además de algunos fragmentos de entrevistas en los que diferentes directores americanos y europeos hablan sobre la obra del Maestro.

• Federico Fellini (1920-1993) director de cine y guionista, es universalmente considerado como uno de los principales protagonistas de la historia del cine mundial. Ganador de cuatro premios Óscar por la mejor película extranjera, en 1993 fue galardonado con un Óscar honorífico por su carrera.
Durante casi cuatro décadas, desde El jeque blanco de 1952 hasta La voz de la luna de 1990, Fellini se dedicó en cuerpo y alma a traducir en imágenes su particular mundo onírico poblado de personajes memorables. Decía de sí mismo que era «un artesano que no tiene nada que decir, pero sabe cómo decirlo». Su obra es ampliamente considerada como única e inolvidable, llena tanto de asperezas como de sátira y melancolía

El presente volumen reúne una colección de textos procedentes de la obra dispersa de Román Gubern, uno de los más brillantes teóricos de la comunicación audiovisual de nuestro país, centrados en temas relacionados con la imagen y la cultura audiovisual y escritos entre 1981 y 2011, con destino a periódicos, revistas, conferencias, simposios o congresos, catorce de los cuales (es decir, cerca de una cuarta parte de los ofrecidos en este libro) han permanecido hasta ahora inéditos. El volumen está dividido en cuatro apartados: el primero dedicado a teoría e historia del cine; el segundo centrado en el cine norteamericano; el tercero —y más extenso— sobre cine y cultura de masas en España, y el último sobre cultura de la imagen en general y sobre aspectos diversos de las industrias audiovisuales y sus tecnologías. En el período abarcado por esta antología se asistió al nacimiento de la televisión global, a la explosión de las televisiones privadas en Europa, a la despenalización de la pornografía en muchos países occidentales, al tránsito de la imagen analógica a la imagen digital, a la difusión de la telefonía móvil, a la comercialización de la realidad virtual, a la expansión meteórica de Internet y de las redes sociales, al ascenso en el mercado de los videojuegos y a la emergencia de las "tablets" y del libro electrónico. Todos estos temas, y algunos más —como la revolución robótica—, aparecen tratados en algún momento en este corpus heterogéneo de reflexiones, que balizan aspectos fundamentales del tejido cultural en nuestra sociedad posmoderna.
Presentación. La larga marcha de Román Gubern (Jenaro Talens); Introducción; Del cine como texto, como pretexto y como ideología; El cine norteamericano; Cine y cultura de masas en España; Información, comunicación y tecnología audiovisual.
GUBERN, ROMAN (Autor/a).
Temática Cátedra: Comunicación e imagen. Teoría y técnicas de realización;

Enmarcada en poco más de un quindenio (1960-1977), la obra de Mario Bava brilla en la historia del cine italiano debido a la personalísima magnificencia artística mediante la cual supo reconfigurar los parámetros del género fantástico y de terror, aportando una insólita sensualidad macabra y un envolvente barroquismo formal, y creando dos corrientes tan contrastadas como el “gotico all’italiana” y el “giallo”. Obras maestras como “La máscara del demonio”, “Seis mujeres para el asesino”, “Terror en el espacio” y “Diabolik” fueron tan sumamente innovadoras y particulares que sin ellas serían impensables ramificaciones relevantes del cine fantástico moderno, y verifican a perpetuidad el extraordinario talento de un maestro del romanticismo negro fílmico.Premiado historiador cinematográfico y novelista, Carlos Aguilar desglosa tan singular caso mediante un ensayo que aúna la crónica histórico-biográfica con la valoración estética, describiendo además el ingrato contexto industrial donde Mario Bava se desenvolvió esforzadamente.
ÍNDICE: El amor mata, pero no muere; Aprendiendo a matar (1914-1959); Ha nacido un autor (1960-1962); De colores se engalana la muerte (1963-1964); Del futuro imposible al pasado improbable (1965-1966); Del amor limpio a la sangre sucia (1967-1971); Aprendiendo a morir (1972-1980); Filmografía; Bibliografía.

«Este libro aspira a situarse en el terreno más puro de la intermedialidad, el que compara desde distintos puntos de vista dos medios que a lo largo de la historia han mantenido una intensa y muy productiva relación. En este caso hemos elegido una de las líneas posibles, la presencia del teatro en el cine, aun sabedores de la riqueza y diversidad de la influencia de la pantalla en el escenario, notable desde los mismos orígenes del cinematógrafo. Así sucedió en la etapa de “incunabilidad” del cine, cuando, todavía en pañales, el medio recién nacido miró a su hermano mayor, el teatro, en busca de alguna ayuda en recursos y temas. Esta idea, que sirve de sustento para todo el volumen, está desde siempre detrás de la pulsión que lleva al cine a ampararse en el teatro, como se deduce de la admirable abundancia de filmes que abordan el mundo del teatro a partir del delicado y complejo proceso conducente a una escenificación, en cualquiera de sus vertientes.»
ÍNDICE: Capítulo 1. El teatro en el cine. Ensayo de tipología.. Capítulo 2. Filmicidad y teatralidad: del formalismo ruso a los estudios culturales.. Capítulo 3. El “filme de teatro”: arte frente a industria, o “totus mundus agit histrionem”.. Capítulo 4. “Don’t talk; just do it”: la palabra frente a la imagen o el monólogo como problema (el caso de las adaptaciones shakespearianas).. Capítulo 5. “Bamblet”: Shakespeare y Disney se van a África, o casi.. Capítulo 6. Almodramas, o lo tuyo es puro teatro: el teatro en el cine de Pedro Almodóvar.. Bibliografía.

En este ya clásico de la literatura cinematográfica, "Las estrellas de Hollywood por Peter Bogdanovich", el autor, reputado periodista primero y cineasta después, plasma la experiencia acumulada a lo largo de su vida como observador y entendedor en el arte de escribir sobre actores; actores a los que admira desde hace mucho tiempo, actores con los que ha trabajado, a los que ha dirigido y a los que ha ayudado. Marlon Brando, Cary Grant, Humphrey Bogart, John Wayne, James Cagney, John Cassavetes, Charlie Chaplin, Montgomery Clift, Marlene Dietrich, Henry Fonda, Ben Gazzara, Audrey Hepburn, Boris Karloff, Dean Martin, Marilyn Monroe, Sidney Poitier, Frank Sinatra, James Stewart, Jerry Lewis... Bogdanovich capta -en palabras de los actores y las suyas propias- sus trabajos, sus estilos individuales, qué se hizo de ellos a partir de lo que eran, qué les aportó su atractivo y por qué acabaron siendo símbolos de América.