Cuando las primeras pantallas mostraron la mirada cinematográfica de los pioneros del séptimo arte, la ópera llevaba ya tres siglos de andadura. Es posible que el arte de masas en que se convirtió el cine desplazara el centro de interés de un público que, antes de 1896, tenía en la ópera uno de sus divertimentos más exponenciales. Pero aun así, el cine contó con argumentos, cantantes o clichés operísticos, modelo que llega hasta nuestros días. El
" biopic " , la ambientación musical de época o, claro está, la ópera filmada, marcan algunos de los puntos de convergencia de esas dos «obras de arte total» (por decirlo en términos wagnerianos) fusionadas en una sola. Pero este libro se propone reflexionar acerca de las relaciones entre la ópera y las pantallas no cinematográficas: la televisión, el vídeo, el DVD, el BluRay; las transmisiones en directo en salas de cine, en los ordenadores domésticos o en las redes sociales que se consumen a diario. Estos son algunos de los soportes o medios que sustentan la vigencia y el consumo de la ópera, más de cuatrocientos años después de su surgimiento a finales de la era renacentista.

A lo largo de su dilatada historia, la utopía concibió modelos sociales que se sabían ambivalentes e irrealizables porque, desde su mis­mo origen, las contradicciones han de formar parte de la esencia de todo paisaje utópico. Sometida a sus dogmas incuestionables, la utopía se pervierte y se transforma en dis­topía, aunque con frecuencia resulta difícil establecer las fronteras entre una y otra. Partiendo de los modelos clásicos de Huxley y Orwell, en un itinerario que nos llevará desde
" Me­trópolis "
hasta el OASIS de
" Ready Player One " , el presente volumen no­tificará, a partir de una variada selección filmográfica, el fracaso de estos modelos de sociedad rígidos y reglamentados. Recuperar el pensamiento utópico hoy supone enfrentarlo con los problemas de nuestro tiempo en un mundo real donde individuo y comunidad pue­dan convivir sin fricciones. El cine contribuye poderosamente a mantener vivo este relato, pues uno y otro se sitúan bajo el mismo entorno del sueño.

Una llamada de Carlos Saura puso en contacto con Stanley Kubrick a Vicente Molina Foix, quien, a lo largo de veinte años de una relación que solo acabó con la muerte del director, tradujo al español los diálogos de cinco de sus películas. Este libro es una crónica de esa labor y del trato esporádico pero a menudo jugoso con el propio cineasta -del que es testimonio la una atípica entrevista que Molina Foix le hizo en su casa en los años 80, y que se incluye como apéndice- y sobre todo un retrato de este como creador infinitamente curioso, maniático en la exigencia de calidad, que llegó a ser la figura más célebre y poderosa del cine americano sin dejar de ser un artista minucioso y artesanal. Un testimonio de primera mano de la ética de trabajo de Stanley Kubrick a cargo del traductor al castellano de cinco de sus películas.

Hayao Miyazaki, «el dios del anime», como se le conoce ya mundialmente, no es sólo un excelente director de películas «para niños», sino también uno de los grandes realizadores de la historia del cine. Con su rico imaginario, su fantasía desbordante, su profundo humanismo a la hora de abordar temas de gran calado y su innegable virtuosismo estético, Miyazaki es un genio que ha elevado el medio técnico con el que trabaja –el dibujo animado– a la categoría de arte absoluto, como siglos atrás hizo su compatriota Matsuo Bashô con el haiku.
Este libro bucea en los orígenes ilustres de la animación nipona para ayudar a comprender el reconocimiento que ha alcanzado más allá de sus fronteras nacionales, y expone el marco de referencia cultural en el que se inserta la obra del realizador, caracterizada, entre otras constantes, por la presencia de personajes psicológicamente complejos, por una honda reflexión sobre el uso de la tecnología y por el llamamiento a una convivencia armónica del ser humano con la naturaleza de la que forma parte.