Una obra fundamental tanto para los cinéfilos como para el simple aficionado al cine que aún confía en las grandes praderas y en sus amaneceres blancos y sagrados.

El cine del Oeste contribuyó como ningún otro género a la popularidad del séptimo arte. Con su extraordinaria prosa, su inmensa cultura cinematográfica y su fascinación por las películas de vaqueros, Ángel Fernández-Santos rinde en este libro un apasionado homenaje a esos míticos westerns. Para ello se aleja de los tópicos y profundiza en la esencia y las raíces de un género cinematográfico universal, recorre sus temas y características principales apoyado por numerosas citas de diálogos extraordinarios, que traen a la mente del lector un puñado de grandes cineastas y actores (James Stewart, John Wayne, Randolph Scott, William Holden, John Ford, Sam Peckinpah, Nicholas Ray o Howard Hawks) y de películas inolvidables (Solo ante el peligro, El hombre que matóa Liberty Valance, Dos cabalgan juntos, Fort Apache, Centauros del desierto, Los que no perdonan o Johnny Guitar).

Junto con Jean-Luc Godard, Rivette es considerado uno de los directores más influyentes de la "nouvelle vague". Se inicia en el mundo del cine escribiendo para revistas especializadas como "Cahiers du Cinéma". Ferviente admirador de cineastas como Jean Renoir, Howard Hawks y Roberto Rossellini, sus artículos son fundamentales para comprender nociones como la de puesta en escena y la de modernidad. Como cineasta, sus películas proponen una mezcla de géneros y experimentan con la duración y con la improvisación. La singularidad de su obra se evidencia por ejemplo en la creación de un universo habitado sobre todo por personajes femeninos, algo inusual en un movimiento como el de la "nouvelle vague". Entre sus películas más notorias podemos señalar: "Paris nous appartient" (1961), "L'amour fou" (1968), "Céline et Julie vont en bateau" (1974), "Le Pont du Nord" (1981) y "La bella mentirosa" (1991).

El homenaje oficial al personaje más conocido y querido de Disney.

«Solo espero que nunca perdamos de vista una cosa: que todo esto lo empezó un ratón.»
Walt Disney

Tras sus modestos inicios en 1928, este ratón creado por Walt Disney se ha convertido en uno de los personajes más conocidos y queridos. Descubre los dibujos, acetatos y obras de arte de la original exposición Mickey Mouse: From Walt to the World de The Walt Disney Family Museum.

El diseño de Mickey. Muestra cómo Walt creó y perfeccionó a su famoso ratón, y repasa el trabajo de otros artistas que construyeron Disney, como Ub Iwerks y Fred Moore.

Mickey en el cine. Explora su dilatada carrera cinematográfica desde sus humildes inicios en Barco de vapor Willie (1928) hasta la gran obra de arte que es Fantasía (1940) y muchas otras películas, tanto cortometrajes clásicos como tesoros olvidados.

Mickey en los cómics. Ilustra el trabajo de Walt para llevar a Mickey de la gran pantalla a los periódicos con la ayuda de Ub Iwerks y las tiras cómicas que se publicaron en todo el mundo.

El merchandise de Mickey. Presenta las muchas reproducciones del personaje por todo el mundo como muñeco de trapo o figurita, en relojes de pulsera, platos, pañuelos y mucho más.

Mickey en el arte. Ofrece una muestra de las obras de arte creadas por artistas de la talla de Andy Warhol y Damien Hirst, además de nuevas obras de la ilustradora de Disney Lorelay Bové y el muralista de San Francisco Sirron Norris; e ilustra cómo estos artistas y otros han intentado retratar a Mickey, ese símbolo íntegro de la felicidad y la nostalgia, inseparable del espíritu estadounidense, el ingenio y el éxito.

“El resplandor puede ser la primera película capaz de sobresaltar a su audiencia con un título que simplemente dice 'Martes'”, proclamó The New York Times. Nunca una película había provocado tanto miedo en el público con tan poca sangre como la adaptación de Stanley Kubrick de la novela de 1977 del mismísimo maestro del terror, Stephen King, donde el verdadero horror se encuentra en los rincones más oscuros de la vida doméstica y del aislamiento.

Stanley Kubrick’s The Shining es tanto un estudio de la intrincada mecánica del genio de Kubrick como un análisis en profundidad de la creación de una obra maestra visual. En su elaboración, se han destilado cientos de horas de nuevas entrevistas en exclusiva con los miembros del reparto y del equipo técnico en una mirada sin precedentes a este clásico de culto de 1980, que recibió críticas muy negativas cuando se estrenó. Cuélese en el Overlook Hotel y sea testigo de las interminables sesiones de reescritura del guion de Kubrick, la mecánica detrás del siniestro elevador de sangre, el uso revolucionario de la Steadicam, el misterioso incendio en pleno rodaje en los Elstree Studios y las innumerables tomas necesarias para satisfacer el genio meticuloso de Kubrick.

Editada por el ganador del Premio de la Academia, el director Lee Unkrich, descrito por The Hollywood Reporter como “el fan de El resplandor más importante del mundo”, y con texto del autor superventas J.W. Rinzler, esta edición es el compendio definitivo de la película que transformó el género de terror.

La colección en dos volúmenes incluye cientos de fotografías inéditas de producción y entre bastidores, documentos de producción, correspondencia privada y bocetos de diseños de escena procedentes del Stanley Kubrick Film Archive, y documentos personales de miembros del elenco y del equipo técnico.

THE SHINING y todos los personajes y elementos relacionados © & ™ Warner Bros. Entertainment Inc. (s22)

Los profundos e interesantes cambios de la sociedad española en el último siglo vistos a través de las películas que han marcado ese periodo.

El cine refleja los cambios sociales, pero también los induce. A lo largo de las páginas del libro veremos, de una forma amena y llena de ejemplos, cómo el cine es espejo de la sociedad española del siglo XX. El autor recorrerá las películas más emblemáticas de nuestro cine en el pasado siglo para mostrar, entre otras cosas, que Berlanga y Almodóvar se parecen más de lo que parece, y que reflejan el barullo de país en el que vivimos. Y esto desde el bar de la esquina donde todo el mundo sigue arreglando el mundo a golpe de vermut (aunque ahora el bar lo lleve un chino) hasta el Congreso de los Diputados, donde se hace más teatro que en muchos escenarios (la calidad del esperpento es otra cuestión).

Un acercamiento inédito e íntimo a la etapa de madurez de Luis Buñuel:
la escritura y creación de Belle de jour y su resurrección como cineasta.

«La película erótica más conocida de la época moderna, quizás la mejor».
Roger Ebert, Chicago Sun-Times

Fermín Solís revisita el icono universal de la mano del Luis Buñuel Film Institute

Un acercamiento insólito a la etapa de madurez de Luis Buñuel y a su resurrección como cineasta.

Esto ocurre a tres bandas entre Madrid, París y México, durante cinco semanas, a mediados de los años sesenta. Si miramos un poco más de cerca, vamos a asistir a la segunda colaboración entre Luis Buñuel y Jean-Claude Carrière, en un momento en el que la mitad del mundo del cine daba por acabado al genio aragonés y la otra mitad lo daba por muerto.

Ambos están enfrascados en la escritura del guion de Belle de jour, intentan adaptar la novela homónima del escritor de entreguerras Joseph Kessel, un proyecto maldito que ya ha pasado por las manos de varios directores, guionistas y productores. Buñuel sufre una profunda crisis creativa y vital, y Carrière ve como peligra su incipiente carrera cinematográfica a la vez que su matrimonio se desmorona.

A veces, para salir de un embrollo, hay que asociarse con los personajes más inesperados.

Sobre Buñuel en el laberinto de las tortugas, la crítica ha dicho:

«Un tebeo excelente a todos los niveles».
Gerardo Vilches, The Watcher and the Tower

«El cineasta que retrata Solís filma la crudeza real y a veces fuerza secuencias para conmocionar. Cree que el fin justifica los medios».
Tereixa Constenla, El País

«Solís consiguecrear desde un rigor documentado un gran libro gráfico, en el que se puede encontrar más de una enseñanza».
Pablo Delgado, ABC

«Novela gráfica afrancesada y ágil en la que la acción transcurre entre el humor provocado porlos tintes surrealistas que ponían en juego las contradicciones del aragonés».
Daniel Montserrat, El Periódico de Aragón

«Una novela gráfica tan emotiva como respetuosa con sus personajes».
Pedro Ramos Delgado, Diagonal

«La obra más ambiciosa y densa de toda la carrera de Solís».
Pepo Pérez, Con C de Arte

¿Sabías que el Joker se inspiró en un personaje de una de las primeras películas de terror, rodada en 1927? Pocos años antes, Nosferatu había helado la sangre de un impresionable público que creyó que su protagonista, Max Schreck, era un vampiro real. Pocos conocen que Ed Wood, el padre de la serie B, solía travestirse, y que su cine inspiraría la popular saga de zombis Resident Evil. Grandes actores y cineastas coquetearon con un género denostado durante años, como Jack Nicholson, protagonista de la peor película de terror de la historia, o Stanley Kubrick, quien estuvo a punto de dirigir El Exorcista.
Cine y terror siempre han ido de la mano. Y ya no hablamos del pavor que causó tal milagro técnico entre algunos espectadores de principios de siglo pasado —esto de verdad ocurrió—, sino de nuestra inclinación hacia las historias que nos fascinan y aterran, aquellas que desde los albores de la Humanidad se han susurrado frente a la vacilante luz de una hoguera y que, llegado el momento, dieron el salto a la gran pantalla para seguir ejerciendo su poderoso influjo.
Desde el expresionismo alemán del cine mudo hasta el vanguardista «Elevated Horror», pasando por los monstruos de la Universal, la serie B, el género de posesiones demoníacas de los 70, las criaturas de videoclub de los 80, el revolucionario «found footage» o el impactante terror japonés. Un siglo de curiosidades para sumergirse en las profundidades del fenómeno cinematográfico por excelencia, de la mano de uno de los mayores expertos y amantes del terror.