Autores: Autor:Guy de Maupassant, Dorothy M. Johnson, Stefan Zweig, James Joyce, Agatha Christie, Akinari Ueda, Ryunosuke Akutagawa, Fiódor M. Dostoievski, Isak Dinesen, Daphne du Maurier.

Los relatos de los grandes maestros de la literatura que origen a las más inolvidables obras del séptimo arte.

Los pájaros, Rashomon, Le plaisir, Cuentos de la luna pálida, La paura, Ellos y ellas, El hombre que mató a Liberty Valance, Una historia inmortal, Une femme douce, Dublineses, Testigo de cargo.

El distinto poder evocador de las palabras y de las imágenes es lo que diferencia principalmente los discursos compositivos de la literatura y del cine. Aunque, por su naturaleza concreta, el séptimo arte es incapaz de servirse de la capacidad sugestiva de la escritura, la verdadera ficción cinematográfica siempre encuentra la manera de metamorfosearse y, mediante un lenguaje propio, erigirse como una creación totalmente nueva y autónoma, sin por ello renunciar al espíritu de la narración original.

Esta exquisita antología recoge once relatos —precedidos por una breve introducción sobre el texto y su adaptación fílmica— de algunos de los escritores más destacados de la literatura universal, que además de poseer en sí mismos una calidad ejemplar, dieron lugar a indiscutibles obras maestras de la gran pantalla.

Proceso a la civilización: La Crítica de la Modernidad en la Historia del Cine reúne una serie de ensayos sobre clásicos del cine del siglo veinte que han planteado los dilemas sociales, políticos, militares y ecológicos de la civilización industrial.
Este libro constituye una aportación esencial a la interpretación de la historia del cine como reflexión artística sobre nuestro mundo histórico. Su autor, Eduardo Subirats, lo llama "Kinosofía" y lo distingue de las corrientes interpretaciones formalistas de la obra de arte y de la dominante concepción del cine como industria de la conciencia y del entretenimiento. Así, Proceso a la civilización es algo más que una reflexión sobre la filmografía de Buñuel y Dalí, de Lang o Kubrick, de Vertov o Imamura, de Szabó o Beckett, de Welles, Pasolini, Gutiérrez Alea o Tarkovsky... A través de sus filmes, Subirats traza un análisis sobre la crisis de nuestro tiempo y formula los prolegómenos de un humanismo en forma de una crítica radical de nuestro tiempo histórico.

No hay que hacer un gran esfuerzo para subrayar la relevancia de Pedro Almodóvar en nuestro cine, en el conjunto de la cultura hispana y hasta en el cine universal. Desde luego, es el director español más conocido en el mundo después de Luis Buñuel. Un cineasta, como diría André Bazin, cuya filmografía en su conjunto es superior a la suma de los filmes individuales porque ha logrado construir un mundo propio a través de su obra cinematográfica.
La filmografía de Pedro Almodóvar sustenta una cosmovisión, pone en pie un mundo de ficción donde es posible establecer relaciones de unas películas con otras, apreciar continuidades en personajes e historias, comprender los intereses y valores del cineasta... Constituye, en suma, un " Universo Almodóvar " .
De ahí que la forma escogida para este libro sea la del diccionario. Cada uno de los artículos o entradas de este trabajo se presenta como un brevísimo ensayo, con los puntos esenciales que hay que tener presentes para que el lector aborde el tema y multiplique su disfrute como espectador. También contiene una selección de testimonios significativos del propio Pedro Almodóvar donde éste profundiza en las raíces de su creatividad y en los temas y preocupaciones de base de su filmografía. En resumen, la propia visión que tiene Almodóvar de sus películas, de su trabajo profesional, del cine en general, y de otras posiciones y convicciones. Un libro extraordinario y original, profusamente ilustrado, que satisfará tanto a los amantes del cine como al lector especializado.

En los años treinta, a Hollywood llegaban muchas mujeres hermosas, incluso demasiadas mujeres hermosas, pero solo unas pocas alcanzaban el éxito entre las trampas del cine, la mafia de los hombres y la maldad de las compañeras de reparto. Así, entre esas elegidas: Conchita Montenegro.
He aquí a la protagonista de esta novela, que rescata una figura desconocida de una España oscura y un Hollywood dorado. Una historia de lujo, pasión y riesgo donde la vida supera al cine.
Conchita Montenegro, nacida Concepción Andrés Picado, fue la primera actriz española que triunfó en Hollywood. «La Greta Garbo española» la bautizó la prensa de la época. Embelesó a Chaplin, despreció a Clark Gable, fue musa de Balenciaga. Antes, había escandalizado a media Europa bailando desnuda en París.
Recién cumplidos los treinta años regresó a España convertida en una gran diva del cine que, de repente, lo abandonó todo sin explicación alguna, como queriendo sepultar una vida loca y ajena. Durante más de medio siglo se escondió de todo y de todos.
Se casó con Ricardo Giménez Arnau, diplomático del franquismo de postguerra, pero el gran amor de su vida fue Leslie Howard, galán de Lo que el viento se llevó, un hombre casado que ejerció de espía y murió en Galicia en trágicas y extrañas circunstancias.

El cine español durante los gobiernos socialistas de las dos últimas décadas del XX se caracteriza, muy en primer lugar, por la fuerte crisis con la caída del número de películas, de espectadores y de salas de cine, lo que conlleva todo un proceso de reducción del entramado industrial en sus diferentes sectores, desde la atomización de la producción, con empresas más pequeñas y coyunturales, a la distribución donde consiguen mayor protagonismo las filiales de los grandes estudios norteamericanos en un parque más reducido de salas. La crisis no tiene únicamente una dimensión económica sino que afecta a la propia percepción que la sociedad española tiene de su cine, con la evidente desafección en los ochenta, donde se convierte en lugar común entre las nuevas generaciones el descrédito de cualquier estreno tildado de españolada; quizá esta dimensión más cultural explique las interminables referencias peyorativas y la recurrente etiqueta “crisis del cine español” que ha llegado hasta el presente.
Las nuevas regulaciones y mecanismos de subvención (ley Miró) y la consiguiente caída de la producción, el acceso de nuevas generaciones de cineastas, los cambios en la exhibición con el vídeo doméstico y las nuevas “ventanas” de las cadenas de televisión, el cine hecho por mujeres, la reformulación de los géneros, el aumento del público a finales de los noventa, la emergencia de nuevos temas y preocupaciones sociales, las sensibilidades de la primera generación nacida en democracia, etc. son algunos de los factores y cuestiones a tener en cuenta en este período del cine y de la sociedad española (1982-1998) de recuperación de las libertades, construcción de la democracia y consolidación de derechos sociales.
Los análisis de 135 películas del período considerado se complementan con una panorámica que da cuenta del marco social, político y cultural de la España de la época; una crónica rigurosa de la legislación y la política cinematográfica de los gobiernos socialistas; y una síntesis de los fuertes cambios industriales y creativos de nuestro cine.

aPor primera vez, Ángela Molina nos habla de su vida y lo hace con la voz de su íntima amiga, Elena Martínez, a quien vemos detrás de su mirada, relatando en estas páginas muchos de los recuerdos de una actriz única con la que convivió desde que eran pequeñas. Momentos inolvidables de una infancia divertida y alborotada, sueños cumplidos, éxitos en el cine, separaciones y reencuentros? Y por supuesto de una familia muy especial, los Molina, cuyo «amor infinito» fue para Ángela «la mejor escuela para aprender a saborear, a gozar, a vivir cada instante del resto de mi vida». De ahí estas palabras suyas:
«Siempre he sentido que mi familia es la cuna de lo que soy. Mi vida entera nace, no solo físicamente, de mi padre, del mundo de mi padre. Él es el manantial. Como si todo mi mundo, como si el mundo entero, estuvieran ahí, en él y en los que le rodeaban y trabajaban a su lado».

La presente obra se interroga sobre el fenómeno utópico y sobre la estela que ha dejado en el cine. En efecto, el pensamiento utópico ha inspirado el arte, la literatura y la música occidentales de todo tiempo y lugar. El ensueño de la sociedad perfecta ha generado una poderosa fascinación sobre el imaginario colectivo, y esto justifica el interés que el cine ha mostrado por estos paisajes imaginarios, tanto en su vertiente positiva como en la negativa. A través de sus representaciones cinematográficas, este trabajo define el concepto de utopía y reconoce sus fronteras. Desde la República platónica hasta el Walden Dos de Skinner, y desde Shangri-La hasta Tomorrowland, el estudio aborda una completa historia de la utopía tal como ha sido modelada por el cine, pero asimismo traza una pequeña historia del cine a través de sus concepciones utópicas.

La tragedia y la polémica han marcado la vida de Roman Polanski. A principios de los 80, Polanski escribió unas memorias prematuras que ahora, treinta años después, ha decidido completar y matizar desde una perspectiva mucho más madura. Un libro nuevo en el que Polanski nos habla de la vida y de su vida, de los hechos que la han marcado y de las polémicas que lo han acorralado. Un libro único de uno de los últimos genios vivos.

Hijo de la " nouvelle vague " , del marxismo y del psicoanálisis, pero también de Cocteau, de Renoir o de la poesía más temperamental y romántica, Bernardo Bertolucci supo procesar sus muchas influencias, asumir sus contradicciones y consolidar un estilo propio, convirtiéndose en uno de los grandes directores del panorama internacional y en uno de los indiscutibles estandartes del llamado cine de la modernidad. Antiguo exponente de una asombrosa precocidad fílmica que le llevó a rodar varios títulos de culto a lo largo de los años sesenta, el enorme impacto suscitado por " El último tango en París " popularizó su figura y facilitó su progresiva conversión en un cineasta internacional, en un camino que le llevaría desde la bella y monumental Novecento hasta la ambiciosa " El cielo protector " , pasando por la oscarizada " El último emperador " . En tiempos más recientes el autor ha retornado a un cine más estrictamente intimista, preservando la seducción de su persuasivo y elegante estilo visual y su proverbial capacidad para generar imágenes perdurables.

Los inicios de Eastwood hablan del destino y de los inesperados sitios donde puede esconderse. En 1964, un desconocido actor de California acepta la propuesta de un director de cine italiano para rodar un western con localizaciones en España. Al ver por primera vez a su intérprete, Sergio Leone supo que era el idóneo. El hoy incontestable icono norteamericano llevaba varias temporadas encasillado en una serie de televisión y había sido rechazado por los grandes estudios. Eastwood se hizo cargo del extraño protagonista de Por un puñado de dólares después de que otros rechazaran el proyecto por la calidad del guión o las condiciones económicas. El rodaje, llevado a cabo entre la primavera y el verano, estuvo salpicado por problemas e impagos, pero apenas unos meses después la película se estrenó en Italia y desde el primer momento se convirtió en un gran éxito. En 1965 y 1966, el actor regresó para hacer otras dos a las órdenes de Leone. Su suerte había cambiado: "Después de los westerns que hice en España me convertí de repente en Clint Eastwood?. Esta es la historia y el origen de su leyenda.